Живопись

Илья Горгоц (род. 1957), акварель.

Питер Пауль Рубенс. «Пейзаж со Святым Георгием и Драконом». 1630 г. Холст, масло. 152х227 см. Королевская коллекция. Виндзор.

Портрет молодого Марка Шагала кисти его учителя Пэна. 1914 г.

Николай Ульянов. «Конец лета». 1962 г.

Николай Пимоненко. «Брод». 1901 г.

В этот день в 1892 г. Павел Михайлович Третьяков передал в дар Москве созданную им художественную галерею.

Питер Пауль Рубенс. «Непорочное зачатие». 1628 г. Холст, масло. 198х137 см. Музей Прадо. Мадрид. Испания.

Дмитрий Жилинский. «А.А. и П.Л. Капицы». 1979 г.

Батареи отопления в бывшей даче Л.П.Берия....

Хоакин Соролья. «Сбор винограда». 1896 г. Холст, масло.

Виктория Пришедько (род. 1964).

Лоран Парселье.

Адольф Шарлемань. «Фельдмаршал Суворов на вершине Сен-Готарда 13 сентября 1799 года». 1855 г. Музей-заповедник «Гатчина».

Павел Корин. «Моя Родина». 1928 г. Бумага на картоне, масло, темпера. 45х150 см. Дом-музей П.Д. Корина. Москва.

Константин Коровин. «Дама с лампой». 1910 г. Холст,масло. 53,7х65,4см. Художественный музей Алтайского края. Барнаул.

Сегодня последний день лета, проводим это замечательное время года вместе с русскими пейзажистами!

Саврасов Алексей Кондратьевич. "К концу лета на Волге", 1873. Холст, масло. 55 x 44 см. Государственная Третьяковская галерея.

Казанцев Владимир Гаврилович (1849-1903). "Конец лета". Холст, масло. 82 x 46 см. Переславль-Залесский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Ярославская обл.

Нестеров Михаил Васильевич. "Конец лета", 1928. Холст, масло. 71 x 53 см. Частное собрание.

Виноградов Сергей Арсеньевич. "По жнивью", 1900. Холст, масло. 107 x 178 см. Нижнетагильский художественный музей изобразительных искусств.

Крачковский Иосиф Евстафьевич. "На собранном кукурузном поле", 1882. Дерево, масло 16,5 х 27,5. Частная коллекция.

Волков Ефим Ефимович. "Вечер", 1877. Холст, масло. 63 x 109 см. Севастопольский художественный музей им. М.П. Крошицкого.

Левитан Исаак Ильич. "Летний вечер", 1900. Картон, масло. 49 x 73 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Поплавский Людвиг Людвигович. "Сенокос". Холст, масло. 31 x 55 см. Чувашский государственный художественный музей, Чебоксары.

Поленов Василий Дмитриевич (1844 - 1927). «Христос и грешница (Кто без греха?)», 1888. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Картины своего цикла «Из жизни Христа» Поленов называл цитатами из Евангелия. Это большое полотно, открывающее цикл, — не исключение. Его авторское название — «Кто без греха?». Цензор, курировавший XV передвижную выставку, на которой экспонировалось полотно, заменил его на другое — «Христос и блудная жена». Более того, цензура вообще сомневалась по поводу оставления картины на выставке. Дело решило вмешательство царя Александра III — осматривая экспозицию до её официального открытия, он купил эту картину Поленова, опередив присматривавшегося к ней Павла Третьякова и предотвратив возможные жесткие действия цензуры. А её сомнения родились не на пустом месте. Эта работа художника «взламывала» существовавшую традицию изображения Христа. Поленов акцентировал своё внимание на человеческом в Нём, выведя за скобки всё собственно метафизическое и мистическое. Христос у него — не Бог, а странник, мудрец, гуманист. Такое рационалистическое решение темы вполне соответствовало этическим исканиям того времени, во многом определявшимся книгами Э. Ренана и религиозным реформаторством Льва Толстого (хотя сам писатель язвительно назвал поленовского Христа «полотером»). Работа вызвала жаркие споры. Реакцию молодежи точно иллюстрирует оценка В. Вересаева: «Картина дает такого Христа, — писал он, — каким мы Его теперь только и можем мыслить, — не Бога, а человека с огромной душой».

Кузьма Сергеевич Петров-Водкин. «Полдень. Лето», 1917 г. Холст, масло. Размер: 89x128,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Лиричный летний пейзаж художник написал в революционный 1917 год, который стал переломным и для России, и для российской живописи. Это обобщённый образ народной жизни. Глаз охватывает бескрайние пространства благодаря сферической, или наклонной, перспективе. Мы видим шарообразность Земли, "планетарность" этого грандиозного пейзажа.

«Полдень. Лето» — это целая жизнь русского крестьянина, перенесённая на холст. Художник отразил главные этапы жизни человека. Женщины с детьми — это рождение и материнство, молодые парень с девушкой — любовь, похоронная процессия — смерть. Остальные персонажи трудятся: собирают урожай, колют дрова, доят скот — а затем отдыхают после работы.

В этой работе проявился особый творческий метод Петрова-Водкина. Частью этого метода был принцип трёхцветия. Художник считал, что существуют основные цвета: синий, жёлтый и красный, остальные — производны от них. Сочетания тонов именно этих трёх цветов позволяли ему создавать сильные и чистые гармонии.

Другая особенность живописной системы автора — сферическая перспектива. В отличие от традиционной линейной, такая перспектива одновременно изображает пейзаж сверху — с высоты птичьего полета и сбоку — с уровня глаз человека. Благодаря этому приёму зрители будто смотрят на планету из космоса. Отсутствие линии горизонта и скруглённые линии усиливают этот эффект.

Иван Акимович Акимов. «Сатурн с косой, сидящий на камне и обрезающий крылья Амуру», 1802. Масло, холст. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

В римском пантеоне Сатурн (Кронос — у греков) был одним из самых древних богов, и, пожалуй, самым мрачным и жестоким. Сатур научил людей земледелию, которое он, как Бог, «курировал», выражаясь современным языком. А вот со Временем, которым Сатурн повелевал, он распоряжался сурово и безжалостно. Ничто не может остановить течение Времени.

Небольшое, очень грамотно и профессионально написанное полотно Ивана Акимова «Сатурн с косой, сидящий на камне и обрезающий крылья Амуру» представляет аллегорию времени, над которым не властна даже любовь.

Русский художник XVIII века представляет Сатурна в виде могучего крылатого старика, который, сидя на диком камне, косой отрезает крылышки младенцу Амуру, богу любви, сыну богини любви и красоты Венеры. Неумолимое время уничтожает даже всесильную любовь.

Лакомб де Презель так объясняет эту аллегорию: "Сатурн ничего более не значит, как Время. Стихотворцы объявляют, будто он поедал собственных своих детей, то есть Дни, Месяцы и Годы, а представляют его в виде крылатого старика, что означает скорость времени; в руке у него коса, показывая чрез то, что он все пожинает".

Винсент Ван Гог. «Вид на Вессенот близ Овера», 1890. Холст, масло. Размер: 55x65 см. Музей Тиссена-Борнемисы Мадрид.

В 1890 Винсент Ван Гог по совету брата Тео поселился в деревушке Овер-сюр-Уаз в тридцати пяти километрах севернее Парижа, где за его здоровьем наблюдал доктор Поль-Фердинанд Гаше, психиатр и любитель искусства. Мастер, несмотря на свое тяжелое душевное состояние, много работал, в том числе писал пейзажи на пленэре. Об одном из них он сообщал в письме брату: «Сейчас пишу этюд — старые, крытые соломой домики, на переднем плане хлеба и поле цветущего гороха, на заднем — холмы. Он, вероятно, тебе понравится. Я уже замечаю, что пребывание на юге помогло мне лучше увидеть север… Овер, несомненно, очень красивое место. Настолько красивое, что, на мой взгляд, мне лучше работать, а не предаваться безделью, несмотря на все неприятности, которыми может быть чревато для меня писание картин».

Бескрайние поля и особенно те, что засеяны пшеницей, также виднеющиеся здесь, — частый мотив в живописи художника, восходящий к евангельской притче о сеятеле и трех зернах, одно из которых «упало на добрую землю и дало плод, который взошел и вырос, и принесло иное тридцать, иное шестьдесят и иное сто» (Марк, 4:8). Сын пастора, в молодости серьезно готовившийся к стезе священника, Ван Гог хорошо знал Священное Писание и часто обращался к его мотивам и образам. Человеческую жизнь живописец воспринимал по-христиански, отзываясь о ней так: «Своего рода сеяние, но жатва будет не здесь».

Вдали, среди покрытых зелеными всходами весенних полей, видны веселые деревенские дома Вессенота. Высоко поднятый горизонт превращает небо в узкую полоску с летящими белыми облаками, но небесный цвет пронизывает живописные дали: он «проливается» на поля, сияющие голубыми рефлексами. Быстрая, немного нервная живопись, характерная для позднего творчества Ван Гога, создает динамичное изображение, передавая движение соков вновь пробудившейся к жизни земли. Воздух над зелеными равнинами словно напоен влагой и свежим ветром.

Отто Дикс. «Пражская улица», 1920 г. Художественный музей Штутгарт, Германия.

Как и у большинства немецких художников его поколения, формирующим опытом Дикса была Первая мировая война. Он вышел из почти четырех лет в окопах физически невредимым, но психически травмированным. Его картины наполнены жгучим чувством физического ужаса войны с раненой и гниющей плотью.

На картине «Пражская улица» изображены два инвалида войны, попрошайничеством зарабатывающие себе на жизнь. Прагер Штрассе - это такой квартал красных фонарей в Дрездене, где Дикс поселился после войны.

Персонаж в котелке и пиджаке с приколотой медалью кажется представителем среднего класса. Став калекой без ног, он передвигается с помощью трости и тележки, на которой написано: "Juden Raus" (Евреи - вон!). Второй инвалид без руки. Он небрит и плохо одет. Этот нищий и просит милостыню. Проститутки (на заднем плане) стоят на улице, ждут клиентов. В общем, такой была побежденная и нищая послевоенная Германия (картина написана в 1920 г.).

Эндрю Уайет (1917 - 2009). "Адиантум". 1974. Частная коллекция.

«Самая важная вещь в искусстве, это эмоции, но они должны быть вашими собственными, так же как ваши затруднения, ваши мучения, когда вы создаете картину. Это большая опасность - знать, как подать лицо, изобразить ель. Натура никогда не может быть формулой. Я должен почувствовать модель, чтобы ее написать» - Эндрю Уайет

Андрей Пашкевич (1945-2011). «Реставратор». 1990.

Игорь Грабарь. «Московский дворик». 1930 г. Холст, масло. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург.

Эдуард Вюйар. «Женщина в шляпе». 1912 г. Масло, доска. Частная коллекция.

Татлин В.Е. «Угловой контррельеф». 1915 г. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург.

Андрей Ремнёв. «Разделение косы».

Жорж Сера. «Рыбак». 1884 г. Масло, дерево. Художественная галерея Йельского университета. Коннектикут. США.