Живопись

Стив Хэнкс.

Стив Хэнкс - один из известнейших американских художников, работающих в технике акварель. Родился в семье военных в Сан-Диего в 1949. Всё свое детство провел на побережье Калифорнии. После того, как его семья переехала в Нью-Мексико, вдали от океана и друзей, он нашел себя в живописи. Позже окончил Калифорнийский колледж искусств и ремесел в Окленде. Стив завоевал многочисленные награды и премии. Например, в США в период с 1994 по 1996 год он считался лучшим художником. Более 170 картин включены в его книгу, которая получила признание даже среди критиков. В настоящее время художник проживает в Альбукерке, штат Нью-Мексико, вместе с женой и тремя детьми.

Все его работы невероятно реалистичны. Настолько реалистичны, что многие могут подумать, тут без фотошопа не обошлось. И все-таки, все работы мастер создает кистью и красками. Сам Стив Хэнкс - работающий в технике акварели, называл свой стиль "эмоциональным реализмом"... "Искусство исходит из глубокого внутреннего чувства направления. Оно начинается с переосмысления своей собственной жизни, с поиска источника ее импульсов и попытки разгадать ее тайны. Я считаю себя эмоциональным реалистом. Эмоции - это то, что я хочу изобразить. Реализм - просто мой способ это делать". Его любимые темы - женщины. Он говорит, “ Женщины занимают отдельную нишу в моей чувствительности. Они выражают большее количество чувств. Имеется много волшебства в них. ” Их портреты отражают насыщенность и невинность. Пристально глядят ли они из окна, или опираясь на диван".

 

Стив Хэнкс.

 

7 августа 1839 года родился русский художник, академик исторической живописи, гравёр, искусствовед - Михаил Петрович Боткин.
"Портрет С.П. Боткина", 1862 г. Холст, масло 44,8 х 37,6 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

 

Боткин Михаил Петрович. "Старовер", 1877. Холст, масло 32,3 х 24 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

 

Амрита Шер-Гил "Убранство невесты". 1938.

Амрита Шер-Гил умерла в 28 лет (и при этом неизвестно от чего), но успела заполучить похвалу от критиков – они называли её одной из самых необычных художниц-авангардисток и пионером индийского искусства. Амрита родилась в Будапеште и там же начала интересоваться искусством, но позже уехала с семьёй на родину отца, в Индию. Западный стиль плюс сюжеты из индийской жизни – вот и секрет успеха. Да и помимо этого у Амриты была весёлая жизнь, об особенностях которой на форуме стремновато писать. В честь Амриты Шер-Гил назван один из кратеров на Меркурии, одну из дорог в столице Индии назвали в честь Амриты Шер-Гил, её картина «Женщины с холма» изображена на почтовой марке, выпущенной в 1978 году.

 

Бартоломеус ван дер Гельст (1613 - 1670). "Абрахам дель Корт и его жена Мария". 1654.

 

Жан Антуан Ватто. «Актеры французской комедии», 1712 г. Дерево, масло. Размер: 20x25 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Жан Антуан Ватто (1684-1721) — французский живописец и график, член Королевской академии живописи и скульптуры; выдающийся мастер периода французского Регентства, творчество которого стало прологом общеевропейского стиля рококо

С начала 1710-х годов в творчество Ватто начинают прочно входить темы, связанные с жизнью театра и актеров. Вкус к театральной образности, сформировавшийся ещё в период ученичества у Жилло, стал одной из самых ярких примет его нового стиля. Но в произведениях Ватто нет реальных театральных сцен, конкретной обстановки (как в картинах его наставника Жилло). Он придумывает свои ситуации, свои мизансцены, заменяя декорации условным пейзажным фоном.

М. В. Алпатов "Театр привлекал Ватто как художественно претворенная жизнь, как выражение человеческих страстей, очищенных от случайностей будней, освещенных огнями рампы, расцвеченных яркими костюмами. Ярмарочный театр, в котором многое восходило к комедии дель арте, не знал замкнутости сцены, разрыва между зрелищем и жизнью.

Актеры перебрасывались репликами с партнером, выходили в зрительный зал. И это подкрепляло свойственное Ватто ощущение жизни как игры, а характеров как масок. Да, действительно, театр — это вторая жизнь, а жизнь — подобие сцены. И там и здесь — лицедейство, игра, обман, притворная любовь, притворная грусть и веселость."

До недавнего времени картина Актеры французской комедии была мало изучена: ее относили к так называемым «театральным сценам» художника, но не могли с точностью установить сюжет произведения. С XVIII века по настоящее время картина сменила восемь различных названий.Она совсем небольшая, всего двадцать пять сантиметров в длину, написана на доске, как икона, ничем, казалось, не примечательная, без тайны и соблазна галантных фигур и ассамблей в парках.

Скрупулезное изучение большого количества подготовительных этюдов позволило уточнить жанр и определить изображенных. Эти рисунки Ватто сравнивали с теми, которые воспроизводят совершенно определенных людей. Среди прочих, идентификацией изображенных на картине занималась французский искусствовед Э. Адемар.

Она установила, что молодая женщина в высоком чепце в левой части картины — актриса Кристина Антуанетта Шарлотта Демар (1682-1733), в свое время покорившая парижан. Эта привлекательная и талантливая актриса с восьмилетнего возраста постоянно выступала в «Комеди Франсэз» и славилась совершенством исполнения, приятной внешностью, хорошим голосом, тонким умом и искрящимся весельем.

И.С. Немилова, изучив множество рисунков, установила, что изображенный против Демар старик, фигурировавший под именем Панталоне — актер того же театра Пьер Ленуар Ла Торильер (1659-1731). Он начал свою артистическую карьеру в 14-летнем возрасте, и, по преданию, получал уроки актерского мастерства у самого Мольера. В Париже он был известен как исполнитель трагических ролей, а также успешно изображал на сцене любовников

Личность юноши в берете, которого называли Скапеном, оказалась наиболее трудной для определения. С него Ватто выполнил множество рисунков. Среди них один считается изображением актера «Комеди Франсэз» Филиппа Пуассона, игравшего роль Блеза в комедии «Три кузины».

Имя молодой девушки в полосатом платье с фрезой пока еще не установлено. Ее изображение можно также найти на многих набросках художника. Вероятно, это также актриса, игравшая в той же комедии, что и изображенные на картине персонажи.
Набросок последнего участника группового портрета - пажа-арапчонка - также встречается в рисунках Ватто. Он же изображен на картине «Беседа» в роли слуги Кроза, казначея Франции, мецената и покровителя Ватто, мастерски написанного в окружении друзей на фоне парка.

Таким образом, при помощи тщательного изучения этюдов к эрмитажной картине, удалось, во-первых, определить ее жанр — она оказалась групповым портретом актеров театра «Комеди Франсэз», игравших в пьесе «Три кузины», во-вторых, установить их имена, и в-третьих, обнаружить несоответствие названия «Итальянские актеры», так как на ней изображены актеры, но не итальянского, а французского театра.

Подобный групповой портрет - большая редкость в творчестве Ватто. Живописные качества произведения очень высоки. Оно привлекает зрителя нежным и вместе с тем сочным колоритом и правдивостью образов. Несмотря на маленький размер, картина производит впечатление значительной, благодаря продуманной уравновешенной композиции.

Особенная выразительность персонажей находит свое объяснение в том, что Ватто хорошо знал каждого изображенного, художник досконально изучил их облик, о чем свидетельствуют множество набросков, сохранившихся до наших дней. Действительно, создается впечатление, что они только что покинули сцену, собрались за кулисами в ожидании своего выхода. Внимание зрителя не отвлекает столь любимый в качестве фона мастером живописный пейзаж, он использует на портрете гладкий и темный фон.

Картина была приобретена в 1772 году у наследников друга и покровителя Ватто Пьера Кроза, немало способствовавшего развитию таланта художника.

 

Истмен Джонсон (1824 -1906). " Девушка, которую я оставил". 1875.

Девушка твердо стоит на земле, сопротивляясь обстоятельствам, и уверенно смотрит в будущее. Ее поза и напряженное лицо говорят о том, что она готова ко всему, но отчаянно верит в лучшее.

Художник дорожил этим полотном, он выставлял его на нескольких выставках в Чикаго, Бруклине и Филадельфии, но не пытался продавать.

 

Алексей Петрович Боголюбов (1824 - 1896). «Монастырь».

 

7 августа 1918 года родился русский художник, пейзажист и жанровый живописец - Матвей Фёдорович Горбатенко.
"Катунь", 1976-1978. Холст, масло 60 х 80 см. Музей изобразительных искусств Кузбасса.

 

Горбатенко Матвей Федорович. "Тишина", 1986. Холст, масло 58,5 х 92 см. Краснодарский краевой художественный музей имени Ф.А. Коваленко.

 

Джош Клэр (род. 1982).

 

Клайд Аспевиг (род. 1951).

 

Элин Даниельсон-Гамбоджи (1861-1919). "В винограднике".

 

Вячеслав Стекольщиков (род. 1938).

 

Август Лор (1842-1920). "Замок Чапультепек, Мексика", 1891.

 

Алексей Петрович Боголюбов (1824−1896). "Берег в Онфлере. Знойный день. Отлив в устье реки Сены", 1876 г. Холст, масло. 48.5х73 см. Саратовский художественный музей имени А.Н. Радищева, Саратов.

 

Николай Солодов (род. 1965). "Деревня Мартемьяново. Троицкая церковь", акварель.

 

Алексей Савченко (род. 1975).

 

Диана Коробкина (род. 1980).

 

Алексей Адамов (род. 1971).

 

Алексей Петрович Боголюбов (1824−1896). "Биржа ночью. Петербург", 1878 г. Холст, масло. 41х32 см. Саратовский художественный музей имени А.Н. Радищева, Саратов.

 

Игорь Кравцов. "Тишина. Отец и сын". 2009.

 

Чередин Борис Александрович (1919-1970). "Уснул", 1957.

 

Эдвин Генри Ландсир «Скорбящий о старом пастухе», 1837.

Художник Эдвин Ландсир был анималистом, отдавая в своём творчестве предпочтение изображению животных. Не стала исключением и его картина «Скорбящий о старом пастухе», изображающая пса, который потерял своего хозяина.

На полотне мы видим довольно бедную лачужку, посреди которой стоит деревянный гроб. На его крышку положила свою голову очень грустная собака — она не знает, как теперь будет жить без своего пастуха. Художник удивительно реалистично передал страдания несчастного пса, в глазах которого буквально стоят слёзы.

На полу валяется примитивная деревянная трость и старенькая шляпа умершего. На стуле лежат Библия и очки. Это всё, что осталось пожилого хозяина дома, ушедшего в мир иной.

Эта картина была выставлена в Королевской академии в 1837 году и имела большой успех. Она получила лестные отзывы многих признанных критиков и была с энтузиазмом встречена в прессе.

Английский писатель и теоретик искусства Джон Рёскин назвал полотно «одним из самых совершенных произведений искусства, которые видели современные времена»

В 1838 году по мотивам картины «Скорбящий о старом пастухе» была сделана гравюра, которая стала одной из самых продаваемых гравюр века.

В настоящее время полотно является частью собрания Музея Виктории и Альберта в Лондоне.

 

Алексей и Сергей Ткачёвы «У колодца», 1954.

На этой картине изображена сцена у деревенского колодца. На дворе стоит жаркий летний день. Молодая женщина в белых одеждах поливает спину уставшего тракториста, пришедшего на обед. На заднем плане другая женщина достаёт воду из колодца-журавля.

Вся картина освещена яркими солнечными лучами. Несмотря на то, что стоит разгар рабочего дня, атмосфера сюжета светлая, лёгкая и позитивная.

Идею этого полотна братья Ткачёвы подсмотрели в белорусской деревне Голоцк, где они проводили лето 1952 года. Увиденная сцена так понравилась художникам, что они сразу же решили воплотить её на холсте.

Натурщиком для молодого тракториста стал Георгий Прохорчук. Он был младшим сыном Анны Прохорчук — женщины, у которой братья снимали жильё. Художники сдружились с Жорой и решили сделать именно его главным героем картины. Жора считался деревенским заводилой и пользовался популярностью у противоположного пола.

Братья работали над эскизами к картине в местной школе, директором которой был родственник Анны Прохорчук. Он позволил Ткачёвым использовать один из классов под мастерскую. Из окон этого класса открывался чудесный вид на деревенские окрестности. Там же виднелся колодец-журавль, возле которого всегда было людно.

В деревне художники сделали множество этюдов, но окончательный вариант полотна писали позже на Академической даче имени И.Е. Репина в Тверской области. В настоящее время картина «У колодца» является частью коллекции Брянского областного художественного музея.

 

Николай Пимоненко. «Вечереет». 1900.

Николая Пимоненко называли певцом украинского села. Большую часть своего творчества он посвятил малороссийским бытовым сюжетам, изображая жизнь простых крестьян, которых знал лично.

На картине «Вечереет» Пимоненко изобразил брата с сестрой, который загоняют домой гусей. На заднем плане алеет невероятно красивый закат, который делает картину какой-то родной, домашней, спокойной и умиротворённой.

Картина написала в селе Малютянка Киевской области, где художник проводил каждое лето и создавал прекрасные шедевры. Позировали ему обычные жители села — соседи.

Жена художника вспоминала, что он всегда носил с собой маленькую шкатулку с полотном, кистями, красками и альбомчик с карандашом, чтобы ничего не пропустить.

Довольно уместно и точно один из современников Пимоненко заметил:

«Картины Николая Пимоненко наполненные светом, ясным настроением, таким редким и ценным в нашей мрачной и печальной жизни. От них веет свежим воздухом и привольем прекрасного Юга, насыщенного страстным солнцем, что делает людей весёлыми, добрыми, чувствительными ко всему светлому и прекрасному».

 

Марк Шагал. «Голгофа (Распятие)». 1912 г. Холст, масло. Нью-Йоркский музей современного искусства. США.

 

Макс Либерман. «Голландская деревенская улица». 1881 г. Холст, масло.

 

Камиль Писсарро. «Жатва близ Монфуко». 1876 г. Холст, масло. Музей Орсе. Париж.

 

Маковский Константин Егорович. "Крестьянский обед во время жатвы", 1871. Холст, масло. 119 x 160 см. Таганрогская картинная галерея.

 

Отто Дикс. «Портрет журналистки Сильвии фон Харден». 1926 г. Темпера, масло.

 

Джон Уильям Годвард. «Сиеста летним днём». 1891 г. Холст, масло. 40,6x50,8 см. Частная коллекция.

 

Уильям Тернер. «Пантеон, утро после пожара». 1792 г. Акварель. Тейт Британ. Лондон. Великобритания.

 

Годфри Неллер «Пётр I». 1698 г. Холст, масло. 241,2х145,4 см. Британская королевская коллекция. Виндзор.