Живопись

Левченко Петр Алексеевич (1856 - 1917). "Поздняя осень (Глухомань)". Холст, наклеенный на картон, масло. 26 x 37 см. Сумской художественный музей им. Никанора Онацкого, Украина.

Левченко Петр Алексеевич. "Задворки Софийского собора" 1900-е. Холст, масло. Национальный художественный музей Украины, Киев.

Левченко Петр Алексеевич. "Зима" 1890-е. Дерево, масло. 11 x 14 см. Национальный музей во Львове им. Андрея Шептицкого, Украина.

Левченко Петр Алексеевич. "Пейзаж Харьковщины. Над рекой", 1890-е - 1900-е. Холст, масло. Сумской художественный музей им. Никанора Онацкого, Украина.

Дервиз Владимир Дмитриевич. "Верхняя Волга. Белая ночь", 1901. Бумага, акварель, гуашь 26,5 х 48 см. Тверская областная картинная галерея.

Нефф Тимофей Андреевич. "Купальщица", 1844. Холст, масло 125 х 98 см. Новгородский государственный объединенный музей-заповедник.

Грицай Алексей Михайлович. "Веранда моего дома", 1950. Холст, масло 80 х 68 см.

Куликов Иван Семенович. "Базар у старой церкви", 1913. Холст, масло 58 х 71 см. Муромский историко-художественный музей.

Левитан Исаак Ильич. «Жаркий день», 1883. Этюд. Холст на картоне, масло. 13 x 19 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Михаил Шибанов. «Портрет Екатерины II в дорожном костюме», 1787 г. Холст, масло. Размер: 56×70 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Михаил Шибанов — русский художник второй половины XVIII века, живописец из крепостных крестьян. Родился он в селе Мясоедово Переславль-Залесского уезда. Имя отца, годы рождения и смерти, образование неизвестны.

Портрет Екатерины II в дорожном костюме замечателен тем, что изображает стареющую императрицу во время ее путешествия в Таврический край. Картина с изображением монаршей особы была написана в Киеве. Один из вариантов шибановского портрета императрицы был отправлен в Лондон в качестве подарка английской королевской семье.

Портрет Екатерины, написанный Шибановым, пользовался большим успехом еще в XVIII веке; по приказанию императрицы он был воспроизведен в гравюре Джеймсом Уокером, и несколько миниатюрных копий с него исполнил придворный миниатюрист Жарков. Но к самому Шибанову Екатерина проявила глубокое пренебрежение. Русский живописец из крепостных крестьян казался императрице недостойным даже простого упоминания.

Последнее свидетельство о жизни Шибанова относится к 1789 году: художник обращается в канцелярию Екатерины II с просьбой о назначении ему жалования. Об ответе или действиях императорской администрации история молчит.

Амедео Модильяни. “Алиса”, 1918 г. Холст, масло. Размер: 78,5x39 см. Государственный музей искусств Дании, Копенгаген.

Девочка, одетая в голубое воскресное платье с золотым крестом на груди, смотрит прямо на зрителя своими большими миндалевидными глазами. Тёмные волосы, обрамляющие её лицо, падают на платье. Лицо девочки стилизовано под африканскую маску.

Пронзительная светоносность голубого, который символизирует невинность, прекрасно контрастирует с благородным коричневым оттенком кожи и сизо-синим фоном. Обобщенные линии контура и отсутствие человеческих эмоций в выражении лица придают всем портретируемым итальянского художника характер идолообразности, духовной монолитности.

Модильяни, как обычно, использует лаконичные, но выразительные сочетания цветов наряду с общей неопримитивистской манерой рисунка. Цветовая гамма варьируется от нюансов синего до терракоты, создающих контраст, дающий жизнь картине и не нарушающий общее впечатление классического молчания и гармонии.

В 1928 году картина “Алиса” была подарена датскому Государственному музею искусств, где она и находится в настоящее время.

Эль Греко. «Святой Мартин и нищий», 1597-1600 гг. Холст, масло. Размер: 193.5 x 103 см. Национальная галерея искусства, Вашингтон.

На картине Эль Греко «Святой Мартин и нищий» юноша в доспехах восседает на белой лошади. У его ног оказывается бедный продрогший человек. Художник запечатлел известный библейский сюжет, рассказывающий о добродетельном поступке Мартина, сына грозного военного трибуна. Молодой человек готовился к военной службе и прославился праведными делами, ещё до того как принял христианскую веру. Однажды Мартин, пожалев нищего, отрезал половину своего плаща, чтобы дать ему согреться. А ночью ему явился сам Христос, одетый в отрез плаща, который обратился к нему со словами: «Это Мартин одел меня в свой плащ». После этого юноша оставил войско и стал христианином. Позже он пытался обратить в веру своих родителей, но только мать решилась на принятие христианства.

Живописец разместил главные действующие лица на переднем плане, чтобы зритель смог внимательно рассмотреть все детали: худую фигуру бедняка, роскошное облачение Мартина, его смиренный спокойный лик (более подходящий иконам), кинжал, разрезающий ткань. В качестве фона автор использовал вид на главный город в своей жизни – Толедо. Таким вот приёмом Эль Греко будто соединяет реальное и ирреальное. Как некое видение вне времени и пространства предстаёт перед нами религиозная история.

Все фигуры вытянуты, как водится у Эль Греко, а краски будто сияют изнутри. Это удивительная колористическая особенность кисти мастера – рядом с его работами другие картины словно тускнеют.

Отто Дикс. «Женщина с норкой и вуалью», 1920 г. Холст, масло. Коллекция Джуди и Майкла Штенйхардтов, Нью-Йорк, США.

Немецкий живописец Отто Дикс испытал влияние экспрессионизма, дадаизма, футуризма и других авангардных стилей XX века. Картина «Женщина с норкой и вуалью» была написана после возвращения художника с Первой мировой войны. После четырех лет в окопах Дикс погрузился в частную жизнь, писал картины и графику о войне, рисовал обнаженную натуру, а также различные сатирические вещи (на околосексуальные темы, как правило). Зарабатывал на жизнь портретами (они пользовались спросом).

Картины вернувшегося с фронта, физически невредимого, но психически травмированного. Дикса представляли собой критические и любознательные исследования с сильным элементом гротеска, часто смешивая ужас с хулиганским юмором. «Женщина с норкой и вуалью» (1920) была посвящена теме проституции. Она создавалась в период экспериментов Отто Дикса с пост-экспрессионистским искажением формы в попытках усилить социально-обличительный аспект своих картин.

В Германии Веймарской эпохи экономика рухнула из-за проигрыша Первой мировой войны и введения военных репараций по Версальскому договору. В результате средний класс потерял свои сбережения, а рабочий класс остался без работы. Женщины, включая миллионы вдов войны, занялись проституцией. Распущенность и уличные прогулки были распространены в этот период, и Веймарский Берлин славится своим упадком.

Фредерик Эдвин Чёрч (1826-1900). "Сердце Анд". 1859.

Картина пользовалась большим успехом. Пейзаж не соответствует какому-то определённому ландшафту, а представляет идеализированный вид, скомбинированный из нескольких впечатлений художника. На заднем плане изображён эквадорский вулкан Чимборасо.

Перов Василий Григорьевич (1833-1882). «Рыбная ловля». 1867.

Будучи заядлым и увлеченным рыболовом, Перов показывает любимое занятие с любовью и пониманием. Яркая и веселая цветовая гамма придает работе некоторое "лубочное" звучание. Атмосфера безмятежного покоя создается мягким светом утреннего солнца, рассветным и безоблачным небом. Герои картины еще в полусонном состоянии. Их банка пуста, улов впереди. Видно, что больше всего им доставляет удовольствие быть рядом в этот момент.

Питер де Хох (1629 - 1684). "Женщина с ребенком отбеливает на поляне белье". 1659.

«Внутренние дворы были неотъемлемой частью голландской внутренней архитектуры и обустраивались либо в середине дома, либо позади него. Здания в городах обычно строились близко друг к другу на длинных узких участках. Одной из функций двора было обеспечение освещения внутренних комнат. Несмотря на то, что де Хох включал в свои работы мгновенно узнаваемые конструкции, его картины не просто повторяют в краске настоящие дворы. Эти сцены виртуозно сочетают как реальность, так и художественный вымысел», — пишет Уэйн Франиц из Музея Гетти.

Джон Уильям Годвард. «За воротами Помпей». 1905 г. Холст, масло. 71x91 см. Частная коллекция.

Коровин Сергей. «На миру». 1893 г. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Тема судьбы народной продолжала главенствовать в русском искусстве 1890 — 1900-х гг. и раскрывалась его мастерами все с новых и новых сторон. Так в картине Сергея Алексеевича Коровина (1858 — 1908, не путать с Константином Алексеевичем Коровиным! - они братья) «На миру» остро передан конфликт, вспыхнувший в крестьянской общине, как можно предполагать, из-за передела земли. Спор между бедняком и богатеем больно затронул не только имущественные, но и человеческие права бедняка. Социальная драма раскрыта как драма психологическая, с подлинной жизненной правдой, остротой переживаний.

Уильям Тернер. «Мортлейк-террас, поместье У. Моффатта. Летний вечер». 1826 г. Национальная галерея искусства. США.

Николай Сверчков. «Охота на медведя». 1885 г.

Шильдер Андрей Николаевич. «Березовый лес», 1908. Холст, масло 110 х 143 см. Ставропольский краевой музей изобразительных искусств.

Поленов Василий Дмитриевич. Река. 1899. Холст, масло. 32 x 44 см. Севастопольский художественный музей им. П.М.Крошицкого.

Борис Кустодиев «Пикник», 1920.

Эта красочная картина изображает пикник на лесной полянке под дубом. Весёлая компания уютно расположилась в тени густого дерева и поёт песни под гитару. От этой работы веет спокойствием, умиротворением и нескончаемым оптимизмом. Однако в жизни художника всё было далеко не так празднично.

Картина «Пикник» похожа на иллюстрацию к красивой русской сказке со счастливым концом. Художник использовал яркие насыщенные краски и позитивные оттенки, чтобы передать ощущение тёплого, мягкого и гармоничного летнего вечера.

Сочная зелень травы на поляне и под дубом, где расположились молодые люди, буквально передаёт зрителю запах свежести и вечерней росы. От костра вьется белый дымок, и уже готовится самовар для чаепития. Настроение у всех хорошее, люди веселы, счастливы и довольны жизнью.

Однако в реальности всё это было лишь мечтами Кустодиева, которые он мастерски воплощал на своих полотнах. Картина была написана в 1920 году, то есть в голодный и холодный послереволюционный период, когда художник жил очень бедно, сильно нуждался, да ещё и к тому же был тяжело болен.

С 1909 года у мастера начались проявления опухоли спинного мозга. Вскоре он оказался прикованным к постели и мог сидеть лишь по несколько часов в день в инвалидном кресле. Всё это время художник продолжал писать картины, хотя работа приносила ему сильные муки. Но именно с этого периода жизни Кустодиева стали появляться наиболее яркие и позитивные его произведения.

Живописец изображал на своих полотнах ярмарки, масленицы, чаепития, праздничные гуляния и дородных пышнотелых купчих, хотя за его окном в это время была смута, война, разруха, голод, холод, грязь и невыносимая нужда.

«Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей, но если я когда-нибудь видел в человеке действительно высокий дух, так это в Кустодиеве… » — писал Фёдор Шаляпин.
Коллеги восторгались мужеством, упорством и позитивным настроем Кустодиева, всегда давая его произведениям высокую оценку.

«…настоящий Кустодиев — это русская ярмарка, пестрядина, „глазастые“ ситцы, варварская „драка красок“, русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями.. » — писал Александ Бенуа.

К сожалению, Борис Кустодиев прожил короткую жизнь, однако он оставил после себя глубокое культурное наследие, которое может показать нам настоящую самобытную патриархальную Русь с её купчихами, ярмарками и чаепитиями.

Владимир Орловский «Весенний день на Украине», 1882.

На этой картине мы видим типичный украинский дворик XVIII–XIX и даже начала ХХ века.

На широком просторном дворе раскинулась большая украинская хата. По двору мирно гуляет хозяйская живность — волы, собаки, куры.

Молодая женщина несёт ведро с водой. Другая женщина, по видимому её мать, сидит под хаткой с грудным ребёнком.

Дом не похож на зажиточный, скорее всего здесь живёт обычная среднестатистическая украинская семья.

Хата сама по себе очень колоритна. Это типичная для того времени украинская хатка-мазанка. Такие хаты обычно делались из самана — смеси навоза и глины. Готовые хаты обмазывали глиной изнутри и снаружи, а затем белили.

Некоторые хаты строились по принципу бревенчатого сруба, который потом также обмазывали глиной и белили.

Крышу хаты покрывали, как правило, соломой или камышом (очеретом). Однако в зажиточных семьях крыша могла быть и черепичной.

Полы в таких хатах чаще всего были земляные или глиняные. Сверху на пол стелили домотканые или лоскутные половики. Получалось очень даже уютно.

В хате на картине мы видим соломенную крышу и очень низкие окна без ставен. К крыше приставлена лестница, вероятно для того, чтобы поправлять сено.

По обеим сторонам хаты мы видим тын с висящими на нём горшками — тоже символ дореволюционных украинских сёл. Это чисто украинская «фишка» — сушить горшки и кувшины на заборе.

Рядом с тыном стоит очень колоритная арба с большими колёсами. Лошадей во дворе не видно, следовательно, скорее всего в неё впрягают волов. Волы вообще были основным транспортом и рабочей силой в украинских сёлах. Они тоже, наряду с хатами и тыном являются характерной чертой и символом украинского села. Эти рогатые богатыри очень гармонично вписываются в украинский двор.

В целом картина вообще очень гармонична. Двор аккуратный, чистый и очень милый, здесь нет ничего лишнего. Полотно вызывает лишь позитивные эмоции, чувство спокойствия, ощущение чего-то милого сердцу и родного.

Гаэтано Кьеричи «Подходящий момент», 1866.

На этой картине мы видим девочку, уснувшую возле камина, и кошку, вылизывающую лежащий рядом горшок.

Малышка заснула с ложкой в руке. Очевидно, что она ела кашу из горшка, сидя прямо на полу перед камином. Наевшись, ребёнок задремал, выронив горшок. Этим воспользовалась кошка, которая не упустила момент и бросилась к горшку, начав уплетать его содержимое. Когда девочка проснётся, горшок, скорее всего, будет уже пуст.

Для маленьких детей заснуть в неподходящем месте — не редкость, бывает, что они засыпают прямо там, где их сморит сон. Видно, что девочка предоставлена сама себе, за ней никто не смотрит. Скорее всего, её родители — крестьяне и работают где-то в поле. Малышке они оставляют какую-то еду и уходят.

Девочка привыкла к такому образу жизни, она уже вполне самостоятельна, хотя на вид ей три-четыре года.

Крестьянская семья живёт небогато. Мы видим обшарпанные стены и камин, какие-то старые тряпки на верёвке, сломанный веник. Платье девочки в заплатах и явно давно не стирано.

На картине можно увидеть много интересных деталей, которые привлекают внимание — маленький детский стульчик, жестяной кувшин для воды на цепочке, висящий на стене ящик, похожий на почтовый, капуста с луком на скамейке и т. д.

Картина сама по себе очень интересна, по ней можно судить, как жили итальянские крестьяне в 19 веке.

Чайлд Хассам. «Дождливый день в Бостоне». 1885 г. Холст, масло. Художественный музей Толедо. Огайо. США.

Владимир Боровиковский. «Портрет Павла I в костюме гроссмейстера Мальтийского ордена». 1800 г. Гос. Русский музей.

с этой картиной связано много легенд..
я когда был в Гатчине, во дворце Павла, экскурсовод рассказывала..

Томас Купер Готч. «Смерть-невеста». 1894 г.

Маковский Владимир Егорович. «Портрет художника Н.Н. Дубовского», 1918.

На протяжении XX века имя Николая Дубовского (1859-1918) – одного из «столпов» Товарищества передвижных художественных выставок, оставалось в тени славы более известных публике современников живописца. Между тем с момента вступления в Товарищество мастер занимал одну из центральных позиций в решении дел объединения. Дом Дубовских (жена художника Фаина также входила в состав ТПХВ) на Екатерининском канале в С.-Петербурге слыл «душой» собраний передвижников, здесь частыми гостями бывали Иван Крамской, Илья Репин, Николай Ярошенко. Человек разносторонний, Дубовской организовывал музыкальные вечера и встречи живописцев с деятелями науки. Так, в орбиту общения художника входил выдающийся ученый, первый нобелевский лауреат по медицине и физиологии Иван Павлов, часто бывавший на собраниях "передвижников".

Жанровые работы Дубовского высоко ценил сам Лев Толстой, но интерес живописца всегда лежал в области пейзажа. Талант мастера был отмечен на Всемирной выставке в Париже в 1900 году малой серебряной медалью, а за представленные на Международной выставке в Мюнхене в 1913 году картины автор был удостоен малой золотой медали.

Натуру Дубовского всегда отличали скромность, преданность в служении делу и безграничная любовь к миру искусства и музыки. Речь его была четкая и простая, художник любил говорить на отвлеченные вопросы искусства и философии, в своих рассуждениях “погружаясь в особый, потусторонний, идеальный мир”. Как вспоминал современник, он был большого роста, с умным и деловитым выражением лица, его высокий лоб всегда напрягался мыслью. Таким смотрит на нас художник с портрета, исполненного его другом Владимиром Маковским. Портрет отличает лаконичное живописно-пластическое решение, лишенное ярких цветовых акцентов, что будто вторит внутренней цельности самой модели. Маковский написал портрет в тот момент, когда Товарищество уже не играло лидирующей роли в художественной жизни России, происходили конфликты между поколениями старших и младших «передвижников». В судьбе последних Дубовской всегда принимал живое участие.

Жан-Оноре Фрагонар. «Фонтан любви», 1875 г. Холст, масло. Размер: 52,7x64,1 см. Музей Дж. Пола Гетти. Лос-Анджелес. США.

Французский художник Жан-Оноре Фрагонар (1732−1806) – последний из плеяды великих художников рококо. Работал в различных техниках и почти во всех жанрах. Стиль рококо нашёл во Фрагонаре своё высшее выражение и – свой конец. Художник стал прямым наследником французских виртуозов рококо двух предыдущих поколений – Антуана Ватто и Франсуа Буше. Фрагонар не стремился перенять меланхолическую утонченность и психологизм Ватто, но с лихвой компенсировал их своей заразительной, искрящейся жизнерадостностью. Он уступал Буше в декоративности, зато выигрывал в экспрессии и изобретательности живописи.

Особенно проникновенны полотна художника, изображающие лирические сцены. Они пленяют зрителей грациозностью рисунка, изяществом колорита и нередко пикантностью ситуации.

Образ фонтана любви возникает в поэзии Античности, а позднее и Средневековья. Именно в его воды амур опускал свои стрелы перед тем, как выпустить их в сердца людей. В 1700-х этот сюжет довольно часто использовался художниками. На картине Фрагонара полуобнаженные мужчина и женщина с нетерпением бегут к фонтану, чтобы испить из золотой чаши, которую им подают путти. Другие малыши резвятся в струях.

Алексей Савченко. "Лодки". 2020.

Николай Васильевич Неврев. «Увещевание». 1893.

Лагорио Лев Феликсович. "Остров Капри", 1857. Холст, масло 138 × 200 см. Омский областной музей изобразительных искусств имени М.А. Врубеля.

Лагорио Лев Феликсович. "Рыбаки на реке. Вечерний закат", 1886. Холст, масло. 69 x 107 см. Частное собрание.