Живопись

Владимир Боровиковский. «Портрет графини Анны Ивановны Безбородко с дочерьми Любовью и Клеопатрой». 1803 г.

Сальвадор Дали. «Бродячие акробаты». 1921 г.

Алиса Калинова. "Иосиф Броцкий".

Бернардо Строцци. «Чудесное насыщение пятью хлебами и двумя рыбами», 1630-е. Холст, масло. Размер: 181 см × 136 см. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.

Во многих отношениях итальянский живописец Бернардо Строцци, прозванный Прете Дженовезе или Капуччино является характерным натуралистом. Его также можно причислить к караваджистам. Картина из собрания ГМИИ повествует об одном из чудес, совершенных Христом, который сумел накормить пять тысяч человек пятью хлебами и двумя рыбами (Евангельский сюжет: Мф. 14:16-21; Мк. 6:34-44; Ин. 6:5-14).

Долгое время картина «Чудесное насыщение пятью хлебами и двумя рыбами» считалась работой неизвестного мастера. При поступлении в музей была внесена в инвентарную опись как работа Бернардо Строцци в соответствии с атрибуцией В.Н. Лазарева, высказанной устно; позднее, в 1972 году свое авторство в отношении данной атрибуции ученый подтвердил в пометке на полях рецензируемого им каталога итальянской живописи в собрании ГМИИ.

Аналогичное изображение старика (в московском полотне - Святой Петр) встречается в разных композициях Строцци, в том числе в двух вариантах картины Динарий Кесаря из Старой пинакотеки в Мюнхене и Академии в Роверето. Мортари (Mortari 1955; Mortari 1966) указывала на стилистическую близость к композиции Проповедь Иоанна Крестителя из Музея истории искусств в Вене и, отмечая большое влияние Паоло Веронезе, относила работу из собрания ГМИИ к позднему венецианскому периоду творчества Строцци.

Эдуард Вюйар. «Завтрак в Виллервиле». 1910 г. Масло, доска. Частная коллекция.

Иван Владимиров. «Интуристы в Ленинграде». 1937 г.

Михаил Нестеров. «Соловки». 1917 г. Холст, масло. Художественный музей. Луганск. Украина.

Пабло Пикассо. «Женщина в голубой шляпе». 1901 г. Галерея Розенгарт. Люцерн. Швейцария.

Иван Айвазовский. «Морской берег. Прощание». 1868 г.

Абрам Архипов. «Рязанский ямщик». 1916 г. Холст, масло. Кировский обл. худож-ный музей им. В.М. и А.М. Васнецовых.

Александр Левченков. «Милосердная сестра». 2005 г. Холст, масло. 101х100 см. Частная коллекция.

Сальвадор Дали. «Красный оркестр». 1957 г.

Андрей Ремнёв. «Серый август (Качели)». 2012 г. Холст, масло.

Павел Филонов. «Октябрь. Пейзаж. Формула». 1920 г. Государственный Русской музей. Санкт-Петербург.

Винсент Ван Гог. «Японская ваза с розами и анемонами». 1890 г. Холст, масло. Музей Орсе. Париж.

Соломин Николай. «Молодые мамы». 1955 г.

Маковский Владимир Егорович. "Девочка с гусями в поле", 1875. Холст, масло 39,0 х 27,5 см. Нижнетагильский музей изобразительных искусств.

Шишкин Иван Иванович/ «Швейцарский пейзаж», 1866/ Вариант картины "Вид в окрестностях Дюссельдорфа", 1865/ Холст, масло 62,5 х 93,5 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан.

Яблонская Татьяна Ниловна. "Утро", 1988. Холст, масло 90 х 110 см. Калининградский областной музей изобразительных искусств.

Сергеев Николай Александрович "Ночью в степи" 1889. Холст, масло. 100 x 145 см. Омский областной музей изобразительных искусств им. М.А.Врубеля.

Дейнека Александр Александрович. "Пассажирский самолет", 1939. Бумага, гуашь, белила 40 х 29,5 см. Курская государственная картинная галерея имени А.А. Дейнеки.

Коровин Константин Алексеевич. "Ловля рыбы на Мурманском море", 1896. Панно для павильона "Крайний Север" на Всероссийской промышленно-художественной выставке в Нижнем Новгороде. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Панно «Ловля рыбы на Мурманском море» относится к циклу из десяти произведений, выполненных по эскизам Константина Коровина художниками С.В. Малютиным и Н.В. Досекиным для павильона Крайнего Севера на Нижегородской промышленной и художественной выставке 1896 года. Их созданию предшествовала совместная с Валентином Серовым поездка Коровина на Север, организованная промышленником и меценатом Саввой Мамонтовым.

Так как Коровин был не только автором картин, но и создал архитектурный и экспозиционный план павильона, монументальное по размерам панно «Ловля рыбы в Мурманском море» было вписано в общий ансамбль. Кроме того, большой размер панно связан с желанием художника буквально погрузить зрителей в ту атмосферу Русского Севера, в которой он сам оказался во время поездки.

Композиция панно перекликается с архитектурой павильона: очертания лодок и высокий заснеженный берег на заднем плане соответствуют высокой белоснежной кровле, а показывающиеся из воды огромные рыбы напоминают о рыбах, помещенных Коровиным на коньках крыши здания. Необычна точка зрения, выбранная для панно: зритель смотрит снизу, силуэты лодок и берега вырисовываются на фоне светлого неба, и благодаря этому усиливается эффект погружения.

Помимо композиции Коровин выработал и общее колористическое решение панно. Оно построено на сочетании глубокого сине-зеленого цвета толщи вод, сиреневой и молочно-белой пены на воде. Молочно-белыми написаны и показывающиеся из воды рыбы, и облака, закрывающие от зрителя северное небо. Однако в неяркий холодный колорит, в котором были выдержаны многие панно серии, вторгается чужеродный элемент – это темные лодки и сидящие в них рыбаки. С помощью цвета Коровин противопоставляет особый нетронутый мир северной природы и человека, вторгающегося в него.

Вместе с другими произведениями серии панно «Ловля рыбы в Мурманском море» украсило в 1904 году вестибюль Ярославского вокзала в Москве, а впоследствии было передано в Третьяковскую галерею.

Таир Салахов. "Женщины Апшерона". 1967.

Азербайджанский и советский художник Таир Салахов рассказывал, что на рисование его подсадил отец: он клал монету под чернильницу и предлагал детям (пятерым) что-нибудь нарисовать. Кто лучше справится, тот и забирает монету. В 1937 году отца расстреляли (в 1956-м – реабилитировали). Как у сына «врага народа», у Таира Салахова были некоторые сложности – например, ему не дали поступить в Институт живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина. Несмотря на это, он все равно стал видным представителем «сурового стиля» – так назывался советский романтизм 1960-х, который появился в противовес соцреализму. На этой картине – азербайджанские вайбы: жёны нефтяников ждут мужей с работы.

Макс Эрнст. «Люди ничего не узнают», 1923 г. Холст, масло. Размер: 80×63 см. Галерея Тейт Модерн, Лондон.

Картина немецкого художник-сюрреалиста, работавшего во Франции и Америке, интересна тем, что каждый зритель видит разные образы. Они рождаются в его мозге под влиянием изображения и имеющегося жизненного опыта. Сегодня это полотно смотрится достаточно скромно и сдержанно, но в 20-е годы оно было настоящей «пощечиной общественному мнению». Выраженный сексуальный подтекст этой картины является отражением свободомыслия, владевшего умами в то время.

Картину «Люди ничего не узнают» отличает контрастность и выразительность. Каждая деталь имеет четкую форму и идеально прописанные очертания. С этой же целью используются и открытые, локальные цвета почти без полутонов, из-за чего все произведение кажется написанным гуашью или темперой, а не маслом.

Если некоторые образы на картине можно достаточно четко идентифицировать (мужчина, женщина, одеяло, луна, ночь, рука скрытого властителя, дергающего за ниточки сексуального влечения), то остальные элементы – это чистая загадка, просторное поле для буйной фантазии смотрящего на полотно.

Насыщенный синий фон картины с плавным переходом от светлого к глубокому бархатному оттенку можно легко связать с атмосферой, а значит, и самим бытием человечества. Изображение приобретает более глубокий философский смысл, чем кажется на первый взгляд.

Алексей Гаврилович Венецианов. «На жатве. Лето», 1830-е. Холст, масло. Размер: 60.6 х 49 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Алексей Гаврилович Венецианов — академик, образовавший сам себя вне академии и почти самоучкой развивший в себе свои замечательные способности. Он пришел в искусство своей дорогой по внутреннему зову, с первых шагов начал делать то, что умел и хотел делать. Картина «На жатве. Лето» – один из признанных его шедевров.

Сюжет картины почерпнут из повседневной народной жизни. Однако А. Г. Венецианов менее всего задавался целью изобразить эту жизнь в ее бытовом аспекте, и подтверждает этот вывод полное отсутствие на полотне аксессуаров бытового характера.

Крестьянка с младенцем, традиционный символ плодородия, изображена сидящей на высоком помосте. Фигура женщины чеканным силуэтом выделяется на фоне пейзажа, а ясность и обобщенность пластической характеристики придают ей торжественность классического рельефа. Первый план приближен к зрителю, дали будто увидены из окна – с помощью такого приема пейзажисты-романтики стремились запечатлеть природу в ее целостности, неразрывности частного и вселенского.

Превосходно написан задний план — поле со снопами и фигурками жнецов, а над ними — высокое небо с тающими облаками. Солнце находится за спиной крестьянки, и благодаря этому лицо ее и большая часть фигуры затенены, а это дает возможность обобщить формы и выявить чистые и плавные линии в ее силуэте.

Спокойные ритмы горизонталей в сочетании с вертикальным форматом холста, разделенного горизонтом почти пополам, рождают ощущение абсолютного равновесия природных стихий, неба и земли. Ясная, лаконичная композиция заставляет вспомнить мастеров итальянского Возрождения

Джон Уильям Годвард. «Шалость и Покой», 1895 г Холст, масло. Размер: 58,4x130,8 см. Музей Дж. Пола Гетти.

Английский художник-неоклассицист John William Godward (1861–1922) причисляется к «Мраморной школе», однако стиль его живописи не вполне соответствует канонам викторианского академизма. Художник пользовался поддержкой Лоуренса Альма-Тадемы, однако критика была настроена против его работ. Из-за травли рецензентов в возрасте 61 года Годвард покончил с собой, оставив записку с фразой: «Мир слишком тесен для меня и Пикассо».

На большинстве сохранившихся полотен изображены красивые женщины в восхитительных интерьерах или ландшафтах. В работе «Шалость и Покой» молодая рыжеволосая девушка лежит на тигровой шкуре, постеленной поверх мраморного парапета. Фон полотна — отделанный разными сортами мрамора интерьер. Сидящая рядом красавица щекочет спящую. Обе одеты в полупрозрачные платья, стилизованные под хитоны, которые носили женщины в Древней Греции.

Аим Николя Моро (1850-1913). «Добрый самаритянин». 1880.

Гюстав Кайботт. «Парк в Жанвиле». 1893 г. Масло, холст.

Фредерик Базиль. «Розовое платье». 1864 г. Масло, холст. Музей д’Орсе. Париж. Франция.

Левитан Исаак Ильич. «Бурный день», 1897. Холст, масло. 84 x 86 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Исааком Левитаном за его непродолжительный, двухдесятилетний творческий путь была создана целая коллекция шедевров живописи. Сопоставляя работы, написанные в один и тот же год, иногда бывает сложно понять, как рука мастера могла написать музыкальную по своему звучанию умиротворенную картину «Весна. Большая вода» и тревожное полотно «Бурный день».

В 1897 году Левитан совершил длительное путешествие по Европе, особенно запомнилась ему Вена, где на выставке только что образовавшегося творческого объединения «Сецессион» он познакомился с работами Гюстава Климта и Коломана Мозера. Художественная всеядность русского пейзажиста удивительна – его восторженность откровенно салонными жанровыми работами американца Тиссо, эротизмом австрийских художников модерна соседствует с преклонением перед маэстрией импрессиониста Клода Моне и живописной свободой Джеймса Уистлера и Андерса Цорна.

Впечатления, полученные при знакомстве с произведениями европейских мастеров, нашли свое косвенное отражение в творчестве Левитана. Импульсивная манера исполнения картины «Бурный день» в передаче драматизма и беспокойного состояния природы, выраженных в гнетущих красках неба, клубящихся, растрепанных ветром облаках, широких полосах зеленого поля и темных, словно разбросанных по горизонту домах, по своим нотам экспрессии и живописно-пластическому решению сближает русского мастера с художником Винсентом Ван Гогом. Декоративность работы проявилась в обобщении и стилизации форм, в выбранном художником квадратном формате холста, косвенно обращаясь тем самым к стилистике модерна. Левитан делает акцент на белоснежных облаках, подсвеченных солнцем, что вносят в бурный день несколько игривое настроение. Неровные полосы поля, расцвеченные желтыми и красноватыми красками, создают ощущение некой взволнованности и рождают сильный эмоциональный подтекст.

Верещагин Василий Васильевич. "Всадник-воин в Джайпуре", 1881. Дерево, масло 45,8 х 37 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Марк Китли (род. 1963). «Волки».

Франсуа Буше (1703-1770). «Жертвоприношение Гедеона».

В Священном Писании о жертвоприношении Гедеона сказано буквально следующее: «Сказал ему Ангел Божий: возьми мясо и опресноки, и положи на сей камень, и вылей похлебку. Он так и сделал. Ангел Господень простер конец жезла, который был в руке его, прикоснулся к мясу и опреснокам: и вышел огонь из камня, и поел мясо и опресноки: и Ангел Господень скрылся от глаз его» (Суд 6: 20-21).

Киселёв Александр Александрович (1838-1911). «Въезд в деревню». 1891.

Иоганн Баптист Райтер (1813 - 1890). "Кукла". 1845.