Живопись

Мари Бракемон. «Полуденный чай». 1880 г.

Архип Куинджи. «Снежные вершины гор. Кавказ». 1895 г.

Картины Пабло Пикассо всегда пробуждали во мне двойственные чувства. С одной стороны "если я хорошенько постараюсь, то напишу не хуже!". А с другой стороны "ну как у него это получается?".
Потом я узнал, что как и большинство великих художников Пабло жил весьма скромно, временами впроголодь, и успокоился...
Теперь просто любуюсь картинами.
Хотя, с точки зрения вакханалии в колористике, мне больше импонирует Тулуз-Лотрек...

Василь Карпушевський. «Рассказ первоклассника». 1957 г.

Фредерик Лейтон. «Сад отеля на Капри». 1859 г. Холст, масло. 48,9х66,7 см. Бирмингемский музей и художественная галерея. Великобритания.

Пластов Аркадий Александрович. "Когда на земле мир", 1957. Холст, масло.

Сидоров Валентин Михайлович (1928 - 2021). «Ясным днем 22 июня», 1977.

Кугач Юрий Петрович (1917 - 2013). «Сироты», 1975.

Безродный Петр Васильевич. «Летняя ночь в Петербурге». Холст, масло 71 х 110 см. Краснодарский краевой художественный музей имени Ф.А. Коваленко.

Поленов Василий Дмитриевич. "Солнечный день. Мельница. Ольшанка, Тамбовской губернии", конец 1870-х. Холст, масло 10 x 17,8 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Левитан Исаак Ильич. «Вид на Нижний Новгород», начало 1890-х. Холст, масло. 9 x 14 см. Новокузнецкий художественный музей, Кемеровская обл.

Иоганн Генрих Фюссли. «Мечта пастуха». 1793 г. Холст, масло. Галерея Тейт. Лондон. Англия.

Томас Гейнсборо. «Мальчик в голубом». 1770 г. Холст, масло. 178×122 см. Huntington Library. Сан-Марино. Калифорния. США.

Богданов-Бельский Николай Петрович (1868 - 1945). «Деревенские мальчики», 1936.

Через 5 лет они сражались за Родину.

Джеймс Тиссо. «Вдовец», 1876 г. Холст, масло. Размер: 11 6x74,3 см. Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней.

Джеймс (Жак-Жозеф) Тиссо (1836-1902) – французский художник и иллюстратор, живший в Англии. Прославился своим циклом иллюстраций «Жизнь Христа и Ветхий Завет», а также картинами, изображающими модных красавиц Парижа и Лондона.

«Вдовец» — нетипичное произведение в ряду работ Джеймса Тиссо. В основном он изображал не отмеченные особой глубиной эмоционального переживания сцены из светской жизни: обеды, встречи, прогулки, беседы, посещения салонов и театра. К вышеобозначенному жанру на первый взгляд можно было бы отнести и данную картину, содержащую в себе настоящее чувство трагического, которое обнаруживается внезапно, лишь благодаря названию, и тут же открывает новое измерение, даруя зрителю возможность прочтения изначального авторского замысла.

Сцена, которую можно принять за будничную, повседневную, превращается в тихое, но от этого не менее драматическое выражение горькой утраты, видимой и в отрешенном лице мужчины, и в том, как бережно держит он свою маленькую дочь. Девочка, должно быть, не осознает потерю или вовсе не знает о ней, и ее беспечный образ дополнительно оттеняет и подчеркивает скорбь отца, испытывающего боль сразу за двоих. Кем был этот мужчина и существовал ли он вообще, не установлено, однако считается, что персонажи изображены в саду лондонской резиденции Тиссо. Присущее живописцу высокое качество технического исполнения с убедительно написанными фактурами придает полотну еще большую выразительность.

Дженеев Иван Алексеевич (1868-1955). «Водные глубины. Омут». 1907.

Славянский образ русалки является самобытным и сложным. Сложился он ещё в далёкой древности. Славяне рассказывали, что в русалок превращаются умершие в младенчестве некрещённые дети или совсем молодые девушки.

Нередко в поверьях говорится о том, что русалками становились девушки, утопившиеся из-за неразделённой любви. Согласно преданиям, в лунную ночь они выходят из воды и ловят одинокого мужчину, которого затаскивают к себе в омут. Делают они это из мести за своё разбитое сердце.

Жан-Леон Жером. «Бассейн в гареме». 1875.

Гарем в исламском обществе означал запретную часть дома, предназначенную для женщин. Находясь под впечатлением от поездок по Ближнему Востоку, Жан-Леон Жером избрал темой своей картины именно сцену в гареме, когда темнокожая служанка предлагает кальяны двум белым наложницам султана у бассейна в турецкой бане. Жером как представитель европейского живописного искусства уделял большое внимание изображению женской наготы и вообще красоте человеческого тела, что противоречило исламским традициям, в то время как свидетелем данной сцены художник не был, да и не мог стать.

Картина, написана по заказу великого князя Александра Александровича (будущего императора Александра III), использовалась в рекламе виски, вызвавшей критику, но уже теперь со стороны христиан из-за своего сексуального подтекста.

Владимир Маковский. «Тет-а-тет», 1885-1905. Холст, масло, 32,4 x 28 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Владимир Маковский – непревзойденный мастер короткого, меткого рассказа в живописи. В своих произведениях художник создал целую галерею образов. Чиновники, купцы, торговцы, врачи, музыканты, студенты, приказчики, судьи, полицейские, ремесленники, мастеровые, служащие, лакеи, крестьяне – люди различного звания, положения, возраста, достатка стали полноправными персонажами его произведений.

На небольшой картине «Тет-а-тет» в уютной гостиной изображены две старушки неторопливо беседующие за чашкой чая. Обращает на себя внимание интерес художника к деталям мещанского быта: «красный угол» с почерневшими иконами в золоченых окладах и горящей лампадой, картины и гравюры на стенах, ворсовый ковер на полу, скатерть на столе, милая собачонка в шерстяной, заботливо связанной, красной кофточке. С меткой наблюдательностью и точностью Владимир Маковский воспроизводит обстановку интерьера.

Современник, близкий друг художника, пейзажист Александр Киселёв писал, что вследствие склонности к изображению определенных типов, Владимир Маковский любил «останавливаться на повседневных сюжетах, не составляющих никакого эпизода, как беседа за чайным столом, в трактире». Сцены домашнего и семейного быта, с чертами «комичной патриархальности» позволяли художнику раскрыть внутренний мир персонажей, передать атмосферу частной жизни, воспроизвести особенности мира городских обывателей.

В переводе с французского языка выражение «тет-а-тет» означает «наедине», «с глазу на глаз». Неслучайно картина известна под вторым названием – «Визит».

Майков Николай Александрович. «Летняя ночь в Финляндии», 1890. Холст, масло 77 х 112 см. Краснодарский краевой художественный музей имени Ф.А. Коваленко.

Эдмунд Блэр Лейтон
«Пока смерть не разлучит нас», 1878 г. Холст, масло. Частное собрание
«Регистрация брака», 1920 г. Масло, холст. Размер: 91х122 см. Галерея искусств Бристоль

У британского художника Эдмунда Блэр Лейтона (1853 -1922) есть две замечательных работы на одну и ту же тему - торжественный момент регистрации брака. Эти картины написаны с разницей 42 года. Но одна из них светлая и лирическая, вторая - это скорбный трагифарс.

Интересно, что драматичную картину, затрагивающую тему мезальянса, Лейтон написал в 25-летнем возрасте. Невеста старика - совсем ещё юная девочка. Но счастливой её назвать трудно. Она смиренно участвует в происходящем обряде, а лицо её выражает скорбь и тоску.

Начало брака на картине «Регистрация брака», которую Лейтон создал за два года до смерти, выглядит торжественным, немного волнительным, сосредоточенным, но радостным. Невеста ставит свою подпись под брачным договором. Рядом с ней находится молодой, статный и красивый жених, с интересом и волнением наблюдающий за происходящем. На заднем плане - родители и близкие молодожёнов. Они тоже взволнованы, но это радостное волнение. Невесту озаряет яркий солнечный свет из окна. И становится ясно, что впереди пару ожидают долгие годы счастливой совместной жизни, пока их не разлучит смерть.

Суходольский Петр Александрович. "Утро", 1890. Холст, масло. 21 x 30 см. Национальная галерея республики Коми, Сыктывкар.

Пабло Пикассо. «Завтрак слепого», 1903 г. Холст, масло. Размер: 95.3×94.6 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

В период с 1901 по 1905 его муза была облачена только в синие тона, поэтому этот этап в творчестве художника был условно выделен искусствоведами как «голубой» период. В это время художнику было чуть более 20 лет, и его художественная философия базировалась на утверждении, что синий – «цвет всех цветов». Сложно сказать, что явилось причиной «голубого периода» творчества великого мастера. Некоторые исследователи полагают, что причина таких упаднических настроений – самоубийство лучшего друга Карлоса Касагемоса, начинающего художника. Вместе с ним Пикассо мечтал покорить и сотрясти весь художественный мир, рисуя счастливое будущее. Эта потеря оказала на Пикассо колоссальное воздействие и ввергла его в длительную депрессию, из которой его выведет лишь новое амурное увлечение годы спустя.

«Завтрак слепого» — одна из самых печальных. На картине — вытянутое тело слепого, немного в стиле Эль Греко, скудный стол, хлеб и вино, отсылающие к христианской символике. И — характерные для этого периода творчества мрачные синие краски. С первого взгляда картина поражает своей безысходностью. Герой – слепой юноша, окруженный малочисленными бедняцкими предметами, которые ещё больше подчёркивают трагичность его положения.
Главные акценты полотна сосредоточены на глазах и руках героя. Автор не прорисовал невидящие очи молодого человека – это лишь затемнённые впадины, которые ярко и лаконично демонстрируют темноту, в которую навечно погружён юноша. Далее, взгляд переводится на тонкие и длинные пальцы. В одной руке слепой держит небольшой ломоть хлеба, второй же, пытается на ощупь дотянуться до глиняного кувшина.
Бедный стол, на котором нет ничего, кроме пустой тарелки и кувшина, щемящей тоской откликается в сердцах зрителей. Беспомощность, бедность, уныние, а главное обречённое одиночество – главные лейтмотивы картины. Синяя палитра создаёт некое отрешённое настроение и ещё более подчёркивает бледность лица героя.

Оскар Кокошка. «Карлов мост в Праге», 1936 г. Холст, масло. Размер: 94x128 см. Национальная галерея Прага.

В Праге все дороги ведут к Карлову мосту, перекинутому через полноводную Влтаву еще в XIV веке. Сейчас это самая знаменитая достопримечательность чешской столицы. Любоваться мостом можно и днём, и вечером — он прекрасен в любую погоду. Сегодня мы посмотрим на Карлов мост глазами Оскара Кокошки, австрийского живописца, графика, поэта и драматурга. Австрийский художник, спасаясь от фашизма, с 1934 по 1938 год жил в чешской столице, где получил чехословацкое гражданство и сохранил его до 1947 года.

К этому периоду относится картина «Карлов мост в Праге», написанная в стиле экспрессионизма. Кокошка передает посредством палитры ярких голубых, зеленых и оливково-серых тонов впечатление от реки, в которой отражаются синева небес, зелень садов и древние камни старинных строений. Выразительно колышущиеся динамичные мазки, нервная дрожь контуров и мерцание розоватых бликов создают эмоционально насыщенную атмосферу. Панорамный ландшафт с открывающимся вдали видом Пражского кремля написан с эпической широтой и тонким трепетным чувством.

Двумя годами раньше Оскар Кокошка написал еще одну картину «Карлов Мост» (1934), которая была куплена на аукционе и находится в частной коллекции.

Илья Ефимович Репин. «Гопак», 1926-1929 г. Размер: 174×210 см. Частная коллекция.

Третья Ильи Репина картина на запорожскую тему была написана в сложный период творчества Репина, который Игорь Грабарь, ученик художника, назвал «временем творческого упадка». Впрочем, последние десятилетия искусствоведы стали иначе оценивать поздний период художественного творчества Репина.

Картина «Гопак» (иногда используется название «Пляска запорожцев») написана в финской усадьбе Пенаты на куске линолеума (кое-где даже проглядывает его узор). В последние годы Репин жил в бедности и денег не хватало даже на холсты. Работа была начата 82-летним художником в 1926 году, потом приостановлена и вновь продолжена в 1928-1929 годах. Всего через год, в 1930 году, Репин умер.

Автор посвятил картину своему близкому другу и любимому композитору Модесту Мусоргскому. У Мусоргского была опера, «Сорочинская ярмарка», которой Репин восхищался. Один из отрывков оперы так и называется — «Гопак».

Репин изобразил танцующих казаков, которые энергично и смело прыгают через алый костер. Все герои одеты ярко и красочно (их наряды буквально пылают красно-желтыми оттенками, напоминая языки огненного пламени). На поясах героев свисают темные ножны. Ярко и мощно ощущается динамика танца. С уверенностью можно сказать, что почти каждому зрителю захотелось ринуться в пляс вместе с героями картины Репина.

Главный герой сюжета – задорно танцующий казак в правой части картины. Он одет в яркий наряд: восточный колорит, золотистые орнаменты, широкие национальные шаровары и кафтан. На голове у запорожца красуется алая шапка. Справа зритель видит другого казака, который играет на музыкальном инструменте (вполне вероятно, это бандура). Также заметны фигуры прыгающего через костер мужчины и еще одного казака, который бросает дрова в огонь.

Удаль, веселье, озорство и яркий оптимизм – основные эмоции, которые ощущаются от картины Репина! А с другой стороны, болезненная яркость, странные ракурсы, кажущееся веселье танцующих — все это почерк другого Репина, почти незнакомого тем, кто вырос в СССР. Вот слова Репина в период написания картины: «Недели три я очень плохо себя чувствовал, но все же, опираясь то на шпалы, то на стены, все же не бросал Сечи — подползал и отползал. Но кончить уже не смогу... А жаль. Картина выходит красивая, веселая».

В России "Гопак" (или "Пляска запорожцев", 1927) появилась только в 2005 году в московской антикварной галерее "Первые имена". Друзья Репина и поклонники его творчества могли видеть картину в мастерской художника в Куоккале и после смерти художника, она была там до конца 1930-х годов.

Многим искусствоведам «Гопак» не нравится. И все же эта картина интересна нам, как последний замысел, последнее творение мастера и последнее утешение художника в тяжелые предсмертные годы в Пенатах.

Кирилл Викентьевич Лемоха. «Варька», 1893 год, Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера.

Константин Алексеевич Коровин. «В охотинской мастерской художника», 1914 г. Холст, масло. Размер: 87,2x66,7 см. Государственный художественный музей Югры.

Константин Коровин редко писал портреты, а уж если брался за работу, то изображал преимущественно близких ему людей. «В охотинской мастерской художника» - портрет гражданской жены Коровина, актрисы Надежды Комаровской. С ней художник познакомился, когда ему было 46 лет. Отношения они не афишировали, и в своих автобиографических рассказах Коровин о ней не писал. Зато Комаровская под конец жизни написала книгу воспоминаний «О Константине Коровине».

Надежду Комаровскую художник написал в своей мастерской, которая находилась в небольшой деревне Охотино Переславского района. Это было любимое место Константина Коровина.

(Кьеричи). "Радость" и "Горе", 1871.

Картины прекрасного итальянского художника Гаэтано Чиерици позволяет зрителю окунуться в мир детства XIX века. В большинстве случаев живописец изображал своих героев веселыми и счастливыми, несмотря на бедность и тяготы крестьянской жизни.

Такова картина "Радость". В том же 1871 году была написана вторая представленная сегодня картина "Горе", которая показывает противоположные детские эмоции - переживания мальчика по поводу смерти его птички.

Еще при жизни мастера стоимость его полотен была настолько высока, что он мог вести жизнь состоятельного человека. Искрящийся позитив его картин притягивал и продолжает притягивать, как и полтора века тому назад, взоры восхищенной публики. Сегодня за его шедевры на аукционах выкладывают баснословные суммы.

Генрих Ипполитович Семирадский. «Сократ застает своего ученика Алкивиада у гетеры», 1875 г. Холст, масло. Размер: 112x185 см. Ставропольский музей изобразительных искусств.

Афинский полководец и государственный деятель Алкивиад(ок. 450–404 до н.э.) принадлежал к одной из богатейших и благороднейших семей афинской аристократии. Его отец Клиний был из знатного рода Скамбонидов, возводивших начало рода к легендарному Аяксу Теламониду и через него к самому Зевсу.

Некоторое время Алкивиад был учеником Сократа и вместе с ним участвовал в военных походах, живя в одной палатке. Античный сюжет с гетерами, Алкивиадом и Сократом был известен давно — по рельефам с декоративных фризов Парфенона. Но в европейском изобразительном искусстве особой популярностью он стал пользоваться с XVIII века. Картины на эту тему аллегорически иллюстрировали силу, которую имеют разум и логика над плотскими удовольствиями.

Картина Генриха Семирадского поступила в Ставропольский краеведческий музей из собрания купцов Алафузовых под названием «Из римской жизни (Ваза или женщина)». После проведенных в музее исследований картина оказалась авторским повторением полотна, созданного художником в 1868 году, — «Сократ застает своего ученика Алкивиада у гетеры». За эту работу Семирадский получил малую золотую медаль Академии художеств.

Коровин Константин Алексеевич. «В лодке». 1988. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Ловис Коринт ( 1858-1925). «Искушение Святого Антония».

Владимир Маковский."Варят варенье". 1876. 34×50. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

На этой картине мы видим пожилую пару, которая сидит за столом и сосредоточенно занимается каким-то важным делом. Всё вокруг их деревянного дома наполнено мягким светом, спокойствием и умиротворением. Чем же занимаются эти мужчина и женщина?
Как мы может понять из названия картины, старички варят варенье. Они так увлечены этим занятием, что, кажется не замечают ничего вокруг. Женщина неторопливо помешивает готовящийся десерт, а мужчина перебирает ягоды.

В то время к варке варенья подходили особенно тщательно. У каждой хозяйки были свои секреты. Герои картины Маковского варят варенье из мелких красных ягод, скорее всего, малины или земляники. Сахар тогда стоил дорого, поэтому для приготовления использовали мёд или патоку.
Иногда варенье готовилось и вовсе без добавления сладкого. Ягоды просто уваривались в собственном соку до уменьшения объёма и появления густоты. Такой продукт хорошо хранился в погребах всю зиму и подавался в качестве лакомства на праздники или важные события.

Рецепт 1827 года варенья из клубники выглядит так:
Возьми фунтъ сахару, разведи его пополамъ с отварною и гуляфною водою, и поставя на жаръ, свари изъ него сыроп, и какъ уварится въ надлежащую густоту, то положи въ него фунтъ клубники, и на легкомъ жару оную кипяти; но должно смотреть, чтоб клубника не развалилась, ибо она слабее всякой ягоды к варенью, почему и должно оную менее другихъ ягодъ въ сыропе варить.

На картине Маковского с уважением и любовью изображён неторопливый быт типичных «старосветских помещиков», теплота и уют их повседневной жизни. В настоящее время полотно выставляется в Государственной Третьяковской галерее и пользуются большой популярностью и туристов.

Караваджо «Портрет куртизанки». 1598. Холст, масло. 66х53 см. Кайзер-Фридрих-музей, Берлин. Германия.

П.П. Рубенс. «Автопортрет с первой женой, Изабеллой Брандт». 1609-1610 гг. Холст, масло. 178х136 см. Старая Пинакотека. Мюнхен.

Нильс Ганс Кристиансен. «Норвежский фьорд в сумерках». 1894 г.