Живопись

Йохан Джозеф Хореманс «Интерьер с хирургом, лечащим рану в боку мужчины», 1722 г.

Наталья Сергеевна Гончарова. «Цветы», 1912 г. Холст, масло. Размер: 72.7×93 см. Частная коллекция.

Эта работа входит в число 20 самых дорогих картин русских художников, проданных на аукционных торгах
Рекордная картина «Цветы» продана 24 июня 2008 года на Christie’s за £5,53 млн. Холст относится к особо ценному периоду в творчестве художницы; в нем поразительно сплелись идеи и энергетика футуризма, композиционные приемы фирменного лучизма и желто-красная цветовая гамма, характерная для русского народного творчества и иконописи. История картины прослеживается с персональной парижской выставки 1914 года в галерее Поля Гийома; она находилась в собрании немецких коллекционеров Хохов, хорошо известна по публикациям, участвовала в выставках.

Полотно написано на стыке кубофутуризма, примитивизма, фовизма и лучизма. От кубофутризма здесь полупредметность изображения и специфический признак этого направления – металлический блеск цилиндрообразных форм. И в то же время цветы вполне опознаваемы как цветы, а сияние горячего красного, оранжевого, желтого отсылают к фовизму с его «дикими» красками и лучизму, изображающему не предметы, а отражаемые ими лучи.

Свойственная Гончаровой экспрессивность позволяет даже непредметный букет охарактеризовать вполне предметно. Во-первых, никаких сомнений в том, что перед нами именно букет, а не цветы в саду – металлические цилиндры говорят об идее вазы. Букет явно не весенний, здесь нет нежности и расцвета, он яростный, осенний, полыхающий напоследок. Частично в полном расцвете (задний план, левая сторона), частично – увядающий (стебель на переднем плане явно опадает, осыпается, и за ним несколько таких же, в ближайшее время их ожидает та же судьба).

Наталия Сергеевна Гончарова (1881–1962) вошла в русское искусство как «амазонка авангарда», новатор живописи, блестящий декоратор, живописец, график, театральный художник. В цепи самостоятельных творческих экспериментов Гончарова развивала идеи примитивистской живописи (неопримитивизма), включала в свои работы преобразованные элементы иконописи и лубка.

Считается, что ее главным учителем был муж, Михаил Ларионов, с которым Гончарова познакомилась в 1900 году. Пара оставалась неразлучна в творчестве (хотя, не будучи формально женаты, они прекратили семейные отношения в 1930-х и позже соединили свою жизнь с другими людьми). Почти во всех выставках и в творческих объединениях художники участвовали вместе. Они экспонировались на всех ключевых выставках русского авангарда: «Бубновый валет», «Ослиный хвост», «Мишень»… Эта же традиция сохранилась и в эмиграции. Не случайно на оборотах картин Гончаровой нередко можно видеть подписи Larionov с инвентарным номером, что на самом деле не более чем служебные пометки устроителей выставок: все равно обычно вместе выставляются, а по «семейной» фамилии легче было не запутаться.

Гончаровой не пришлось спешно покидать Россию с началом гонений на авангард. Супруги обосновались в Европе за пару лет до революции, долгое время были обеспечены театральными заказами и до конца своих дней прожили в Париже. Считается, что наиболее высоким художественным значением обладают работы Гончаровой доэмиграционного периода и вещи, созданные до начала 1920-х годов.

Сергей Александрович Передиреев (род. 1958).

Александр Кремер (род. 1958). "Иней. Февраль".

Жан-Батист Клод Роби (1821-1910).

Эмиль Бернар. «Портрет сестры Мадлен». 1888 г. Масло, холст. Музей Тулуз-Лотрека. Франция.

Пётр Верещагин. «Вид Московского кремля». 1879 г.

Семирадский Генрих Ипполитович". Девушки на террасе у бюста Гомера", 1890-е. Холст, масло 73 х 98 см. Тульский музей изобразительных искусств.

Жюль Бастьен-Лепаж «Жанна д’Арк», 1879.

Эта картина изображает прекрасный весенний сад, посреди которого стоит молодая девушка. Она оперлась на дерево и загадочно смотрит вдаль, словно прислушиваясь к чему-то очень важному. Что же с ней вдруг произошло?

На картине изображена известная Орлеанская дева — Жанн д’Арк, которая смогла преломить ход Столетней войны. Жанна прославилась благодаря своей храбрости, честности и мужественности, несмотря на то, что сама она была юной хрупкой девушкой, которой на момент смерти не было и 20 лет.

Жанна стала полководцем не случайно. С 13-ти лет она начала слышать голоса святых, которые являлись ей в разных обличиях. Они поведали юной деве, что именно ей суждено снять осаду Орлеана и вытеснить захватчиков из Франции.

Именно момент видений Жанны и изобразил на картине Бастьен-Лепаж. Она очень внимательно слушает святых, которые парят в воздухе за её спиной. Предположительно, это образы архангела Михаила и святой Екатерины.

Жанна поверила голосам и отправилась просить разрешение дать ей возможность руководить войсками. Вначале юная дева была высмеяна, однако потом капитан Роберт де Бодрикур поверил ей и согласился дать людей для поездки к королю.

Король долго колебался, но в итоге, согласился, что Жанна является посланницей Бога и сделал её командующей армией. Молодая военачальница смогла сразу же освободить Орлеан и изменить ход Столетней войны.

Однако из-за предательства Жанна попала в плен к англичанам, которые судили её и приговорили к сожжению на костре. Девушка не признала себя виновной и геройски приняла смерть.

«Епископ, я умираю из-за вас. Я вызываю вас на Божий суд!» — с высоты костра крикнула Жанна и попросила дать ей крест. Палач протянул ей две скрещённые хворостины. И когда огонь охватил её, она крикнула несколько раз: «Иисус!»

Бастьен-Лепаж изобразил Жанну не героиней, а простой крестьянкой, которая стоит босиком посреди сада. Её образ очень прост и мил, при этом он пронизан вниманием и напряжённостью.

Большинство критиков и художников высоко оценили работу мастера. Михаил Нестеров так высказался о ней:

"Я старался постичь, как мог Бастьен-Лепаж подняться на такую высоту, совершенно недосягаемую для внешнего глаза французов. Бастьен-Лепаж тут был славянин, русский с нашими сокровенными исканиями глубин человеческой драмы… Весь эффект, вся сила Жанны д'Арк была в её крайней простоте, естественности ..."

Валентин Серов также был в восторге от «Жанны д’Арк» Бастьена-Лепажа, а вот критику Стасову она не понравилась. Стасов так отозвался о картине:

"Это не вдохновенная будущая спасительница отечества, а какая-то безумная психопатка, у которой только от физических причин, от лихорадки блуждают глаза, и щёки рдеют, и нет тут во всём её лице ни единой чёрточки глубокого душевного подъема, душевной жизни."

Впервые работа была представлена в Парижском салоне в 1880 году, после чего её купил американец Эрвин Дэвис. Позже он подарил картину нью-йоркскому музею Метрополитен.

Ахмет Китаев «Родное дите на периферию?!», 1954.

Эта картина изображает семейную сцену при участии мужа и жены. Супруга в красной халате замахивается половником и тарелкой, а её благоверный закрывает голову руками, пытаясь себя защитить. Давайте попробуем выяснить, что за драма разворачивается на этом полотне.

Картину написал художник Ахмет Китаев, который любил создавать произведения в жанре соцреализма. История сюжета «Родное дитё на периферию?!» связана с правилами советских времён, когда выпускников ВУЗов отправляли работать в отдалённые городки и деревни по так называемому распределению.

Распределения избежать можно было только чудом. В основном, оно затрагивало каждого молодого специалиста, причём отправить могли куда угодно — как в глухое село, так и в большой город. Имея связи, можно было остаться в родном городе, конечно, если были подходящие места. Уклонение от работы по распределению в СССР было наказуемым, кроме того, тех кто не работал по распределению, никуда больше не брали.

Жителей маленьких населённых пунктов распределение не особо пугало, к тому же они могли ещё и получить жильё на новом месте. А вот из крупных городов, особенно из Москвы, уезжать не хотелось никому. Часто такое распределение становилось трагедией для всей семьи. Именно такую историю мы и видим на картине Китаева. Обратите внимание, что действие происходит не в 80-х, а в 50-х годах прошлого века.

Как мы видим, герои картины живут совсем не бедно: ковры, картины в дорогих рамках, хорошая мебель. На столе стоят фрукты в изобилии и даже виноград, хотя на дворе не лето (девушка сидит в пальто).

Видимо, отец семейства занимает хорошую должность, может даже является представителем номенклатуры. Вот только в доме он, судя по всему, совсем не хозяин. Здесь командует властная и требовательная хозяйка, которая очень не довольна тем, что её муж не мог выхлопотать для дочки хорошего места.

Обратите внимание на кота, который испугался так, что забрался на антикварные часы. Животное здесь отражает настроение самого хозяина, который тоже готов куда-нибудь убежать.

Искусствоведы обращают внимание на поднятый половник, которым замахнулась хозяйка. По их мнению, он символизирует не только агрессию жены, но и то, что мужу ещё придётся «хлебнуть горя большой ложкой».

Не обошлось на картине из без сердобольной бабушки, которая принялась успокаивать внучку. Пожилая женщина искренне сочувствует «горю» девушки и понимает, что и сама будет скучать без неё.

Сама «виновница торжества» в шоке от происходящего. Она развалилась на кресле и уставилась в одну точку, не в силах смириться с отъездом из семьи. Девушка привыкла к шикарной жизни, а, судя по названию картины, её отправляют работать из большого города на периферию. Как тут не грустить?

Молодая специалистка представляет собой образ «золотой молодежи». У неё хорошее пальто, модные красные туфли и очень стильная сумочка, которую нельзя было просто купить в обычном магазине, а можно было только «достать».

Сам интерьер квартиры выглядит «мещанским» для того времени, из-за чего картина Катаева подверглась критике советского искусствоведа Каменского, который не увидел карикатурного исполнения, а разглядел только лишь акцент на убранство помещения:

«Вполне резонным, скажем, было желание А. Китаева осудить тех молодых людей, которые ищут легких путей в жизни, беззастенчиво прибегают к протекции и иным бесчестным приемам, дабы раздобыть теплое местечко, не уезжать после окончания института из столицы… Но что видит зритель в создании Китаевым на полотне? В этой крикливой, прямо-таки смакует «красивые» детали тщательно выписанного интерьера, оставленного по всем законам мещанского вкуса. Смакует он и кухонно-скандальную сцену: мать семейства, донельзя вульгарная баба, замахивается половником на своего перепуганного мужа, которые не сумел устроить дочку в столице.
По сути дела, художник не разоблачает, а лишь бытописует мещанский уклад жизни. Поэтому картина может вызвать лишь хихиканье, а не презрение зрителя к затхлому обывательскому мирку».

В 1990-х годах взгляд на картину стал другим. Искусствоведы стали говорить, что полотно представляет собой «живописно-сценический фарс о повседневных бытовых неурядицах». И воспринимать картину нужно именно так, не загружая моралью и назидательностью.

Патрик Аллан Фрейзер «Элизабет Аллан-Фрейзер сидит и читает с кошкой», 1871.

На этой картине художник изобразил женщину средних лет, которая уютно устроилась в кресле с любимой книгой и любимой кошкой. Обе героини погрузились в свои миры и наслаждаются тёплым домашним вечером.

Слева на столике можно разглядеть коробку для рукоделия, на которой лежит незаконченная вышивка. Видимо дама утомилась за работой и решила сменить род занятия, переключившись на интересный роман.

Картину написал шотландский художник Патрик Аллан-Фрейзер, запечатлев на ней свою супругу Элизабет Аллан-Фрейзер. Женщина позировала мужу в своём родовом поместье, ныне известном как центр искусств Хоспиталфилд Хаус.

Замок Хоспиталфилд был построен в 13 веке монахами из аббатства Арброут как приют для больных проказой и чумой под названием Больница Святого Иоанна Крестителя. В 1664 году он был приобретён преподобным Джеймсом Фрейзером и стал собственностью семьи Фрейзер.

Когда Элизабет Фрейзер вышла замуж за художника Патрика Аллана, супруги решили отреставрировать замок и сделать из него галерею. Поскольку Фрейзеры не имели детей, они завещали Хоспиталфилд центру поддержки художников и образования в области искусства.

Сегодня комната, где создавалось полотно «Элизабет Аллан-Фрейзер сидит и читает с кошкой», находится почти в том же самом виде, что и на картине. На месте остались мебель, предметы интерьера и даже портрет майора Джона Фрейзера, отца Элизабет.

Жюль Бастьен-Лепаж «Деревенская любовь», 1882.

Перед нами знаменитая картина французского художника Жюля Бастьен-Лепажа под названием «Деревенская любовь». На ней мы видим двух молодых людей, которые стоят по разные стороны покосившейся изгороди. Парень и девушка мило беседуют и, вероятно, пытаются признаться друг другу в чувствах.

Девушка стоит спиной, поэтому мы не видим её лица. Она сняла платок, который висит теперь на изгороди, показав зрителю две тоненькие косички. Лицо парня можно хорошо разглядеть. Видно, что в данный момент он смущён, поскольку делится со своей возлюбленной самым сокровенным — своими чувствами, а может просто подбирает подходящую тему для разговора.

Картина написана в стиле натурализма — любимом стиле Бастьен-Лепажа. Просто удивительно, насколько реалистично прорисованы люди, дома и природа вокруг. Художник смог грамотно передать особенности времени года, переливы цвета листвы и травы, земляную фактуру.

Очень чётко мастер изобразил лица героев, их эмоции и чувства. Например, девушку мы видим только со спины, но хорошо можем понять, что она смущается.

«Деревенская любовь» считается одним из самых удачных произведений Бастьен-Лепажа. Она с восторгом воспринялась критиками и другими художниками. Многие русские мастера живописи высказали мнение, что картина больше русская, чем французская.

Худочник Михаил Нестеров даже высказал мнение, что это полотно должно висеть в храме: "Мнение же мое было таково: картина «Деревенская любовь» по силе, по чистоте чувства могла быть и в храме. Картина эта, по сокровенному, глубокому смыслу, более русская, чем французская. Перед картиной «Деревенская любовь» обряд венчания мог бы быть еще более трогательным, действенным, чем перед образами, часто бездушными, холодными. Бастьен-Лепаж поэтическим языком в живописи выразил самые чистые помыслы двух любящих, простых сердцем людей".

Высоко оценил картину и Валентин Серов, который был знаком с творчеством Бастьен-Лепажа по московскому собранию С.М. Третьякова и часто говорил: "Я каждое воскресенье хожу туда смотреть «Деревенскую любовь»".

Художник Виктор Борисов-Мусатов настолько проникся картиной, что даже посвятил ей стихотворение:
"Давно ли был мой идеал
Учитель Коновалов наш?
Но в Третьяковке побывал —
В мечтах один Бастьен-Лепаж."

В Третьяковскую галерею «Деревенская любовь» попала 1885 году, после того как Сергей Третьяков приобрёл её на посмертной распродаже полотен Бастьен-Лепажа в парижской галерее Жоржа Пети. С тех пор она украшает российские выставки. В настоящее время картина находится в Пушкинском музее в Москве.

Владислав Елисеев.

Евгений Вагин (1925-2019).

Сергей Черкасов (род. 1938).

Павел Плешанов. «Царь Иоанн Грозный и иерей Сильвестр во время большого московского пожара 24 июня 1547 года». 1856 г/

Течёт река. Картины норвежского художника-пейзажиста Фрица Таулова (Frits Thaulow 1847-1906)

Фриц Таулов любил рисовать простые сюжеты. Зачастую это были дневные и вечерние виды укромных деревенских уголков Норвегии со стоячими прудами и тихо струящимися речками, со скромными домиками, покрытыми снегом, и с немногими человеческими фигурами, или же виды парижских улиц и пустынных закоулков в городках и селах Нормандии.

Однако при этом талантливый живописец выказывал не только виртуозную технику, но и удивительно тонкое чувство природы. Непосредственность в диалоге с природой для него — самое первое условие творчества. Отсюда — подчеркивание безыскусственности мотива, известная фрагментарность. Вместе с тем Таулова можно назвать и романтиком.

Художник не всегда акцентирует внимание на подробностях, с особой тонкостью запечатлевая освещенные солнцем стынущие реки и ясное небо. Подлинное искусство заключается в том, чтобы поймать достойный момент, суметь передать движение и жизнь, — глядя на полотна Фрица, можно ощутить холод снега и ледяной воды, неповторимый аромат осенней листвы, и «увидеть» легкий ветерок, запутавшийся в траве на летней лужайке…

Игорь Грабарь. «Дельфиниум». 1908 г.

Шишкин Иван Иванович. "Бычок ", 1870-е. Бумага, наклеенная на картон, черный и графитный карандаш. 49 x 41 см. Киевская картинная галерея, Киев.

Эрколе де Роберти. «Концерт», 1490 г. Дерево, масло.Размер: 93 × 73 см. Национальная Галерея, Лондон.

Эрколе де Роберти (ок.1450 — 1496) — один из крупных художников феррарской школы эпохи Возрождения, наряду с Козимо Тура и Франческо Косса. Совсем молодым он принимал участие в росписи Зала месяцев Палаццо Скифанойя, где его рано сложившийся талант проявился в композиции "Сентябрь", созданной им словно бы в соперничестве с фантастическими видениями Туры.

В Болонье он работал вместе с Коссой над алтарем для церкви Сан Ладзаро, разрушенной во время Второй мировой войны. Для "Полиптиха Гриффони" в церкви Сан Петронио он написал пределлу "Чуда Святого Винсента Феррер", отмеченную замечательной силой воображения. В грандиозном алтаре "Санта Мария ин Порто" (1481 Брера) очевидно воздействие Антонелло да Мессина и Беллини.

Несмотря на раннюю смерть, Эрколе оставил несколько шедевров Раннего Возрождения. Один из них перед вами. На картине «Концерт» изображён юноша с лютней у мраморного парапета, на котором лежат небольшие книги с нотами. Рядом с ним стоит девушка, она положила руку ему на плечо в знак доверия и приязни. Чуть позади — еще один человек, пришедший на прекрасную музыку. Мелодия очаровала всех присутствующих.

Пабло Пикассо"Голова женщины" (Портрет Женевьевы), 1902-1903 гг. Холст, наклеенный на картон, масло. Размер: 49,8 х 36,5 см. Государственный Эрмитаж.

Большинство исследователей считают, что картина была написана в Барселоне в 1903 году, другие утверждают, что рисунок был сделан Пикассо в Париже в декабре 1902 г. Небольшой формат холста включает погрудное изображение женщины с платочком на шее.

Конкретная модель обретает родовые черты всех персонажей голубого периода, воплощая размышления Пикассо о том, что "скорбь составляет фон жизни", о страдании, смирении и сострадании.

Динамичная линия выявляет пластику ее лица, усиленную цветовой разработкой. Энергично положенные длинные мазки образуют плотную шапку жестких волос с острым завитком выбившейся пряди, обрамляя глаза модели с их тяжелой печалью и остановившимся, невидящим взглядом. Сине-зеленый тон доминирует, но в него вторгается тускло-красный, безрадостный цвет шейного платка и губ, как тщетная попытка женщины, приукрасив себя, выбраться из вездесущего холода синевы.

Карл Вильгельм Дифенбах (1851-1913). «Вопрос к звёздам». 1898. Частное собрание.

Рембрандт Харменс ван Рейн ( 1606-1669). «Иаков благословляет Иосифа». 1656.

Картина написана по библейскому сюжету. Престарелый полуослепший Иаков благословляет детей своего удачливого сына Иосифа, который, возвысившись, стал главным советником египетского фараона. Но вопреки обычаю он положил правую, а не левую руку на голову младшего внука Ефрема, а в ответ на ропот Иосифа объявляет, что Ефрем будет выше первенца, так как от "семени его произойдет многочисленный народ". Это издавна изъясняли так: Ефрем станет прародителем всех христианских народов. Рембрандт, видимо, следует этой традиции, изобразив его светловолосым, с ореолом вокруг головы. Характерно, что художник избегает конфликтное повествования

Гюстав Моро (1826 - 1898). «Пьета». 1854. Частная коллекция.

Юрий Михайлович Ракша (1937 - 1980). «Моя мама».

Часть небольшой комнаты девичьего общежития, размещенного в деревянном бараке. Железные кровати, одна из которых покрыта лоскутным деревенским одеялом, на стене – зеркало, несколько фотографий и разворот какой-то газеты. Четыре девушки. Одну из них ожидает мужчина за окном – судя по всему, светловолосую, которая стоит спиной к зрителю в центре комнаты.

По словам художника, ему важно было передать единство духа и физической красоты. Результатом явился необычный золотой свет, в котором «купаются» девичьи фигуры.

Именно эта картина принесла Юрию Ракше большую известность.

Шишкин Иван Иванович. "Домик в лесу (Пейзаж с фургоном)", 1863. Бумага, сепия. Самарский областной художественный музей.

Лагорио Лев Феликсович. "Берег моря". 1880.

Поленов Василий Дмитриевич. "Коровник", 1894. Холст на картоне, масло 8,9 х 14,8 см. Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова.

Коровин Константин Алексеевич. "Зимняя ночь", 1910. Холст, масло. Частное собрание.

Куинджи Архип Иванович. "Закат с деревьями". 1876-1890.

Саврасов Алексей Кондратьевич. "Пейзаж с радугой". 1881. Холст, масло. 58 x 74 см. Латвийский художественный музей.

Перов Василий Григорьевич . "Женский портрет". Дерево, масло 96 х 65 см. Рязанский областной художественный музей/

Серов Валентин Александрович. "Одиссей и Навзикая", 1910. Бумага, гуашь, темпера 85,5 x 101,5 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Сюжет композиции восходит к «Одиссее» Гомера. Художник обращается к завершающему эпизоду странствий Одиссея, когда после кораблекрушения он был выброшен морем на остров феаков. Его нашла царевна Навзикая, полюбившая героя. Царь Алкиной, отец Навзикаи, помогает скитальцу вернуться на родину, а царевна просит Одиссея не забывать ту, что спасла ему жизнь.

Еще в 1903 году Серов признался А.Н. Бенуа, что ему бы хотелось написать Навзикаю, но «не такой, как ее пишут обыкновенно, а такой, какой она была на самом деле».

Дополнительным импульсом увлечения Античностью стала совершенное в 1907 вместе с Л.С. Бакстом путешествие по Греции и Криту. Впечатления от увиденного, особенно посещение раскопок Кносского дворца, зафиксированные в рабочих блокнотах художника, использовались в работе над композицией «Одиссей и Навзикая». Существует несколько вариантов картины, хранящихся в Русском музее и Третьяковской галерее, традиционно датирующихся 1910.

В основе композиции лежит мотив шествия, напоминающий своим ритмом рельефы на фризах древнегреческих храмов. Навзикая подобна греческой коре, ее колесница, запряженная мулами, торжественно движется вперед, за нею следует толпа служанок, церемониальный ряд замыкает Одиссей. Умудренный и уставший от странствий, он бредет, погруженный в тяжелые раздумья. Шествие разворачивается на фоне высокого жемчужно-серого неба. Работа была написана на даче Серовых в Ино, в Финляндии. Дочь художника, О.В. Серова вспоминала: «В Финляндии [на даче в Ино] папа много и плодотворно работал над «Навзикаей» и «Похищением Европы». ˂…˃ В «Навзикае» ˂…˃ море и песокбольше всего напоминают Финский залив. Оно около нас было мелкое, какое-то не совсем настоящее, но по тонам очень красивое, в серовато-голубой гамме».

Источник: Государственная Третьяковская галерея

Левитан Исаак Ильич. "Бульвар зимой (Бульвар вечером)", 1883. Холст, масло. 21 x 32 см. Национальная галерея Армении, Ереван.

Маковский Владимир Егорович. "На кухне", 1913. Холст, масло. 49 x 60 см. Национальная галерея Армении, Ереван.