Живопись

Карл Брюллов. «Портрет светлейшей княгини Елизаветы Павловны Салтыковой». 1841 г.

Поль Сезанн. «Ваза с фруктами». 1880 г. Масло, холст. Частная коллекция.

Константин Крыжицкий. «Балтийское море». 1897 г. Холст, масло. 60х90 см. Музей изобразительных искусств Республики Карелия. Петрозаводск.

Камиль Писсарро. «Жатва близ Монфуко». 1876 г. Холст, масло. Музей Орсе. Париж. Франция.

Иван Айвазовский «Корабли в бурном море. Восход солнца». 1871 г. Холст, масло. 108x143 см. Гос. Русский музей.

Васнецов Аполлинарий Михайлович. "Сосны. Абрамцево", 1880-1886. Холст, масло 47,5 х 66 см. Ростовский областной музей изобразительных искусств.

Шишкин Иван Иванович. "Лесной ручей", 1882. Холст, масло. 93 x 68 см. Частное собрание.

Джек Сэйлор "Солнце, соль и приморсикие воробьи". 2017.

Американский художник Джек Сэйлор родился в Северной Каролине – штате, обильно граничащим своей правой стороной с океаном. Потом долго жил в Испании и Италии, которые, как известно, морем тоже не обделены. Там он с удивлением обнаружил, что стал скучать по собственному наследию и истории. Поэтому вернулся и стал рисовать воздушные чистенькие картины, достойные украсить какой-нибудь пляжный дом.

Валерий Иванович Якоби. «Привал арестантов», 1861 г. Холст, масло. Размер: 99.7×144.4 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина Валерия Якоби «Привал арестантов» сразу вошла в историю искусств как один из шедевров XIX века. Критики назвали это произведение откровенным и злободневным. Все были единодушны в высказываниях: мастеру удалось изобразить актуальные проблемы общества. Эта работа стала вершиной творчества художника. К сожалению, в дальнейшем Якоби уже не сумел создать ничего, равного по значению этому произведению.

Выбор сюжета был не случаен. Детство и юность Валерий Иванович провёл на востоке России, где воочию наблюдал безрадостную жизнь ссыльных. Осуждённых гнали мимо дома, где жил художник. Воспоминания настолько крепко засели в его голове, что воссозданная по памяти картина поражает своей реалистичностью и силой.

На полотне изображена остановившаяся на привал группа арестантов. Центральным персонажем композиции является лежащий на телеге умерший арестант, над которым склонился этапный офицер. Среди других действующих лиц, изображённых на картине, — женщины с детьми и другие арестанты.

Эффект беспросветности жизни усиливает одна важная деталь: под телегу пробрался другой арестант и пытается стащить с пальца умершего кольцо. В такой критической ситуации и проявляется человеческая сущность.

Валерий Якоби представил полотно «Привал арестантов» к окончанию своего обучения в Академии художеств. За эту картину Академия присвоила ему звание классного художника 1-й степени и наградила его большой золотой медалью.

«Портрет Ирода», Джузеппе Арчимбольдо 1580-е.

Художник шестнадцатого века Джузеппе Арчимбольдо пошел по стопам своего отца, Бьяджо, который занимался созданием витражей и фресок. Но знаменитым он стал в другой сфере - благодаря своим необычным аллегорическим картинам. Арчимбольдо писал портреты людей из цветов, фруктов и других неодушевленных предметов. В течение многих десятилетий Арчимбольдо был хорошо известен и любим элитой общества. Одним из ярких примеров художественных аллегорий является картина «Портрет Ирода», написанная в 1580-е годы.

О жизни художника сохранилось мало достоверных документальных сведений, особенно о последнем периоде.

После смерти художника в 1593 году, о его невероятных полотнах забыли на века. Только в период расцвета сюрреализма интерес к ним разгорелся с новой силой. «Смешные картины» Джузеппе Арчимбольдо, вновь открытые в 30-е годы XX века, стали культовыми последователей дадаизма и сюрреализма, а самого художника назвали предтечей этих движений.

Леонид Иванович Соломаткин (1837-1883). «По канату». 1866.

Образ который создал художник, кажется исключительно возвышенным и благородным. Он явно любуется своей героиней, тщательно, почти любовно выписывает ее платье с воздушными многослойными юбками и яркими голубыми лентами, на которых видны все их складки и заломы. Интересный нюанс: наряд девочки-циркачки – бело-голубой, взывает ассоциацию с одеянием Девы Марии, как бы подчеркивая ее юность, чистоту и невинность.

Артуро Морадей (1840-1901)
Венесуэльский живописец. Известный художник XIX в.
"Вдевание нитки в игольное ушко".

Питер Пауль Рубенс. "Падение Проклятых" 1620.

«Падение Проклятых» было написано Рубенсом в 1620 году. На полотне изображено падение ангелов-мятежников с небес в ад. Это огромная картина размером более 2,9 метра на 2,2 метра, на которой нарисовано множество смертных и мятежных ангелов в различной степени обнаженности, падающих с неба в огненную яму внизу. В 1959 году картину облили кислотой. Вандал утверждал, что он не уничтожил произведение искусства напрямую, потому что кислота «освобождает человека от работы по уничтожению» (некоторые подметили, что это немного похоже на то, будто пистолет освобождает человека от работы по выстрелу в голову).

Неизвестно, почему он решил уничтожить «Падение проклятых», но реставраторам пришлось пытаться воссоздать произведение, используя оригинальные эскизы Рубенса. Однако, несмотря на все попытки реставрации, кислота растворила краску и нанесла непоправимый урон части произведения искусства.

Эдуард Деба-Понсан (1847 - 1913). «Утро у ворот Лувра». 1880.

На картине одно из самых известных изображений страшной резни, получившей название «Варфоломеевская ночь».
Массовое убийство гугенотов католиками во Франции произошло в ночь на 24 августа 1572 года, в канун дня святого Варфоломея. Эти трагические события признаны «самой ужасной религиозной резнёй столетия».

Клод Моне. "Регата в Сент-Адрессе". 1867.

Моне так описывал этот пейзаж в письме к своему коллеге Фредерику Базилю: «В числе морских пейзажей я написал Гаврскую регату с людьми на берегу и аванпортом, покрытым множеством маленьких парусов». Смелый широкоугольный взгляд на берег в пейзаже «Регата в Сент-Адрессе» — это лишь один из многих приёмов стиля живописи, который позднее получил от критиков изначально пренебрежительное название «импрессионизм».

Сюжеты картин Моне, который изображал как отдыхающих на природе, так и саму природу, стали очень популярны среди импрессионистов. Широкая палитра голубого и зелёного в изображении воды, синий цвет тени позади людей на переднем плане картины и совершенно другой синий, использованный при изображении лодок на берегу, свидетельствуют о возросшем интересе художника к передаче цвета, света и особых атмосферных условий.

Бела Ивани-Грюнвальд "Молитва". 1891. Холст, масло. 120 x 116 см. Венгерская национальная галерея, Будапешт/

Бела Ивани-Грюнвальд учился у Берталана Секея и Кароя Лотца в Школе декоративного искусства в Будапеште, после — в Мюнхенской академии художеств и Академии Жюлиана в Париже. По возвращении в Мюнхен он примкнул к Шимону Холлоши и в 1890-х писал натуралистические полотна.

К ним относится представленный холст, изображающий совсем юную девушку, молящуюся прямо на улице возле дома. Опираясь на спинку стула, она крепко скрестила пальцы рук и сосредоточилась на обращении к Всевышнему. Видимо, героиня еще недавно была занята своими повседневными делами, но что-то заставило ее прерваться и обратиться к Тому, у Кого она ищет защиту и помощь. Возле дощатого забора среди низкорослых розовых цветов, словно обрамляя фигурку, растут две лилии. Они с давних времен считались символом чистоты, возможно, и в данном полотне растения ведут свое безмолвное повествование о жизни этой девушки.

Вильям Аллан. "Башкиры". 1814.

Картина шотландского художника написана по мотивам его поездок по Кавказу и Прикаспийской низменности.

С большой точностью и достоверностью воспроизводит костюмы и оружие башкирских всадников, которые во время Наполеоновских войн, находясь на положении казачьих войск находились в действующей армии.

Картина находилась в мастерской художника в Эдинбурге, где в декабре 1816 года ее увидел путешествующий по Великобритании великий князь Николай Павлович (будущий император Николай I) и купил её. По прибытии в Россию картина находилась в Аничковом дворце, в собственном кабинете Николая I и числилась под названием «Два башкирца, разговаривающие с тремя поселянами». В 1920 году картина была передана в Эрмитаж. Выставляется в Зимнем дворце в зале 301.

Джулиан Олден Уир. "Красный мост". 1895.

Картина относится к ряду работ художника, вдохновлённых японскими гравюрами укиё-э и относится к импрессионизму, хотя ранее художник являлся противником этого направления. На картине изображён недавно построенный мост через реку Шетакет в Уиндеме (Коннектикут).

Изначально Уир смотрел на новый мост с отвращением — он заменил старый крытый мост, который он любил, но в конце концов решил нарисовать его.

Исходя из публикаций Метрополитен-музея, работа является одной из немногих картин американских импрессионистов, где раскрывается тематика индустриализации.

Эдуард Мане. «Аржантей». 1874 г. Масло, холст. Музей изобразительных искусств. Бельгия.

Эмиль Клаус. «Уборка сена». 1905 г.

Шишкин Иван Иванович. "Луг на опушке леса. Сиверская", 1887/ Холст, масло, 33,5 x 53 см. Плесский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник.

Левитан Исаак Ильич. "Заросший пруд" 1887. Холст, масло 35 × 51 см. Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова, Тульская область.

Константин Маковский. «Восточные похороны в Каире». Эскиз одноименной картины. 1875 г. Дерево,масло. 24x42. Гос.Русский музей.

Поленов Василий Дмитриевич. «Река Воря», 1881/ Этюд/ Холст, масло 43,4 х 31 см. Государственный историко-художественный и литературный Музей-заповедник "Абрамцево".

Фёдор Васильев. «Заброшенная мельница». 1871-1873 гг. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Илья Остроухов. «Золотая осень». 1886 г. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Бакшеев Василий Николаевич. «Встреча зари после выпускного бала», 1951. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Однако, Василью Башкееву к этому времени было уже 89 лет! Очень немногие в таком возрасте вообще что-то пишут, тем более качественные картины!

Быльев-Протопопов Николай Михайлович. «Нева у «Авроры» в белую ночь», 1946-1950. Бумага на картоне, акварель, гуашь 60 х 42 см. Государственный музей истории Санкт-Петербурга.

Кустодиев Борис Михайлович. «Портрет Юлии Евстафьевны Кустодиевой с дочерью Ириной», 1908. Холст, масло 105 х 106 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

В жанре портрета Кустодиев обнаружил дарование еще во время обучения в Академии художеств. Учитель Илья Репин пригласил молодого живописца к участию в создании монументального полотна «Заседание Государственного Совета» (1903, Государственный Русский музей). С этого времени портретная галерея Кустодиева пополнилась новыми произведениями, частыми моделями которых становились члены семьи художника.

Со своей женой Юлией Евстафьевной (в девичестве Прошинской; 1880–1942) мастер познакомился в 1900 году, когда вместе с другом по Академии Мазиным они оказались в селе Семёновское-Лапотное Костромской губернии. Юлия жила в соседнем имении Высоково на воспитании у двух старушек-англичанок. Девушка увлекалась искусством – брала уроки у Яна Ционглинского в школе Общества поощрения художеств и мечтала поступить в Академию. В 1903 году состоялась свадьба Кустодиевых. Живописцем Юлия не стала, но в течение всей жизни была верной спутницей мужа и заботливой матерью для сына Кирилла и дочери Ирины.

Портрет, как вспоминала Ирина, был написан в квартире на Мясной улице около Калинкина моста в Петербурге. Живописец запечатлел жену и трехлетнюю дочь в просторной гостиной с зелеными обоями, где на стенах развешаны картины и этюды художника. Кустодиев с присущей его кисти виртуозностью создал портрет в интерьере, где сама уютная обстановка словно подсказывает характер взаимоотношений и передает семейную идиллию. Молодая женщина одета в черное, по моде начала века, платье, подчеркивающее ее изящную фигуру, каштановые волосы убраны в высокую прическу. Она вся – выразительный пример дамы эпохи стиля модерн. Она любуется забавной малышкой в платьице в горох, с красивыми красными бантиками на белокурых волосах. Изображая любимых жену и дочь, Кустодиев тем самым поднимал тему материнства, которая актуально звучит и по сей день.

Фредерик Лейтон "Пылающий июнь". 1895.

Лейтон писал другую картину «Летний сон», на которой тоже спящая женщина, но возлегает она на краю мраморного фонтана. А сам «Пылающий июнь» был барельефом на бортике. Но художник так привязался к композиции, что решил перенести её на отдельную картину. Считается, что поза спящей была взята от скульптуры «Ночь» Микеланджело, которую Лейтон считал вершиной мастерства. Сам он делал много подготовительных эскизов, так как фигура выходила непропорциональная, правая рука не хотела «гнуться» естественно. Но получилось ведь! А ещё превосходная работа над полупрозрачной драпировкой туники и обрамлением накидкой, стекающей складками — как будто фигура девушки плавится в жарком воздухе. Золотой закат пылает над головой, а олеандр справа намекает на тонкую грань между сном и смертью. Не надо спать на жаре!

Бернардо Строцци. «Аллегория бренности» (Старая кокетка)». Около 1637г. Холст, масло. Размер: 135×109 см. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.

Картина «Аллегория бренности (Старая кокетка)» была написана после 1630 года, в двух вариантах. Один из них представлен в ГМИИ, другой – в одной из итальянских галерей. В этих работах выражена одна из наиболее распространенных в искусстве барокко аллегорий «vanitas» («суета сует»), а вместе с ней возникает тема беспощадности времени и смерти.

Старуха в роскошном белом атласном платье с глубоким вырезом, сидящая перед зеркалом, изображена с жестокой правдивостью. Время не пощадило ее былой красоты: дряблая кожа, узловатые пальцы рук. Две служанки насмешливо помогают завершить ритуал одевания перед балом.

Однако отражение в зеркале заставляет усомниться в простоте сюжета. В зазеркалье возникает образ, исполненный мудрости и значительности. Облик героини обретает странную притягательность и загадочность, как будто внутренняя красота человека побеждает неумолимое время. Сложности личности главной героини противопоставлены безликость и духовная пустота юных служанок.Служанок двое. Но мастер написал одно лицо, лишь изменил цвет волос.Они некрасивы, их лица откровенно глуповаты, а нехорошая усмешка делает их ещё более отталкивающими.

Вся фактура материала на полотне выписана тонко, детально, осязаемо. Художник изобразил не идеального человека в идеальном мире, как это было у Больтраффио и Бронзино, а живую, смертную женщину.

В этом роковом сопоставлении старость с ее трагизмом и мужественным осознанием близящегося конца воспринимается художником по-человечески более значительной. Контраст старости и молодости в их роковой взаимосвязи не исчерпывает аллегории.

Интересно понять, почему художник обращается к теме уродства и увядания человеческой красоты и молодости. Кажется, на этот вопрос довольно легко ответить, ведь Строцци – монах. Вероятнее всего, он решил просто посмеяться над светскими традициями и показать, к каким курьёзам приводит желание старухи надеть платье, подходящее для молоденькой красавицы. До сих пор говорят, что нет ничего нелепее накрашенной старухи.

Осанка старой дамы горда и царственна. Но это ещё и обобщённый образ человека, борющегося со временем. «Время – великий пожиратель всего сущего», — писал Леонардо да Винчи. Но во время великого мастера никто не мог даже и помыслить, чтобы изобразить, показать уродство. А Строцци считает это вполне допустимым.

Чтобы нагляднее раскрыть тему, художник того времени непременно использовал предметную символику. Атрибуты, указывающие на бренность мира, суету сует — всё это включено в картину, поэтому мастер пишет не только портрет, но и натюрморт. Розы, флёр д’оранж, бархатцы, драгоценные камни и жемчуг — это символы любви и брака, а также бренности.

Роза – красота её очень недолговечна, она быстро вянет, также быстро вянет и красота. Ещё один цветок в руках старухи – цветок невесты, флёр-д’ оранж, а бархатец – символ смерти.
По всей видимости, еще в XVII веке картина покинула пределы Италии, и авторство Бернардо Строцци было забыто. Одно время она приписывалась Веласкесу, а затем считалась произведением немца Иоганна Лисса. Первым к авторству итальянского мастера вернулся Лонги (1917), а несколько позже - Виппер (1922) и Лазарев (1929).
Автор картины итальянский художник Бернардо Строцци (1581-1644) имел несколько прозвищ: Каппуччино (капуцин), Прете дженовезе (генуэзский священник); ок., Венеция) — итальянский художник. Во многих отношениях Строцци является характерным натуралистом. Его также можно причислить к караваджистам.

Генрих Семирадский (1843-1902). "Женщина или ваза".

Эдмунд Блэр Лейтон (1853-1922). "Возвращение полка".

Лагорио Лев Феликсович. "Вид на Аю-Даг от Алушты", 1890. Холст, масло. 96 x 126 см. Иркутский областной художественный музей им. В.П.Сукачева.

Эрнст Нойшуль. "Безработные". 1931.

Картина относится к пику творчества Нойшуля, когда после учебы в пражской и венской Академиях художеств, путешествий по Европе, Азии, Африке и Америке, с 1922 года он долго жил в Берлине. Там в 1927 и 1932 годах состоялись его персональные выставки, на последней из которых полиция конфисковала его произведения. Нойшуль развивал в своих работах традиции реалистической живописи, обращаясь к актуальным темам из жизни рабочего класса.

Критики сравнивали его произведения с работами Милле. Берлинская революционная группа «Роте Фане» и ее идейный вдохновитель Александр Дурпус стремились направить творчество художника в русло социалистического реализма. Будучи антифашистом, в 1934 году Нойшуль эмигрировал в Чехию. В 1935 году посетил СССР. В Москве в ГМНЗИ была организована его персональная выставка, на которой демонстрировалась данная работа.