Живопись

Сергей Передиреев.

 

Акварель художника Ильи Горгоца.

 

Василий Максимов «Мальчик механик», 1871.

На этой картине Максимов изобразил талантливого мальчика, который с детства проявляет способности к различным изобретениям. Он в очередной раз самостоятельно смастерил поделку с непростым механизмом, чем очень удивил своих родителей.

Мама совсем забыла про свою пряжу и не сводит глаз с работящего сына. Отец пришёл с улицы и сразу же замер в дверях, наблюдая за творчеством мальчика.

Возможно, в этой семье растёт будущий Левша, который, если и не сможет прославиться, то, по крайнем мере, всегда заработает себе на кусок хлеба.

Сюжет картины навеян Максимову собственными воспоминаниями из детства. Маленький Василий был талантлив во всём: он хорошо пел , писал стихи, читал, увлекался резьбой по дереву, мастерил табуретки, чашки и другую утварь.

В шесть лет Максимов потерял отца, а в 10 — мать, но на своей картине «Мальчик механик» художник изобразил семью полной и счастливой. Из окна в избу льётся мягкий солнечный свет, создавая ощущения гармонии, спокойствия, умиротворения и семейного благополучия.

 

Наркиз Бунин «Незваные критики», 1884.

На этой картине мы видим художника, который сидит в поле под зонтиком с холстом и красками. За его спиной столпились крестьяне, удивлённо переглядываясь и улыбаясь.

Художник вышел на природу, чтобы писать пейзаж с натуры. Он выбрал живописное место с видом на поле. Как раз в это время была летняя страда и на поле работали крестьяне.

Мастер как следует приготовил себе рабочее место — поставил стул, зонтик от солнца, достал коробку с красками и сел рисовать. Однако тут его заметили крестьяне. Сельские жители так заинтересовались необычным для них зрелищем, что бросили работу и прибежали посмотреть, что же делает этот необычный барин в шляпе.

Увидев работу живописца вблизи, крестьяне обомлели. Возможно они никогда не видели живого художника, а может их впечатлил красивый и реалистичный рисунок.

Селяне одеты в традиционные крестьянские костюмы — женщины в вышитые белые рубахи и панёвы, а мужчины — в штаны и косоворотки.

Художник тщательно выписал каждого из персонажей, придав им особый характер и индивидуальность.

Бородатый крестьянин в белой косоворотке смотрит на своего друга, словно говоря: «Ишь ты, смотри, как рисует!».

Жена бородача с восторгом смотрит на полотно, не в силах отвести глаз. Бабы за её спиной тоже разинули рты — работа художника явно произвела на крестьян впечатление.

Но живописец на них даже не смотрит, он сосредоточенно занимается своим делом. Возможно, он даже не замечает людей, стоящих сзади — настолько он погружён в свою работу.

На поле мы видим оставшихся косарей. Один из них, похоже, не выдержал и идёт звать отлынивающих от работы односельчан. Однако скорее всего, он также «зависнет» вместе с ними и будет заворожённо следить за кистью художника, позабыв о работе.

На картине «Незваные критики» Наркиз Бунин запечатлел самого себя за работой. Возможно, с ним действительно произошёл такой забавный случай, когда крестьяне подошли понаблюдать на его работой и он решил воплотить этот необычный сюжет на холсте.

Сама картина очень позитивная, она вызывает улыбку и положительные эмоции.

Сегодня картина «Незваные критики» хранится во Владимиро-Суздальском музее-заповеднике.

 

Джордж Гудвин Килберн «Бедные родственники», 1875.

На этой картине мы видим семью: мужа, жену и их дочь. К ним пришли посетители, которые, по всей видимости, нуждаются в деньгах. Сюжет вроде бы не выражает прямого конфликта, но кажется, что в воздухе витает недопонимание, особенно между мужчинами.

Картина создана английским художником Джорджем Килберном, который специализировался на жанровой живописи. Мастер назвал свою работу Poor Relations, что можно с одной стороны перевести как «Бедные родственники», а с другой — «Плохие отношения». Возможно, художник вложил в сюжет и тот, и другой смысл.

В центре полотна мы видим относительно молодого мужчину, который является хозяином дома. За роялем сидит его нарядная супруга, а девочка с рыжей косичкой — дочка.

Молодой герой картины передаёт пожилому деньги, из чего можно сделать вывод, что именно пожилой мужчина является тем самым бедным родственником. Может даже он разорившийся отец главного героя.

Возле старика сидит молодая девушка, скорее всего, дочка. Она в траурном одеянии, а значит, потеряла близкого родственника, возможно, мать. Теперь им с отцом не на что жить, поэтому они пришли за помощью к близким.

Очевидно, отношения отца и сына были сложными, может имел место какой-то конфликт, и сын со скандалом ушёл из семьи, забрав свою долю имущества. Отец по каким-то причинам разорился, мать умерла, и вот старик решил идти на поклон. Скорее всего, он рассчитывает на примирение. Но смогут ли забыться старые обиды?

Судя по лицу молодого мужчины, он не слишком-то рад приходу родственников. Хозяин дома суёт отцу деньги, стараясь как можно быстрее выпроводить нежелательных гостей. А вот его супруга, напротив, настроена очень даже доброжелательно.

Хозяйка с милосердием смотрит на старика и его дочь, выражая полную готовность оказать любую посильную помощь. Состояние женщины хорошо отражает её собачонка, которая с большим вниманием выслушивает гостя.

Дочка хозяев тоже добродушно настроена к гостям. Она преподносит своей тёте рюмочку с напитком в знак уважения и гостеприимства. Тётя, в свою очередь, с добротой и любовью смотрит на племянницу, выражая надежду, что семьям всё же удастся примириться.

Трудно сказать, чем закончится эта сцена. Деньги получены, и бедные родственники должны уйти.

Здесь художник даёт зрителю возможно самому додумать конец истории, однако доброжелательный настрой женской части сюжета даёт надежду на благоприятное разрешение конфликта.

Скорее всего, добрая хозяйка дома сможет убедить своего мужа простить отца и принять обедневших родственников в свою семью.

 

Карл Вениг «Кормилица пришла навестить своего больного ребенка», 1886.

Художник Карл Вениг любил писать исторические и жанровые полотна. Часто в одну его картину вложен незримый драматический сюжет, которые заставляет надолго задуматься о судьбе героев. Одной из таких работ является произведение под названием «Кормилица пришла навестить своего больного ребенка», созданное мастером в 1886 году.

В центре картины мы видим хорошо одетую женщину, которую окружают трое детей. Двое из них чисты, свежи и красивы, наполнены энергией и жизненной силой. Однако склонилась наша героиня над третьим ребёнком — над тем, который лежит в скромной берестяной колыбели и почти не подаёт признаков жизни.

Из названия полотна мы может понять, что главная героиня картины — молодая женщина в синем сарафане — и есть мама больного ребёнка, лежащего в колыбели. Судя по бедной обстановке дома, можно понять, что семья имеет очень низкий материальный достаток и глубоко нуждается в деньгах. Возможно, именно это заставило женщину пойти в барский дом кормилицей и вскармливать чужого ребёнка, бросив своего.

Но гораздо более вероятно то, что молодую мать и вовсе никто не спрашивал. Она может быть крепостной крестьянкой, которая не имеет права голоса и не праве нарушать барские приказы.

В то время подобная ситуация была частым явлением. Родные дети страдали без матери, пока та жила в господском доме и вскармливала чужого ребенка. Страшно представить себе чувства женщины, которая прижимала к груди чужого младенца, в то время как сердце её разрывалось от тоски по своему собственному.

Часто кормилицы были вынуждены отдавать своих детей в воспитательные дома, где те вскоре умирали. Неудивительно, что всю нерастраченную материнскую любовь и ласку кормилицы отдавали своим подопечным.

Именно такую трагическую историю мы видим на картине Карла Венига. Кормилица лишь изредка может навещать своего больного сына, который очень нуждается в маме. Конечно, о нём заботится бабушка, но она не может всецело заменить мать и тем более не может накормить младенца грудным молоком. Судьба этого малыша может сложиться весьма печально.

 

Огюст Тульмуш «Сомневающаяся невеста»,1866.

На этой картине мы видим женщин, одна из которых сидит в центре в белом платье. Дама очень похожа на невесту, вот только вид у неё совсем невесёлый. Скорее всего, героиня картины не очень-то рада предстоящему замужеству.

Картину создал французский живописец Огюст Тульмуш, который любил изображать на своих полотнах молодых кокетливых девушек и светских женщин. Не стала исключением и его работа под названием «Сомневающаяся невеста», написанная в 1866 году.

В этой работе художник немного отходит от своего обычного изображения красивых, но праздных женщин, которых Эмиль Золя назвал «восхитительными куклами Тульмуша». Мастер усложняет сюжет, выбирая более насущную тему того времени — брак по расчёту, против которого явно восстаёт невеста. Несмотря на смещение темы, Тульмуш придерживается своего стандарта изображения роскошных платьев и роскошных декораций.

На картине «Сомневающаяся невеста» изображены четыре женщины, две из которых уговаривают третью покориться своей судьбе и вступить в нежеланный брак. Четвёртая героиня картины слишком молода, чтобы понимать подобные нюансы. Она меряет венок невесты, кажущийся ей очень красивым и совсем не разделяет печали виновницы торжества.

Неравные браки в позапрошлом веке были актуальной проблемой во многих странах мира. Причём, социальный статус в этом деле не играл никакой роли. Если родители решали выдать дочь замуж за нужного человека, её мнение никто не спрашивал. Конечно, и в те времена были понимающие родители, уважающие мнение своих детей, но в целом последнее слово всегда было за отцом семейства.

На картине Тульмуша мы видим именно тот случай, когда родители «забыли» спросить мнение дочери и самостоятельно выбрали для неё наиболее подходящую партию. Вот только сама невеста совсем не рада такому положение вещей.

Тульмуш не уходит от своего стиля — все героини сюжета шикарно одеты. Причём детали платьев настолько тщательно прорисованы, что можно понять из какой они ткани.

Однако несмотря на обилие роскоши, главным штрихом картины является взгляд невесты, который моментально цепляет и удерживает зрителя. Этот бунтарский взгляд говорит о том, что девушка не собирается мириться с нежеланным бракосочетанием.

Согласно данным аукциона Sotheby's, картина «Сомневающаяся невеста» выставлялась в Парижском салоне в 1866 году под номером 185, а также на Всемирной выставке в Париже в 1867 году под номером 591. В настоящее время полотно находится в частной коллекции и не доступно широкому кругу зрителей.

 

Исаак Левитан «Осень. Усадьба», 1894.

На этой картине художник изобразил грустный осенний пейзаж, который навевает мысли о быстро ушедшем лете и о скоротечности бытия. На заднем плане виднеется двухэтажный деревянный особняк с мезонином, который выглядит несколько заброшено и придаёт сюжету нотки печали и запустения.

Домик выглядит совсем просто и обыденно, однако в нём разгорались нешуточные любовные страсти и шла настоящая борьба за сердце самого художника.

Левитан изобразил на картине имение Горка, расположенное на берегу Островенского озера. Усадьба принадлежала тайному советнику Турчанинову, с женой которого у Левитана завязались романтические отношения.

Художник некоторое время жил в Горке, где Анна Турчанинова построила для него мастерскую. Там мастер создал много прекрасных работ, а деревянный двухэтажный особняк он изобразил не только на картине «Осень. Усадьба», но и на своей знаменитой картине «Март».

Несмотря на активное творчество в Горках, жизнь художника совсем не была спокойной. Дело в том, что в усадьбе за его сердце разгорелась нешуточная битва между матерью и дочерью. Анна Турчанинова приезжала в имение не одна, а со своими дочерьми. Одна из дочерей — Варвара — без памяти влюбилась в молодого талантливого Левитана и стала настоящей соперницей своей матери.

Учитывая, что совсем ещё недавно за художника шла борьба между Турчаниновой и Кувшинниковой, он был совсем не рад новым столкновениям женщин. Из-за стресса он даже пытался застрелится, но, к счастью, всё обошлось.

Из воспоминаний свидетельницы тех событий писательницы Татьяны Щепкиной-Куперник: «Но и дальнейший роман Левитана не был счастлив: он осложнился тем, что старшая дочка героини влюбилась в него без памяти и между ней и матерью шла глухая борьба, отравившая все последние годы его жизни».

Об этих отношениях известно немного. Исследователям не очень понятно, то ли Варя не так поняла доброго отношения Левитана и засыпала его любовными письмами, то ли он действительно был очарован юной красавицей и не смог определиться с чувствами. Так или иначе, возникла ситуация, которую очень хорошо охарактеризовал Михаил Чехов:

«Он завёл там очень сложный роман, в результате которого ему нужно было застрелиться или инсценировать самоубийство».

На помощь, как и раньше, пришёл Антон Чехов, который в очередной раз приехал выводить друга из депрессии. При этом он, как и в случае с «Попрыгуньей», снова «выжал» пользу из ситуации: написал «Анну на шее» и «Дом с мезонином».

Нешуточные любовные страсти плохо сказывались на сердце Левитана — оно не выдержало и остановилось, когда художнику было всего 39 лет.

Неизвестно, были ли на похоронах Кувшинникова и Турчанинова, но Чеховы приехать не смогли. В последний путь художника провожали коллеги — срочно приехавший из-за границы Серов, Юон, Переплетчиков и многие другие.

 

Игорь Грабарь «Осень. Рябинка и березы», 1906.

На этой картине мы видим солнечный осенний пейзаж, написанный в стиле импрессионизма. Жёлтые, красные и зелёные листочки заполнили всё пространство картины, создавая ощущение нескончаемого воздушного простора.

У Грабаря было обостренное восприятие красоты родной природы в праздничном ключе. Приехав из-за границы он писал:

«Вернувшись а Россию, я был несказанно потрясен красотой русского, и в первую очередь подмосковного, пейзажа… Нигде нет таких чудесных сплошь берёзовых рощ, таких восхитительных вёсен, золотых осеней и сверкающих инеев».

Всю свою любовь к родине Грабарь воплотил в невероятно живописных картинах, одной из которых и стала «Осень. Рябинка и березы», написанная в 1906 году. Картина создана из множества тончайших красочных мазков, которые погружены в спокойное, приглушённое сияние полудня, сливаясь в единое, целостно завершённое зрелище.

Чувство «праздника будней», великолепная сила приобщения всех предметов бытия к жизни человека побеждает во всех произведениях Грабаря, относя их к вершине русского импрессионизма.

В настоящее время картина «Осень. Рябинка и березы» является частью коллекции Нижегородского художественного музея.

 

Франческо Бергамини (1815-1883). «Урок».

На этой картине мы видим группу мальчишек, один из которых сидит с ногами на кресле в шляпе-треуголке и что-то увлечённо рассказывает. Выходит у него смешно, так как среди детей наблюдается веселье.

Картина называется «Урок», следовательно мы видим учащихся, которых учитель ненадолго оставил одних. Один, видимо самый шаловливый мальчик, решил развлечь остальных. Он влез на учительское кресло, взял книгу, надел треуголку и начал что-то смешно рассказывать, изображая преподавателя.

Он так увлёкся, что даже не заметил, как учитель вернулся. Увиденное зрелище так поразило преподавателя, что он застыл на месте. Похоже, когда он войдёт, «пародисту» здорово достанется.

И не только ему. Один из школьников, воспользовавшись отсутствием учителя, решил покурить прямо в классе. Другой решил что-то исправить в записях учителя за его столом. Такая наглость кончено тоже не останется безнаказанной.

Класс, в котором сидят ученики, достаточно необычный и не похож на привычные школы. Тут нет парт, стульев на всех детей не хватает и даже стол один на всех. Похоже это старинная каменная церковь или замок, а преподавателем служит священник, судя по его шапочке и белому воротничку.

В углу мы видим распятия, а на стенах висят изображения святых. Но нарисованы они странно — небрежно и на обычных листах бумаги, как будто рисовали сами ученики.

Школьники странно одеты. Если присмотреться, то почти у каждого на одежде можно увидеть пятна и заплатки. Это может свидетельствовать о том, что мальчишки много хулиганят и одежда на них просто «горит».

У некоторых в качестве обуви можно увидеть некое подобие лаптей, только не из лыка, а, по всей видимости, из кожи. Видимо такая обувь в 19 веке была распространена у итальянский детей из небогатых семей.

Картина в целом позитивная, однако обстановка в классе оставляет для зрителя много вопросов.

 

Вильгельм Шютце (1840-1898). «Детская школа».

На этой картине мы видим пятерых детей, которые увлечены какой-то игрой. Присмотревшись, становится понятно, что дети играют в школу.

Девочка, которая стоит, выступает в роли учительницы. Она держит в руках тетрадь и указку и что-то увлечённо рассказывает своим слушателям. Художник удивительно точно сумел придать девочке «учительский» вид.

Девочка с мальчиком, сидящие справа, внимательно слушают «учительницу». Девочка смотрит на неё довольно игриво, а мальчик уставился восхищённым и заворожённым взглядом. Видно, что рассказ «учительницы» производит на него сильное впечатление. Художник настолько живо и тщательно изобразил лица детей, что легко читаются их чувства и эмоции.

Девочка постарше, которая сидит справа, будто не участвует в игре, она показывает картинки в книжке своей младшей сестрёнке. Малышка облокотилась на стул и с интересом заглядывает в книгу.

Немецкий художник Вильгельм Шютце был мастером жанровой живописи. Он особенно известен своими юмористическими жанровыми сюжетами с детьми в повседневных сельских сценах, а также в придворной жизни.

На его картинах чаще всего присутствует много персонажей, и художник тщательно выписывает каждого из них. Это мы как раз и можем наблюдать на картине «Детская школа».

На полотне тонко переданы характер и особенности каждого героя. Заслуживает внимания даже кошка, лежащая на лавке. Хищница лениво прикрыла глаза и наблюдает за игрушкой, висящей на доске у девочки.

Особую роль в картине играет освещение. Художник передал тонкую, живую игру света и тени, сохранив при этом чёткие контуры объектов на картине. Это придаёт полотну реалистичности и добавляет тепла.

Картина производит очень позитивное впечатление, радует добротой сюжета и мастерством исполнения.

 

Василий Карпушевский «Рассказ первоклассника», 1957.

На этой картине мы видим детей дошкольного возраста, которые окружили первоклассника, только что пришедшего с праздничной линейки.

Мальчик с радостью делится с друзьями своими впечатлениями, не без гордости рассказывая, как прошёл его первый звонок. Ещё вчера он был таким же детсадовцем, как и его приятели, а теперь он стал настоящим школьником, который имеет свой собственный ранец и новую форму.

Картина очень позитивна. Она наполнена осенним теплом, мягким светом, добротой и детской непосредственностью. Многим она помогает мысленно вернуться в свои первые школьные деньки и предаться приятным воспоминаниям.

 

Григорий Васецкий «Первое сентября», 1960.

Эта картина посвящена Дню знаний — празднику, который значим в каждом доме, где есть дети от 7 до 18 лет. Здесь мы видим школьников 60-х годов, которые спешат на линейку с цветами и ранцами.

В то время 1 сентября не был выходным днём для учеников. После торжественной линейки дети шли на свои обычные уроки, которые носили больше ознакомительный характер. Школьники знакомились с новыми предметами и учителями, им раздавали учебники, проводился классный час.

На картине автор изобразил учеников в традиционной школьной форме. Особенно нарядными выглядят девочки в белых фартуках и с бантами. Торжественность сюжету добавляет тёплый летний день, озарённый первыми осенними лучами солнца.

В целом работа несёт в себе радостное и позитивное настроение. Она словно возвращает зрителя в прошлое, в его школьные дни, которые остались далеко позади и приносят тёплые воспоминания о детстве.

Так вспоминает 1 сентября основатель и директор Мультимедиа-арт-музея, Ольга Свиблова, которая пошла в школу в 1960 году:

«Для меня всегда было важным понятие «учитель»: моя мама преподавала немецкий, обе мои бабушки были учителями, поэтому 1 сентября в первом классе было для меня знаковым событием. Из-за того, как тщательно готовились родители, в свой первый школьный день у меня сложилось четкое ощущение, что начинается другая, взрослая жизнь, что детство заканчивается, и теперь я за себя отвечаю. Я влюбилась в свою первую учительницу и весь первый класс помню как праздник. Во-первых, гордостью была школьная форма, фартучек, во-вторых, 1 сентября — это, конечно, всегда цветы — букет должен был быть огромным».

 

Вильям Бугро «Бичевание Христа», 1880.

На этой картине мы видим группу людей, который столпились в колонном зале возле одного человека. У двоих мужчин в руках плети, которыми они бьют несчастного. Остальные безучастно, но с любопытством, смотрят на происходящие.

Картину написал французский художник Вильям Бугро, который часто воплощал на своих полотнах мифологические, аллегорические и библейские сюжеты. Не стала исключением и эта работа, которая носит названия «Бичевание Христа».

На картине мастер изобразил канонический эпизод из Библии, который происходил в ходе Страстей Христовых — череды страданий, который выносил Иисус перед распятием.

Пилат приказал бичевать Христа, чтобы удовлетворить и успокоить разъярённую толпу и предотвратить казнь: «Тогда Пилат взял Иисуса и велел бить Его» (Ин. 19:1). Именно этот момент и изобразил на своей картине Бугро.

В Библии не говорится о том, был ли Иисус привязан к столбу или нет, но общепринято считать, что его били именно привязанным.

После бичевания на Христа надели терновый венок и багряницу, называя царём: «...надели на Него багряницу; и, сплетши венец из терна, возложили Ему на голову и дали Ему в правую руку трость; и, становясь пред Ним на колени, насмехались над Ним, говоря: радуйся, Царь Иудейский!» (Мф. 27:28-29). После бичевания и поругания Христа ждало восхождение на Голгофу и распятие.

Тему «Бичевание Христа» затрагивали многие художники и другие деятели искусства. Не обошла она стороной и Бугро. Но поскольку Бугро писал в стиле романтического реализма и следовал академическим принципам, его вариант библейской истории не смог передать истинный масштаб тех страданий, которые перенёс Иисус. На теле героя картины нет никаких ран, а бичи выглядят совершенно не опасными.

Есть версия, что художник изобразил на картине и самого себя — это едва заметный мужчина с рыжей бородой, смотрящий прямо на зрителя.

Картина имеет внушительный размер — 310 х 213 см. В настоящее время она является частью собрания Собора святого Людовика в Ла-Рошели, Франция.

 

Фредерик Уокер «Сбившаяся с пути», 1863.

На этой картине изображена одинокая женщина, которая идёт вперёд, буквально продираясь через метель. Она явно одета не по погоде: её тонкая накидка и лёгкая шляпка плохо помогают спастись от снежной бури. Но что же заставило героиню картины выйти на улицу во время холода и вьюги?

Если внимательно присмотреться, то можно увидеть, что женщина идёт не одна — у неё на руках грудной ребёнок. Мать пытается спрятать малыша в свои одежды, чтобы хоть как-то уберечь его от лютого мороза.

Дело происходит в Викторианской Англии, а значит, название картины «Сбившаяся с пути» имеет не прямой, а переносный смысл. То есть женщина не просто не может найти дорогу через метель, потеряла свой «моральный компас» (конечно, с точки зрения викторианской эпохи).

Фредерик Уокер изобразил свою героиню «падшей женщиной», которая родила ребёнка вне брака. Мораль того времени подразумевала довольно жестокое обращение матерями-одиночка: их выгоняли из дома и работы, родители отказывались от них, а общество отворачивалось.

Теперь героиня картины вынуждена скитаться в голоде и холоде, обречённая на нищету и гибель.

Картина Уокера украсила путеводитель по Музею истории Воспитательного дома в Лондоне. Этот Воспитательный дом известен тем, что туда приносили своих детей женщины, которые по разным причинам рожали без мужа. Они отторгались обществом, не имели средств к существования и неминуемо шли к гибели.

Заметив большой количество брошенных и умерших детей на улицах Лондона, капитан дальнего плавания Томас Корман решил организовать для них приют. Не имея ни гроша в кармане, альтруист ежедневно наматывал по городу десятки километров, собирая подписи для разрешения постройки приюта.

Воспитательный дом пользовался такой популярностью, что просто не мог принять всех нуждающихся в заботе детей. Нередко матери просили оставить у ребёнка какую-нибудь метку, чтобы иметь возможность забрать его при улучшении своей жизненной ситуации.

К сожалению, таких чудесных историй воссоединения было немного. Есть одна удивительная история о малыше по имени Чарльз, мама которого вернулась за ним, спустя восемь лет.

Его мать Сара Бендер сшила футляр для иголок из семи кусочков ткани в стиле пэчворк. На нём она красными нитками вышила сердечко, а над ним – первые буквы своего имени и имени сына. 11 февраля 1767 года, отдавая Чарльза в приют, она разрезала сердце пополам. В Воспитательном доме ребенок получил новое имя – Бенджамин Туирл.
Спустя восемь лет 10 июня 1775 года, держа в руках заветную половинку вышитого сердца, Сара вернулась за сыном. Бенджамину/Чарльзу повезло: он был одним из всего 152 из 16.282 принятых на воспитание в приют между 1741 и 1760 годом детей, которые снова обрели своих матерей.

Большинству детей приюта так и не суждено было дождаться маму. Часть детей умирала от болезней и недостатка питания, а часть вырастала и отправлялась на работу подмастерьями в возрасте от 10 лет.

Приют работал до 1954 года, после чего сирот стали отдавать в приёмные семьи. За 215 лет существования Воспитательного дома через него прошло 27 тысяч детей.

 

Владимир Егорович Маковский «Приезд учительницы в деревню», 1897.

На этой картине мы видим двух женщин, одна из которых сидит за столом, а другая стоит за её спиной.

Картину создал живописец Владимир Маковский, который любил воплощать бытовые сюжеты из жизни простых людей. Полотно называется «Приезд учительницы в деревню», что прямо говорит нам о статусе главной героини. Именно учительница сидит, пригорюнившись, за столом возле сельского домика.

Местные жители поспешили накормить гостью с дороги «чем Бог послал»: на столе мы видим огурцы, яйца, варёную картошку, чай, а также квас или молоко в крынке. Хозяйка дома стоит возле учительницы с самоваром — она готова в любой момент подлить ей чаю.

Но почему героиня Маковского не рада такому тёплому приёму? Она сидит, глядя в одну точку, и даже ничего не ест. Видно, что женщина тяжело пережила этот переезд и совсем не хочет здесь находится. Хотя понять её не трудно.

По одежде учительницы мы видим, что она городская, поэтому деревенская жизнь совсем не привлекает её. Кроме того, здесь нет ни друзей, ни родных, а для связи в те времена были только письма, которые шли довольно долго. Поэтому адаптироваться нашей героине будет очень тяжело.

Со временем она может привыкнуть к своей новой жизни, но перспектив для развития всё равно не видно. Ни карьерный рост, ни замужество молодой учительнице здесь не светят. За простого крестьянина выйти она не могла. Разве что могло повезти с таким же, как и она учителем, ну или с фельдшером.

Для жилья ей вряд ли выделят отдельную избу. Скорее всего, женщине предоставят комнату в одном из деревенских домой, где уже проживает какая-либо семья.

Работа в сельской школе фактически становилась для женщины жизненным тупиком, выбраться из которого было довольно сложно. Зарплата была небольшой, поэтому сделать какие-то крупные сбережения, чтобы уехать, возможности не было. Связь с городской культурой с годами терялась, и учительницы постепенно дичали.

Глядя на эту учительницу, вспоминается рассказ А. П. Чехова «На подводе»:

«В учительницы она пошла из нужды, не чувствуя никакого призвания; и никогда она не думала о призвании, о пользе просвещения, и всегда ей казалось, что самое главное в её деле не ученики и не просвещение, а экзамены. И когда тут думать о призвании, о пользе просвещения? Учителя, небогатые врачи, фельдшера при громадном труде не имеют даже утешения думать, что они служат идее, народу, так как все время голова бывает набита мыслями о куске хлеба, о дровах, плохих дорогах, болезнях. Жизнь трудная, неинтересная, и выносили её подолгу только молчаливые ломовые кони, вроде этой Марьи Васильевны; те же живые, нервные, впечатлительные, которые говорили о своем призвании, об идейном служении, скоро утомлялись и бросали дело».

 

Илья Ефимович Репин «Монахиня», 1878.

Как известно, Репин был увлекающимся человеком. Когда он учился в Академии художеств и жил на Васильевском острове, его соседом был архитектор Алексей Шевцов, у которого было две дочери. Илья Ефимович стал частым гостем в этой семье.

Сначала он ухаживал за старшей сестрой — Софьей, но в конце концов женился на младшей Вере.

Репин с удовольствием рисовал обеих сестёр, но со старшей вышла интересная история. Однажды художник писал портрет Софьи в бальном платье, но в процессе работы произошла размолвка — автор и натурщица поссорились. Обидчивый и вспыльчивый Репин решил отомстить и... нарядил свояченицу в монашеское одеяние.

История эта стала известна нет так давно. Искусствоведы обратили внимание, что лицо монахини на картине не соответствует её образу — в нём совершенно не было монашеского смирения.

Ясность в эту историю внесли мемуары племянницы Репина, которая и рассказал о ссоре в своих записях. Это также подтвердила и рентгенограмма, которая выявила первый слой картины. Автор не счистил его, поэтому хорошо можно рассмотреть первоначальный вариант портрета. Там отчётливо видны и кокетливая причёска, и нарядное платье, и веер.

Так описывала историю Светлана Усачёва, куратор выставки «Тайны старых картин»:

«Во время работы они поругались. Поскольку Репин был человеком эмоциональным, легко воспламеняющимся, он её превратил в монахиню, хотя никогда она в монастыре не была, никогда в монашки не собиралась. Это был всплеск эмоций художника. Наверное, он хотел ей что-то таким образом показать».

При этом искусствоведы не знают как в дальнейшем сложились отношения Софьи Шевцовой и Репина. Неизвестно, отложил ли этот конфликт отпечаток на их дальнейшее взаимодействие или нет. Также неизвестно, знал ли Павел Третьяков, кто изображён на портрете, когда покупал его.

 

Владимир Егорович Маковский. «Две сестры», 1893.

Эта жанровая сцена знакомит нас с семьёй, которая собралась в просторной комнате с высокими потолками. В центре сюжета две сестры и их отец, вот только встреча родственников выглядит совсем не радостной, между ними явно произошла какая-то размолвка.

О том, что перед нами две сестры, становится понятно из названия картины. Правда выглядят девушки совершенно по-разному. Одна одета очень скромно: на ней простое чёрное платье в пол, волосы уложены в пучок или косу, почти нет украшений.

Вторая сестра одета в натуральную цветную шубу, меховую муфту и модный головной убор. Выглядит она тоже соответствующе: свысока смотрит на близких родственников и явно имеет к ним какие-то претензии.

Отец семейства отвернулся к окну, поскольку не желает участвовать в конфликте. Ему явно не приятна вся эта ситуация. Старик, возможно, ощущает какую-то свою вину в случившемся и переживает противоречивые чувства.

Но в чём же может состоять суть конфликта?

Осмотрев комнату дома, можно понять, что семья живёт небогато. Однако под потолком мы видим картины, которые отнюдь не являются семейными портретами. Возможно, когда-то здесь царила роскошь, но постепенно достаток становился скромнее и скромнее, а сейчас и вовсе семейство перебивается кое-как.

Шикарно одетая женщина, возможно, выгодно вышла замуж, ещё тогда, когда ей могли предоставить приданое. Теперь она понимает, что семья стремительно беднеет и распродаёт имущество, поэтому пришла требовать свою долю. Конечно, её сестра и отец совсем не рады этому, ведь делёж имущества может окончательно из разорить.

За ссорой наблюдает домработница, которая стала уже практически членом семьи. Возможно, она уже не получает жалование за свои труды, а остаётся здесь из-за любви и жалости, а может ей просто некуда больше идти.

Владимир Маковский на картине «Две сестры» показал распространённый жизненный сюжет, когда родственные отношения рушатся из-за материальных благ. В какой-то степени эта работа может быть сатирической, но в то же время она полна трагизма. Очень грустно смотреть на то, как деньги ломают семейные узы.

В роли отца позировал друг Владимира Маковского — 60-летний художник-акварелист Фёдор Ясновский. В настоящее время полотно входит в собрание Самарского областного художественного музея.

 

Джон Сингер Сарджент «Гвоздика, лилия, лилия, роза», 1886.

Вдохновение для этой картины пришло художнику во время проглуке по Темзе в Пангборне в сентябре 1885 года. Джон Сарджент путешествовал вместе со своим другом — американским живописцем Эдвином Остином Эбби, когда вдруг увидел китайские фонарики, висящие среди деревьев и лилий. Представшая перед глазами мастера картина так очаровала его, что он решил создать по её мотивам художественное произведение.

Свою работу живописец начал в доме художника Ф. Д. Миллета на Бродвее, Вустершир, вскоре после его переезда в Великобританию из Парижа. Сначала он использовал в качестве модели пятилетнюю дочь хозяина дома Кэтрин, но вскоре её заменили дочери иллюстратора Фредерика Барнарда. Они были старше Кэтрин, что делало их более терпеливыми моделями, кроме того, девочки имели именно тот цвет волос, который искал Сарджент. Слева — одиннадцатилетняя Долли, справа — семилетняя Полли.

Художник работал над картиной на открытом воздухе, используя естественный свет. Мастер стремился запечатлеть композицию, освещённую заходом солнца, поэтому мог писать только несколько минут в конце дня. Из-за этого работа над полотном затянулась, цветы постепенно увядали и их пришлось заменять искусственными. Девочки надевали свитера, а на них платья, которые запечатлены на картине.

Писатель Эдмунд Госс, бывший свидетелем создания картины, так описал этот процесс: «Сарджент отходил от мольберта, внимательно всматривался в освещённый светом китайских фонариков вечерний сад, а затем, подметив что-то важное для себя, немедленно бросался к холсту, чтобы нанести на него несколько мазков краски».

Поздней осенью из-за наступления холодов и изменений в природе Сарджент был вынужден остановить работу над картиной и вернуться к ней в следующем году. Полотно было закончено в сентябре 1886 года.

Название картины взято из песни «Венок» популярной в 1880-х годах. Сарджент и его окружение часто пели её вокруг рояля. В припеве песни задается вопрос: «Не проходила ли моя Флора этой дорогой?», в ответ на который говорится «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

 

Константин Юон «Августовский вечер. Лигачёво», 1922.

Эту лирическую картину Художник Константин Юон написал в подмосковной деревне Лигачёво, в живописных окрестностях которой созданы его лучшие пейзажи.

Конец лета был любимым периодом времени года Юона. Тема августовских вечеров неоднократно появляется в его творчестве, пленяя красотой закатного солнца, ароматом свежего воздуха и спокойствием завершающегося дня.

На картине «Августовский вечер. Лигачёво» художник изобразил двух молодых людей, сидящих во дворе за столом, под уютным светом зелёной лампы. Герои сидят за раскрытыми книгами и, вероятно, ведут неспешную беседу о прочитанном.

Если внимательно присмотреться, в тени стола можно заметить третьего персонажа — собаку породы далматин, подошедшую к своим хозяевам. По сути, перед нами идиллия, объединяющая в себе все живое: растения, животный мир и человека.

Несмотря на сгущающиеся сумерки, картина буквально пронизана светом, который просачивается и сквозь поредевшие кроны деревьев, склонившихся над садовой беседкой, и льётся от лампы на столе. По тому, как лежит на земле тень от стола, можно предположить, что мягкий свет струится и из окон дома, оставшегося за рамками полотна.

При взгляде на эту картину, вспоминаются слова самого Константина Юона: «Красота неизбежный спутник живого мира. Всюду жизнь – значит всюду красота. Искусство занято изображением живого мира, то есть его неувядаемой красоты».

 

Ренато Муччилло (род. 1965).

 

Константин Лупанов.

Краснодарский художник. Родился в 1977 году в Краснодаре. В 2004-м закончил Художественно-промышленную академию краснодарского государственного университета культуры и искусств по классу монументальной живописи. Принимал участие в нескольких коллективных выставках в Краснодаре, Санкт-Петербурге.

 

Ливио Можина (род. 1941).

 

Уильям Тернер. «Мол в Кале. Французские рыбаки выходят в море; прибывает английское пассажирское судно». 1803 г.

 

Фредерик Базиль. «Королевский порт в Эгес-Морте». 1867 г. Масло, холст. Метрополитен-музей. Нью-Йорк. США.

 

Кирилл (Карл) Лемох. «Крестьянский мальчик». 1897 г. Холст, масло. 32х17 см. Частное собрание.

 

Станислав Якушевский. «Весна». 1956.

 

Эмиль Леви. «Смерть Орфея», 1866 г. Холст, масло. Размер: 206х133 см. Музей Орсе, Париж.

Эмиль Леви (1826-1890) — французский художник и иллюстратор, мастер пастельной живописи. Специализировался на изображении античных классических и библейских сюжетов. Картины Эмиля Леви ценились современниками за привлекательную и мягкую манеру письма, точность пропорций фигур и предметов, изящество поз в духе неоклассического стиля.

В греческой мифологии Орфей был сыном Музы, вероятно, Каллиопы, покровительницы эпической поэзии. Он был известен как величайший музыкант и поэт, не имеющий себе равных. Он усовершенствовал лиру после того, как Аполлон научил его играть. Существует много историй о жизни Орфея, но эта картина посвящена его смерти. Согласно Эсхилу, Орфей поклонялся только богу Аполлону, что разозлило Диониса, который приказал менадам разорвать Орфея на части в дионисийском безумии. Леви показывает нам момент смерти Орфея перед ужасающим расчленением.

 

Баренд Корнелис Куккук (1803-1862). "Зимний пейзаж". Холст, масло. 62 х 75 см. Государственный музей Амстердама. Нидерланды.

 

Эдвард Мунк. «Следующий день». 1895 г. Холст, масло. Национальная Галерея. Осло. Норвегия.

 

Кудряшова Анна. «Иван-чай». Акварель.

 

Архип Куинджи. «Лунная ночь на море».

 

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер, «Паломничество Чальда Гарольда». 1832 г.

 

4 сентября 1875 года родился известный художник и скульптор из династии Лансере, в которую входят Серебрякова и Бенуа - Лансере Евгений Евгеньевич.
"Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе", 1905. Бумага на картоне, гуашь. 43 x 62 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.