Живопись

Бурлюк Давид Давидович. «Дорожка в саду», 1910-е. Холст, масло. Размер: 75 × 57,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

«Отец русского футуризма», хлесткий в своих высказываниях и резкий в манифестах, Давид Бурлюк в жизни был человеком спокойным, неприхотливым и с обостренным отцовским инстинктом по отношению к «сбрасывающим классиков с парохода современности». В 1908 году Бурлюк публикует свою первую декларацию «Голос Импрессиониста в защиту живописи». Имение графа Мордвинова Чернянка, где в это время работал его отец, Давид Давидович, стало штаб-квартирой молодых новаторов. Именно здесь впервые возникла идея самостоятельной литературно-художественной группы, ориентированной на создание нового национального искусства. А к 1910-му году складывается круг единомышленников с оригинальной философско-эстетической программой.

Написанный в это время небольшой холст «Дорожка в саду» – еще одна удачная остановка художника «в стане» импрессионистов на пути к созданию собственного живописного языка. Картина буквально дышит воздухом благодаря мастерскому использованию техники раздельного мазка. Яркая контрастность цветных пятен на фоне чуть тонированного холста, разнообразие их формы и размера, их направление и динамика – создают эту иллюзию глубокого воздушного пространства, наполненного движением и радостью жизни, восхищением богатством природы. Подобно импрессионистам Бурлюк «вычищает» свою палитру, устраняя с нее землистые и глухие краски предыдущих живописных опытов. На этот раз в работе царят холодные тона в небольших диапазонах цветовой градации, мягко оттененные красными пятнами цветущих маков.

 

Эдвард Мунк. «Дикий красный виноград», 1900 г. Холст, масло. Размер: 119.5×121 см. Музей Мунка, Осло.

В начале 1890-х годов Эдвард Мунк приступает к работе над циклом картин под названием «Фриз жизни: поэма о любви, жизни и смерти» с целью отобразить все основные аспекты человеческого бытия. «Дикий красный виноград» ( используется также название «Красный плющ») - одна из шести картин, входивший в третий раздел цикла "(Страх жизни").

Внимание зрителя привлекает, прежде всего, серо-зеленое лицо человека на первом плане, а затем взгляд сам собой устремляется к дому, расположенному в глубине композиционного пространства. «Выражение испуга на вытянутом лице мужчины, — писал Станислав Пшибышевский (первый биограф Мунка), — его блуждающий взгляд и странный цвет кожи — все это создает волнующую, полную напряжения атмосферу, готовящую нас к главному потрясению — огромному дому, увитому диким виноградом. Этот дом кажется одушевленным персонажем: он страдает и мучается в кроваво-красных путах и тяжело, словно из последних сил, дышит всеми своими окнами. Красная краска, как будто свободно стекающая с поверхности картины, вновь возвращает нас к образу обезумевшего от страха человека на переднем плане».

Во время работы над этим полотном Мунк часто пишет об «ужасной боли, которая мучает его».

 

Михаил Шибанов. «Празднество свадебного договора», 1777 г. Холст, масло. Размер: 199x244 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Ранний период деятельности Шибанова связан с семьей адмирала Г. А. Спиридова, героя Чесменского боя. В 1770-х Шибановым в Петербурге были написаны портреты жены, сыновей, племянников Спиридова. Доподлинно известно, что художник писал образа и иконостасы для церквей южных городов России. Видимо, его приметил и забрал с собой в новые российские земли всесильный граф Потемкин, ибо были обнаружены документы, в которых Михаил Шибанов прозывается "живописцем его светлости".

Художник-портретист и иконописец, Шибанов считается создателем крестьянского бытового жанра в русской живописи. Картины на эту тему не только имеют явные художественные достоинства, но и уникальны для своего времени по тематике изображаемого — в XVIII веке в отечественном изобразительном искусстве крестьян просто не писали.

 

Давид Тенирс Младший. «Портрет епископа Антония Триста и его брата, монаха-капуцина Евгения», 1652 г. Холст, масло. Размер: 44×36 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург .

 

Симон Вуэ (1590 - 1649) «Время, побежденное Любовью, Надеждой и Красотой». 1627.

Аллегория побеждённого времени с лирическим, музыкальным движением, спиральной композицией и колористическим блеском. Чисто умозрительная идея победы чувств над временем в этой картине показана сценой реальной борьбы. Все действующие лица представлены в образе мифических существ, согласно классической традиции. Так Время предстает в облике Сатурна - бородатого старица с песочными часами и косой. Надежда и Венера, богиня красоты, повергают его на землю с помощью Купидона, юного бога любви. Купидона сопровождают два крылатых путти, берущие старика в плен. Миловидные девы, энергичные и веселые, одерживают верх над неумолимым ходом лет, и одновременно в их жестокой насмешке над Временем отражается юношеское легкомыслие.

 

Рыженко Павел Викторович (род. 1970). «Молитва».

 

Морган Вейстлинг (род. 1964). "Дождь".

 

Башкирцева Мария Константиновна. «Дождевой зонт», 1883 г. Холст, масло. Размер: 93×74 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух.

Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр.

Картина «Дождевой зонт» - одна из лучших в собрании Русского музея. Мария смотрит на себя, изображает себя, разговаривает с собой в этой картине. Ее глаза, ее взгляд, ее переживания… Колорит картины – монохромный. Лишь переливы перламутровых тонов. Ни одного яркого пятна. Ни импрессионистической динамики. Ни отрывистых мазков. Подлинное чувство, разговор с собой и зрителем – что может быть правдивее и искреннее в живописи?

Название картины – и в прямом и в переносном смыслах полностью соответствует содержанию. Осенний дождь. Зябко и холодно. Мерзнут руки. Закутав хрупкие плечики, чтобы немного согреться, маленькая девочка из небогатой семьи держит зонтик. Вот и все. Неприхотливый, казалось бы и банальный сюжет. Но первое впечатление обыденности – кажущееся. Пластика картины, ее тихий художественный голос, полностью подчинены идее «все гениальное – просто».

Мария, отбросив все детали и аксессуары, смотрит на свою героиню пристально, не через призму воздушного пространства и перспективы, а приближает ее к зрителю, к себе. Как бы приглашает зрителя к диалогу, не боясь показать крупным планом свою героиню. Не по-детски озабоченное личико, полные тревоги глаза. Что только не заключено в этих глазках! Будущее - где оно, какое? Что впереди? Страдания? Борьба за выживание? Мимолетное счастье?

Мария смотрит на себя, изображает себя, разговаривает с собой в этой картине. Ее глаза, ее взгляд, ее переживания… Колорит картины – монохромный. Лишь переливы перламутровых тонов. Ни одного яркого пятна. Ни импрессионистической динамики. Ни отрывистых мазков. Подлинное чувство, разговор с собой и зрителем – что может быть правдивее и искреннее в живописи?

Картина мощная по психологической эмоциональности: взгляд не девочки , а много пережившей женщины..! Лоб прорезан глубокой морщиной, губы в крови, одета бедно, даже зонт поломан! Уже в глазах появилось жесткость от этой жизни подростка- девочки! И чёрного цвета много - это печаль, но не безысходность, характер сильный- борца!

 

Макс Нонненбрух (1857-1922) «Женщина в кимоно»

 

Альберт Бирштадт (1830-1902). "Баварский пейзаж".

 

Камиль Писсарро (1830-1903). "Женщина, моющая ноги в ручье", 1894-1895 гг.

 

Эудженио Чеккони (1842-1903). «Терраса у моря».

 

Билибин Иван Яковлевич (1876-1942). «Пейзаж во Франции». 1935 г.

 

Клод Моне. "Тропинка в лесу". 1877 г.

 

Кларенс Ганьон (1881-1942). "Уличная сцена, Квебек ночью".

 

Ян Брейгель Младший (1601-1678). "Зимний пейзаж", 1625 г.

 

Пейзаж кисти художника Сергея Басова (род. 1964)

 

Дмитрий Белюкин (род. 1962). "Панорама Афона с вершины Святой Горы". 1999 г.

 

Боголюбов Алексей Петрович (1824−1896). "Аркашон", 27х41 см. Дерево, масло. Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачёва, Иркутск.

 

Акварель художника Вячеслава Курсеева.

 

Владимир Давыденко. "Дон", 2022 г. Холст, масло. 90х130 см.

 

Айвазовский Иван Константинович. «Пожар Москвы в 1812 года», 1851.

Страшный московский пожар 1812 года впечатлил многих художников, которые изображали его на своих полотнах. Не стал исключением и маринист Иван Айвазовский. Он не был москвичом, но часто гостил в этом городе и, вдохновившись его красотой, решился на историческое произведение.

На картине мы видим поднимающееся до небес пламя, которое, кажется, охватило всё вокруг. Стена огня заливается красным заревом, показывая, насколько беспощадно может быть буйство стихии.

На переднем плане художник изобразил группу солдат, среди которых можно узнать фигуру Наполеона. Когда начался пожар, французский полководец находился в Кремле. Через окна, выходящие на Москву-реку, он увидел пылающее Замоскворечье. Вскоре Наполеону доложили, что пламя захватило все ближайшие улицы. Кремль был плотно охвачен огненным кольцом.

Над горящим городом бушевала буря, порывы ураганного ветра разносили горящие головни. Как летящие факелы, они падали на крыши московских домов и кремлёвские строения.

Горело всё. Кремль, в котором был оставленный русскими порох и французский артиллерийский склад, расположившийся прямо под окнами Наполеона, каждую минуту мог взлететь на воздух.

Вначале Наполеон не хотел покидать Кремль, решившись на побег только к вечеру. Он спустился по лестнице и приказал, чтобы его проводили за город к Петровскому императорскому дворцу. Огонь блокировал все ворота крепости, и удалось выбраться только через подземный ход к Москве-реке.

Наполеон уходил пешком. Направляясь к Арбату, он заблудился там и, еле уйдя от пожара, выбрался к селу Хорошёву. Переправившись через Москву-реку по плавучему мосту, мимо Ваганьковского кладбища, он дошёл к вечеру до Петровского дворца. Оттуда полководец продолжил наблюдать за происходящим.

Пожар длился около четырёх дней и сжёг три четверти деревянной Москвы. 18 сентября 1812 года пламя утихло, оставив после себя груды пепла, трупов и разрушений.

 

Айвазовский Иван Константинович. «Раздача продовольствия», 1892.

На этой картине можно увидеть узнаваемый российский пейзаж с тройкой и бревенчатыми домами. Вот только не совсем понятно, почему в самом центре полотна развевается американский флаг и уж совсем трудно предположить, что работа принадлежит кисти популярного мариниста Ивана Айвазовского. Ещё труднее поверить в то, что картина такого великого художника была запрещена в России и тщательно пряталась от людских глаз.

На самом деле в истории есть вещи, которые не очень любят рассказывать и уж точно не преподают их в школе. Например, в российской истории не любят упоминать о голоде 1891 — 1892 года, который охватил Поволжье и Черноземье. Его причиной раньше назывались неблагоприятные погодные условия, но при этом умалчивалось, что Россия ежегодно экспортировала пшеницу в больших количествах.

Люди вымирали буквально целыми семьями и деревнями. При этом император Александр ІІІ всячески отрицал наличие голода, говоря:
"У меня нет голодающих, есть только пострадавшие от неурожая".

Хотя голод и скрывался, но новость о нём докатилась до Европы и даже до Америки, которая решила помочь голодающим русским.

Гуманитарная помощь была организована активистом Уильямом Эдгаром, который напомнил согражданам, что в Гражданскую войну Российский флот оказал хорошую помощь Америке.

В результате американцы решили собственными силами помочь голодающим крестьянам из Российской империи. Они создали филантропическое движение под лозунгом: «Это вопрос не политики, это вопрос гуманности».

Уже в начале весны 1892 года корабли с продовольствием стояли в порту Прибалтики. На одном из судов находился и сам организатор мероприятия Уильям Эдгар, который был возмущён помпезностью Петербурга и нищетой глубинки.

По приблизительным данным в Российскую империю прибыло 10 тысяч тонн ценного груза, который развозился голодающим с грандиозно развевающимся американским флагом. Именно этот момент и изобразил Айвазовский на своём полотне.

Художник было очевидцем раздачи гуманитарной помощи и жаждал запечатлеть это историческое событие. И не зря, потому что картина поистине впечатляет, но и одновременно может вызвать негодование власти. Кому понравится русский крестьянин на русской тройке, гордо размахивающий американским флагом?

Примечательно, что Айвазовский создал ещё одну картину по мотивам раздачи американской гуманитарной помощи. Живописец запечатлел корабли США, входящие в порт Прибалтики.

При этом обе картины были категорически запрещены в Российской империи. Действующего императора очень раздражало напоминание о том, что он допустил голод собственного народа. При этом будущий император Николай II положительно отзывался от американской помощи и благодарил граждан США за оказанную поддержку. «Мы все глубоко тронуты тем, что к нам из Америки приходят корабли, полные продовольствия», — резюмировал он.

 

Тарас Шевченко «Катерина», 1842.

Главная героиня этой картины — молодая и красивая девушка, которая чем-то очень озабочена. Её лицо настолько грустно, что кажется вот-вот потекут слёзы. Кто же эта красавица и почему она печальна?

Произведение создал знаменитый украинский поэт Тарас Шевченко, который прекрасно творил не только в литературном, но и в художественном жанре. Эту картину он написал по мотивам своей одноимённом поэмы, главная героиня которой — простая украинская девушка Катерина.

Согласно сюжету, Катерина полюбила российского солдата — "москаля", который был проездом в украинской деревне. Красавица потеряла с ним девичью честь, а он уехал, оставив её с позором.

Весть недобрая примчалась —
в поход затрубили.
Уходил москаль, а Катре
голову покрыли.
Не заметила позора,
пропустила мимо:
словно песня, сладки были
слезы о любимом.
Обещался чернобровый:
буду цел — вернуся.
Ожидай его, дивчина,
ожидай, Катруся!

Через время выяснилось, что Катерина беременна. Она родила сына от москаля, что стало предметом позора среди местных жителей. Все смеялись над ней, спрашивали, где же её жених.

Пересуды да насмешки
злобою повиты...
Где ж ты, милый, чернобровый?
В ком искать защиты?
Ой, далеко чернобровый,
и ему не видно,
как враги над ней смеются
и как ей обидно.

Родители Катерины не выдержали позора и нападок со стороны местных жителей. Они выгнали дочь с маленьким внуком из дома, отправив её искать своего москаля. Девушка скиталась с грудным ребёнком на руках, пока, наконец, не встретила русских солдат. Она признала своего милого, но тот не захотел признавать её и прогнал.

Конец поэмы довольно трагичен: Катерина кладёт сына на обочину дороги, а сама топится в реке. Мальчика подбирает проходивший мимо слепой кобзарь. Они вместе ходят из города в город и просят милостыню.

Однажды перед странниками останавливается карета и барин из неё узнаёт в бродячем мальчике своего сына.

Глянул пан — и отвернулся
сразу от Ивана.
Он узнал и эти брови,
он узнал и очи...
Повстречал родного сына,
только взять не хочет.
«Как зовут?» — спросила пани.
«Ивась».— «Какой милый!»
Кони тронулись, и пылью
бедняков покрыло...

На своей картине Шевченко изобразил момент, когда москаль уезжает из деревни, а Катерина возвращается домой. Судя по округлившемуся живота, она уже носит под сердцем своего сына. Девушка грустит по своему любимому, который уехал и бросил её совсем одну.

Тарас Шевченко так писал о своей картине:

"Я нарисовал Катерину в тот момент, когда она попрощалась со своим москаликом и возвращается в деревню, на околице у шалаша дед сидит, ложечки себе строгает и печально смотрит на Катерину, а она, бедная, только что не плачет и приподнимает красный передник, потому что уже, знаете, немножко того… а москаль рвёт себе за своими, только пыль ложится — собачонка ещё его догоняет и вроде как лает. С одной стороны кугран, на кургане мельница, а дальше уже только степь простирается. Вот такая моя картина. "

В настоящее время полотно является частью коллекции Национального музея Тараса Шевченко в Киеве.

 

Карл Брюллов «Бахчисарайский фонтан», 1849.

На этой картине мы видим группу девушек, которые праздно лежат у фонтана. Они играют с рыбками, плескаются, улыбаются и веселятся. Здесь же мы видим стражника, который с увлечением смотрит на девушек, но в то же время очень строг в лице. Одна из барышень сидит поодаль и грустит. Что же это за место и кто эти девушки?

Картина называется «Бахчисарайский фонтан». Карл Брюллов написал её по мотивам одноимённого произведения А. С. Пушкина. Художник начал свою работу через год после смерти великого поэта и закончил только через 11 лет.

Желая приблизиться к сюжету поэмы, Брюллов старался воссоздать в своей работе образ настоящих восточных женщин. Он "одел" своих красавиц в яркие наряды, добавил вокруг блеска драгоценностей, создал атмосферу, озарённую лучами солнца. Всё это создаёт впечатление, что героини картины счастливы и довольны жизнью. Но так ли это на самом деле?

Согласно сюжету поэмы Пушкина, все эти девушки являются наложницами хана Гирея. Находятся они здесь, конечно, не по своей во воле, являясь по сути рабынями. Может ли быть совершенно счастлив человек, будучи невольником?

Беспечно ожидая хана,
Вокруг игривого фонтана
На шелковых коврах оне
Толпою резвою сидели
И с детской радостью глядели,
Как рыба в ясной глубине
На мраморном ходила дне.
Нарочно к ней на дно иные
Роняли серьги золотые.
Кругом невольницы меж тем
Шербет носили ароматный
И песнью звонкой и приятной
Вдруг огласили весь гарем.

В центр своей поэмы Пушкин поставил истории двух девушек — Марии и Заремы, которые были похищены из своих домов. Зарему, вероятно, украли ещё в детстве, она почти не помнит своего дома. Однако она полюбила хана и это чувство было взаимно. Но тут появилась Мария, которая целыми днями только плакала и скучал по родному дому.

Хан полюбил Марию и перестал обращать на Зарему внимание. Она не смогла этого пережить и попросила Марию отступить, после чего обе девушки умирают.

Причина смерти Марии неизвестна, а Зарему бросили в море. За что — тоже неизвестно:
Давно грузинки нет; она
Гарема стражами немыми
В пучину вод опущена.
В ту ночь, как умерла княжна,
Свершилось и ее страданье.
Какая б ни была вина,
Ужасно было наказанье!

Брюллов в своей картине не стал делать акцент на конфликтной ситуации между девушками. Он больше стремился показать роскошную и размеренную жизнь наложниц, их неспешный быт.

Так аравийские цветы
Живут за стеклами теплицы.
Для них унылой чередой
Дни, месяцы, лета проходят
И неприметно за собой
И младость и любовь уводят.
Однообразен каждый день,
И медленно часов теченье.
В гареме жизнью правит лень;
Мелькает редко наслажденье.

Однако художник всё же поместил на картину и Марию. Она сидит в окне с опущенной головой и грустит, не замечая всеобщего веселья.

В комнате Марии мы может увидеть православный крест, а значит, она не отступилась от своей веры, а хан не стал противоречить ей в этом вопросе.

На картине Брюллов изобразил и Зарему. Она со злостью смотрит на соперницу и держится за нож.

Нож в руке грузинки как-бы намекает, что она как-то причастна к убийству Марии. Однако на самом деле Пушкин умалчивает о причинах её смерти.

Но что же в гроб её свело?
Тоска ль неволи безнадежной,
Болезнь, или другое зло?..
Кто знает? Нет Марии нежной!..
Дворец угрюмый опустел...

Сегодня картина Карла Брюллова «Бахчисарайский фонтан» хранится в Государственном музее им. А. С. Пушкина и привлекает множество туристов.

 

Питер Брейгель Старший «Притча о слепых», 1568.

Эта картина написана Питером Брейгелем Старшим в 1568 году. Её сюжет основан на библейской притче о фарисеях: «Оставьте их, они – слепые вожди слепых; а если слепой ведёт слепого, то оба упадут в яму» (Мф. 15:14).

На полотне мы видим окрестности голландского герцогства Брабанта. Туманная погода создаёт атмосферу спокойствия и умиротворения. Если бы не главные герои на переднем плане картине. Их беспокойная процессия портит весь пейзаж, хотя и является его главным сюжетом.

На картине Брейгель изобразил шестерых слепцов. Причём сделал это с такой медицинской точностью, которая позволяет поставить им всем диагнозы. Офтальмологи выяснили, что третий мужчина слева страдает лейкомой роговицы (бельмом). У идущего перед ним, скорее всего, врождённая слепота. А вот у путника, который вот-вот упадёт, глаза выбиты – в драке или за воровство.

Слепые идут по диагонали через косогор. Каждый держит в одной руке посох, а другой опирается на плечо идущего впереди. Внезапно первый упал в канаву, что несомненно поведёт за собой череду других падений. Но пока остальные не догадываются о том, что их ждёт. Они просто идут вперёд навстречу к своей участи.

Некоторые исследователи придают картине Брейгеля тайный смысл. Есть версия, что художник воплотил на своём полотне споры между протестантами и католиками. Одни из них громили церковные скульптуры и жгли иконы, а другие вешали и резали первых. Обе стороны вели себя, как слепцы и в то же время обвиняли в гибельной слепоте других.

Возможно, картина «Слепые» – это притча о заблуждениях, которые ведут к гибели не только самого слепца, но и его последователей. Однако нельзя точно сказать, чью сторону в религиозных спорах занимал Брейгель, поэтому картина остаётся многозначительным произведением.

Сейчас картина выставлена в Неаполе (городе, где Брейгель прожил некоторое время), в Национальном музее Каподимонте.

 

Рембрандт ван Рейн. «Возвращение блудного сына» , 1666-1669 .

Знаменитое полотно «Возвращение блудного сына» считается последней работой Рембрандта. Оно стала вершиной проявления таланта художника и прославилj его на весь мир. 5 интересных фактов об этом произведении.

1. Сюжет для этой картины взят из Библии. В Евангелие от Луки есть притча, которая повествует об ушедшем из дома юноше. Он взял свою часть наследства и промотал его, живя в праздности и распутстве. В итоге блудный сын оказался в полной нищете и вернулся к отцу, готовый стать его последним рабом. Однако дома бродяга встретил прощение и бесконечную отцовскую любовь.

2. Картину о блудном сыне Рембрант писал трижды. Первый сюжет под названием «Автопортрет с Саскией на коленях» был написан в 1633 году. Здесь художник изобразил блудного сына, который проматывает отцовское наследство. Сына Рембрант срисовал с самого себя, а девушку — со своей супруги Саскии. Это их единственный совместный портрет. Вторым сюжетом стал офорте (гравюра на металле), созданный в 1636 году и лишь 30 год спустя появилась всем известная картина.

3. Обстоятельства написания картины окутаны тайной. Известно, что это была последняя его работа. Вскоре художник умер в полной нищете. Неизвестно даже, где находятся его останки, поскольку он был погребен на кладбище для нищих.

4. Некоторые искусствоведы считают, что образ блудного сына на картине – это образ самого Рембранта, который перед смертью решил покаяться во всех своих грехах. Отец — это Бог, которого художник представил всепрощающим. Старший сын – это совесть живописца, а мать символизирует любовь.

5. Картина была куплена Екатериной II в 1766 году у герцога Андре д'Ансезена. С тех пор она находилась в Эрмитаже и никогда не покидала его. Сотрудники не отдавали полотно даже для различных выставок и гастролей по другим городам.

Что же до информации о самом Рембрандте, то последние десятилетия она собирается буквально по крупицам — при жизни художника многое было утеряно, не говоря уже о том, что никто целенаправленно не вел его жизнеописание.

 

Акварель от Рукие Гарип - художницы из Турции. 76х56 см.

 

Пименов Юрий Иванович «Маруся, пора обедать!» 1955 г.

 

Сон Чан Йонг - известный Южно-Корейский художник, работающий в нетрадиционной для корейской художественной школы манере. Его картины - иллюстрации внутреннего мира человека и попытка осмыслить природу мироздания в целом. Им не чужда философия, которую автор полотен, как и Традицию называет необходимой составляющей жизни духовно совершенствующейся личности.

 

Сон Чан Йонг.

 

Константин Коровин. «Бастилия». 1928 г.

 

Сальвадор Дали. «Сон приближается». 1931 г.

 

Борис Кустодиев. «Красавица». 1915 г.

 

Столица Евгений Иванович (1870 - 1929). «Украинская деревня летом», 1911. Картон, масло 36,5 х 56 см
Частное собрание.