Живопись

Семирадский Генрих Ипполитович. "Игра в кости". 1889.

Маковский Константин Егорович. "Оросительная система в Египте". 1870.

Куинджи Архип Иванович. "Зима. Пятна света на крышах хат". 1890-1895.

Щедрин Сильвестр Феодосиевич (1791-1830). "В Сорренто".

Крыжицкий Константин Яковлевич (1858-1911. "С ярмарки". Конец XIX века.

Лагорио Лев Феликсович. "Дача". 1892.

Мещерский Арсений Иванович. "На реке". 1898.

Клевер Юлий Юльевич. "Возвращение". 1903.

Пьер Огюст Ренуар. "Девушка и кошка". 1881-1882 гг.

Фредерик Базиль. «Туалет». 1870 г. Масло, холст. Музей Фабра. Монпелье. Франция.

Арсений Мещерский. «Дерево над обрывом». 1889 г. Холст, масло. 70х50 см. Одесский художественный музей. Украина.

Иван Айвазовский «Неаполитанский залив в туманное утро». 1874 г. Холст, масло. 148x214. Нац. галерея Армении, Ереван.

Константин Крыжицкий. «Пейзаж». 1895.

Питер Пауль Рубенс. «Юдифь с головой Олоферна». 1616г. Холст,масло. 120х111. Музей герцога Антона Ульриха. Брауншвейг.

Феликс Валлоттон. «Персей, убивающий дракона». 1910 г. Масло, холст.

Павел Чистяков. «Итальянский музыкант». 1863-69 гг. Бумага, акварель 16х12,7 см. Гос.музей изобразительных искусств. Казань.

Фёдор Васильев. «В Крымских горах». 1873 г. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Александр Дейнека. «Из венских зарисовок». 1947 г. Графика.

Крыжицкий Константин Яковлевич/ "Проясняется", 1893/ Холст, масло. 89 x 142 см/ Государственный Русский музей, Санкт-Петербург/

Касаткин Николай Алексеевич/ "Семья рабочего. Что его ждет?", 1891. Холст, масло 77,5 х 108,5 см. Харьковский художественный музей.

Васнецов Аполлинарий Михайлович. "Абрамцево. Поле", 1880-е. Картон, масло 11,7 х 16 см. Государственный историко-художественный и литературный Музей-заповедник "Абрамцево".

Репин Илья Ефимович. «Признание в любви», 1889−1897. Холст, масло. Галерея изящных искусств Остравы, Чехия.

Верещагин Василий Васильевич. «Мавзолей Тадж-Махал в Агре», 1874-1876. Холст, масло 38 x 54 см. Государственная Третьяковская галерея.

Тадж-Махал – выдающийся памятник индийской архитектуры XVII века, соединивший в себе элементы персидского, арабского и индийского стилей. Он построен в Агре, являвшейся в то время столицей империи Великих Моголов. Необыкновенно красивый дворец-мавзолей стал символом любви Шаха-Джахана I к одной из жен — Мумтаз-Махал, скончавшейся во время родов. У ложа умирающей жены правитель поклялся построить памятник, который отразил бы ее красоту. Через 22 года был возведен величественный и изящный мавзолей из белого мрамора, куда перенесли прах Мумтаз. Шах-Джахан, свергнутый с престола сыном и заточенный в собственных покоях, умер от тоски, не имея возможности созерцать Тадж-Махал. Великого Могола похоронили подле любимой супруги.

Во время пребывания в Индии Василий Верещагин не раз посещал Агру: в начале поездки и позже, завершая путешествие по горным княжествам Сикким, Кашмир и Ладакх. Художника восхищала архитектура Тадж-Махала, и он неоднократно писал его виды в разных ракурсах. Белый мрамор дворца, по воспоминаниям живописца, менял оттенок в зависимости от времени суток и освещения.

Картина выполнена с натуры не позднее апреля 1875 года. Тогда, перед отъездом из Агры, художник выслал критику Василию Стасову в Петербург часть своих этюдов, сохранность которых из-за высокой влажности и жары оставляла желать лучшего. «Колорит юга и солнца, яркого голубого неба, лучезарных дней и знойного лета поразительно действуют на глаз и душу, сильно зажигает воображение» – позднее писал об индийских работах Верещагина Стасов.

Композиционным центром произведения является беломраморный мавзолей, к которому примыкают четыре минарета и сад, ограниченные стенами из красного кирпича. Здание словно парит в воздухе, отражаясь в водах священной для индийцев реки Джамна (Джумна). Потрясающая по красоте постройка выглядит на этюде Верещагина фантомом, миражом. Эффект призрачности дворца достигается благодаря равновесию в композиции двух стихий – воды и воздуха, написанных в близких друг другу голубых тонах. Водная гладь передана мелкими мазками в духе пуантилизма, небо, напротив, исполнено в гладкой манере с тончайшими переходами цвета. Не сразу можно понять, где реальное здание, а где его бесплотное отражение. Очевидно, именно такого эффекта добивался и архитектор дворца. «Тадж, одна из великолепнейших построек в мире, гробница жены великого могола Шах-Джахана», – так комментировал Верещагин этот этюд в каталоге своей персональной выставки 1880 года.

Шишкин Иван Иванович. «Над набережной», 1887. Холст, масло. Частное собрание.

Фредерик Эдвин Чёрч. "Северное сияник". 1865.

Наш мастак был одним из ключевых участников так называемой школы реки Гудзон – объединения американских пейзажистов-романтиков. Полотна Чёрча были масштабными – как по физическим размерам, так и по размаху изображённого на них. Так, чтобы нарисовать северное сияние, он отправился в экспедицию с исследователем Арктики Айзеком Хейсом (который заодно был учеником Чёрча и тоже рисовал свои северные сияния – короче, получился экстремальный такой пленэр).

Клод Моне. «Порт-Гульфар, Бель-Иль», 1887 г. Холст, масло. Размер: 81x65 см. Художественная галерея Нового Южного Уэльса Сидней.

Моне неоднократно рисовал скалы в Бель-Иль, стремясь обнаружить свое понимание моря. Эта работа далека от типичного морского пейзажа, в котором живописцы обыкновенно создают композиционную опору в виде линии горизонта, обеспечивающей простор для взгляда зрителя. Здесь же она полностью заслонена скалами, также замыкающими изображение слева и справа, провоцируя своего рода «клаустрофобию» у взгляда, которому остается лишь всматриваться в замкнутое, будто бы пойманное в ловушку море. Эта небольшая часть водной поверхности является главной частью картины, художник мастерски продемонстрировал свою способность к передаче живой сущности волн.

Клод Моне - один из основателей и самых известных представителей импрессионизма. В своих произведениях часто подчеркивал идею движения, в котором словно замирают сиюминутные впечатления от окружающего мира. Он снова и снова варьировал избранный мотив, воплощая его в сопоставимых, но неоднотипных ракурсах, в разное время суток и при различных погодных условиях. Таким образом автор показывал, насколько нестатична и неоднозначна природа и как легко могут трансформироваться наши представления о ней, как непохоже, в зависимости от исходных данных и их составляющих, может восприниматься одно и то же явление или место.

Владимир Егорович Маковский. «Этюд женской головы (Итальянка)», 1889 г. Холст, масло. Размер: 46 х 35 см. Калужский музей изобразительных искусств.

Творческая активность В. Е. Маковского огромна – он создал свыше четырехсот картин, множество рисунков и офортов. Основная тематика его творчества связана с изображением бытовых сцен из городской и сельской жизни, представляющих жизнь простых людей. Лучшие работы В. Маковского полны правдивости и остроумия, лаконичны по содержанию и выразительны в передаче чувств, нравов и характеров. При этом мастер всегда очень емко показывает не только задуманный им сюжет, но и создает атмосферу эпохи, передает социальный срез.

«Этюд женской головы (Итальянка)» знакомит зрителя с особенностями портретного жанра мастера. Перед нами раскованный по технике и блестящий по мастерству портрет молодой красивой женщины, выполненный в изысканной жемчужно-серой цветовой гамме. Формат погрудного изображения с повернутой в три четверти головой модели не позволяет зрителю в полной мере рассмотреть лицо женщины, но этого и не требуется. Весь интерес, все внимание автора сосредоточенно на уходящем в строну взгляде девушки. Также художник мастерски передает красоту ее черных волос и сложный головной убор. Этюдность портрету предает некоторая незаконченность деталей одежды и окружения дамы. При этом красивость портретной характеристики сгармонизирована легкой грустью взгляда модели, что позволяет художнику уберечься от налета «салонности» и создать образ большой психологической глубины.

Работа написана в период преподавания художника в МУЖВЗ, во время когда он создает целую портретную галерею деятелей русской культуры того времени.

В ходе исследовательской работы сотрудниками музея было выявлено ошибочное отнесение данного произведения к коллекции Н.И. Васильева. На сегодняшний день источник поступления не известен, а временем поступления считается: 1910-1920-е гг. Во время своего бытования в музее в 1945 г. работа была отреставрирована и вошла в основную экспозицию.

Безусловно данный портрет можно назвать одним из шедевров КМИИ, в котором, благодаря мастерству В. Маковского, удалось соединить высокий художественный уровень исполнения и тонкое проникновение во внутренний мир модели.

Корнелис ван Харлем. «Монах и монашка», 1591 г. Холст, масло. 116 х 103 см. Музей Франса Хальса, Харлем.

Может показаться, что картина нидерландского художника-маньериста является осуждением похоти служителей католической церкви, традиционно обвиняемых в лицемерии и моральном разложении. Во второй половине 16 века эта тема была очень актуальна, особенно для Харлема, города, охваченного борьбой нидерландских протестантов за независимость от католической Испании.

На картине изображен монах энергично тискающий обнаженную упругую грудь молодой монашки. Фрукты, хлеб, чаша с вином отсылают нас к другим "типичным" порокам монахов - обжорству и пьянству. Правда есть некоторые непонятные моменты. Если выражение лица девушки представляет нечто среднее между экстазом и "закланием", то эмоции монаха не имеют ничего общего с похотью... Он либо уже совсем забыл, что это такое, либо преследует какие-то другие цели. Больше напоминает средневекового врача - маммолога...

Оказывается сюжет картины имеет другое объяснение.В старинном музейном каталоге Харлема сохранилось описанием картины «Монах и монашка». В нем рассказывается о том, что Корнелис ван Харлем изобразил чудо, случившееся в городе, после того, как одну из монашек обвинили в прелюбодеянии и беременности. Для установления истины она была подвергнута специальному тесту, который мы и видим на картине.

Смысл в том, что при беременности такое стискивание груди привело бы к появлению молока, что и послужило бы доказательством грехопадения. В ходе проверки вместо молока из груди полилось вино (поэтому и чаша с вином на столе), что неопровержимо доказывает ее девственность и благочестие.

Караваджо. «Обращение Савла по дороге в Дамаск», 1601 г. Холст, масло. Размер: 230×175 см. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим.

Одна из двух композиций, написанных для этой церкви Санта-Мария-дель-Пополо в Риме .Заказчик картин «Обращение Савла по дороге в Дамаск» и «Распятие святого Петра» монсеньор Тиберио Черази внезапно умер, не дождавшись завершения работ. Спустя некоторое время они оказались в частной коллекции кардинала Саннессио, который, по мнению некоторых искусствоведов, мог воспользоваться внезапной смертью Черази, чтобы завладеть картинами известнейшего римского художника.

Этот распространённый в живописи сюжет повествует о том, как по пути в Дамаск гонитель христиан иудей Савл, чьё имя означает «призванный», был внезапно ослеплён небесным лучом и, упав с лошади, услышал голос Христа: «Савл, Савл, почто ты гонишь меня?» Караваджо решительно отказывается от традиционной иконографии, создав самую революционную картину в истории мирового религиозного искусства. Он первым изобразил реальный, ничем не приукрашенный мир, освободившись от веками освящённой условности.

В отличие от фрески Микеланджело в ватиканской капелле Паолина Караваджо приземляет евангельский сюжет и переносит действие в обычную тесную конюшню, где напоминанием о дороге в Дамаск служит лишь пара лежащих символических булыжников. Падающий из левого верхнего угла луч света выхватывает из мрака пегого коня и держащего его под уздцы пожилого босого конюха. Конь осторожно поднял переднюю ногу, чтобы не ушибить распростёртого под его копытами ослеплённого Савла с руками, воздетыми к небу, откуда в виде луча исходит божественное откровение.

Савл принял в христианстве имя Павел и стал самоотверженным проповедником веры Христовой. Потом Господь Иисус Христос опять явился Павлу и повелел ему идти к язычникам и учить их вере христианской, т. е., сделал его Своим апостолом.
Апостол Павел закончил жизнь свою мученическою смертью. За его огромные апостольские труды, он, наравне с апостолом Петром, именуется Церковью первоверховным апостолом.

Уолтер Денди Сэдлер «Женаты», 1896 г. Холст, масло. Размер: 127.6 х 97.1 см. Оклендская художественная галерея.

Британский жанровый художник Уолтер Денди Сэдлер (1854-1923) специализировался на бытовых картинах с характерными сценками из XVIII века. «Женаты» - известная работа этого живописца.

У англо-американского художника Джорджа Генри Боутона есть картина «Исход медового месяца» со схожей тематикой. В отличие от той картины Уолтер Денди Сэдлер не дает нам подсказки как давно женаты изображенные на картине молодые люди.

Неуверенность позы молодой леди, ее лицо и скошенный в сторону мужа взгляд выражают некоторую досаду. Возможно, она недовольна отсутствием внимания своего молодого супруга-книголюба, который даже на прогулку с красивой женой прихватил сразу три тома с модными романами. При таких обстоятельствах у него, конечно, нет времени на любовную лирику и житейскую болтовню.

Вся его отстраненная поза с коленками и носками туфель, развернутыми в противоположную сторону от жены, а также отставленная в сторону рука, словно напоминающая женщине о необходимости соблюдать дистанцию, говорят о том, что общение с женой на лоне природы сегодня в его планы не входит. Немудрено, что женщина злится, она разочарована эмоциональной закрытостью мужа.

Сорванные с розового куста две розы — символ любви и страсти, священный цветок покровителя новобрачных Гименея, — уже валяются в ногах молодой жены, и остальные розы, похоже, ждет та же участь. Первые радости брачных утех остались в прошлом, впереди долгая семейная жизнь, которую, как и эту стену, на фоне которой происходит действие, предстоит выстраивать по кирпичикам.

В то же время колористическое решение полотна (даже не принимая во внимание черепаху — символ упорного труда, который будет вознагражден) вселяет надежду на благоприятный прогноз для этого брака.

Иероним Босх (1450-1516 ). «Концерт в яйце». 1480.

Загадочный художник всех времён и народов. Его картины пытаются расшифровать до сих пор. Очень трудно приблизиться к разгатке, потому что Босх говорил на нескольких языках. На языке религиозной символики, алхимиков,голландских пословиц и даже астрологии.

Рукие Гарип (Rukiye Garip) – известная турецкая художница-акварелист.
Её творчество многогранное и впечатляющее. Привлекает красота и реалистичность созданных художницей произведений.

Рукие Гарип.

Петер Мёрк Мёнстед (1859-1941). "Кап-Мартен, Франция", 1907 г., холст, масло, 70,5 х 101 см. Частное собрание.

Художник Дэвид Хоуэлл - президент британского королевского общества маринистов, родился в Хартфордшире в 1939 году. Долгое время жил и работал на Ближнем Востоке, где его картины имели значительный успех, выпустил иллюстрированную книгу под названием "Город Красного моря". Художник работает акварелью, маслом и пастелью. Его классическая акварельная техника даёт картинам потрясающий эффект прозрачности, солнца и воздуха.