Живопись

Верещагин Петр Петрович. "Локомотив". Холст, масло, 49,5 х 74. Частное собрание.

Федорович Владимир Николаевич. «Тишина», 1918. Холст, масло.

Симон Фёдорович Ушаков. «Троица ветхозаветная», 1671 г. Дерево, темпера. Размер: 123x89,2 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Маститый, обласканный двором царя Алексея Михайловича, Симон Ушаков обладал многогранным талантом. Он возглавлял группу иконописцев и занимался росписью храмов, декорировал предметы искусства, создавал гравюры, писал портреты и иконы.

Ушаков первым из русских иконописцев пытался отойти от канонов традиционной иконописи и подражать искусству Западной Европы, для которого были характерны объём, прямая перспектива, реалистичное изображение предметов и архитектуры.

Заказчиком «Троицы ветхозаветной» был, вероятно, московский купец греческого происхождения Николай Николета. Какое-то время икона находилась в церкви Воздвижения Креста в Таврическом дворце в Петербурге, затем в Гатчинском дворце-музее. В Русский музей «Троица» поступила в 1925 году.

Сюжет из Ветхого Завета повествует о том, как Аврааму, которому было уже сто лет, явился Бог в образе трёх странников — ангелов. Авраам и его жена Сарра радушно приняли гостей, а те предсказали им рождение сына Исаака. Троица представляет собой основное положение христианства, согласно которому Бог воплощается в трёх ипостасях: Отца, Сына и Святого Духа.

За основу композиции автор взял «Троицу» другого именитого иконописца, Андрея Рублёва. Он похожим образом расположил ангелов за столом, так же вписав их фигуры в круг. Почти полностью совпадают складки на одеждах странников. Как и Рублёв, Ушаков не стал изображать Авраама и Сарру.

Однако отличий между двумя «Троицами» больше, чем общего. Лица и фигуры у Ушакова объёмные, а не плоские. Пространство обладает большей глубиной и наполнено деталями. В колорите больше оттенков, чем чистых ярких цветов. По мнению некоторых искусствоведов, из-за «светского» характера в иконе нет такой одухотворенности, как в иконе Рублёва.

Густав Климт. «Даная», 1907. Холст, масло. Размер: 77 × 83 см. Galerie Würthle, Вена.

Франсуа Буше. «Путти с птицами», 1730-1733гг. Холст, масло. Размер: 47 x 42 см. Академия искусства, Гонолулу.

Трогательное полотно французского живописца, яркого представителя художественной культуры рококо. В основе сюжета картины Франсуа Буше «Путти с птицами» - излюбленный декоративный мотив в искусстве итальянского Возрождения, маньеризма, барокко и рококо, навеянный античными прообразами. Название Путти происходит от итал. Putti (множественное число от putto – младенец). Тематические картины представляют собой изображения группы мальчиков (чаще всего крылатых ангелочков).

Картина "Путти с птицами" написана в начале тридцатых годов 18 века. Этот период был временем расцвета таланта Буше. Художник создает картины на мифологические, исторические и библейские сюжеты, пишет пасторали на разные времена года, портретные сцены в интерьере, пейзажи, создает декорации к балетам и театральным постановкам, работает для мануфактур гобеленов и фарфора.

Эмиль-Жан-Орас Верне. «Баллада о Леноре, или Мёртвые путешествуют быстро», 1839 г. Холст, масло.

Сюжет картины основан на история о смерти, уносящей любимую девушку погибшего солдата. Баллада Готфрида Бюргера «Ленора» (1773), имевшая в свое время большой успех, послужила источником вдохновения для Эдгара Аллана По и других литераторов, писавших истории о вампирах и всевозможных ужасов, а также для многих художников.

Согласно легенде, юная девушка Ленора ожидает своего возлюбленного Вильгельма, принимавшего участие в сражении под Прагой 1757 год. Однако среди вернувшихся домой солдат войска Фридриха II возвращаются его нет. Убитая горем Ленора клянёт немилостивого Бога. В полночь к её крыльцу подъезжает всадник и вызывает девушку. Ночной визитёр оказывается Вильгельмом, и тот просит Ленору в эту же ночь отправиться с ним «в приют укромный». Девушка соглашается и садится с юношей на коня. Парочка мчится быстро.

Девушка в недоумении спрашивает, как они могут так быстро лететь, на что Вильгельм отвечает: «Гладка дорога мертвецам». По пути радостный Вильгельм зовёт на свою свадьбу встреченную гробовую процессию, и даже рой мух над висельником. Наконец на рассвете они прибывают к воротам на кладбище. Конь летит над надгробьями, Вильгельм вдруг рассыпается в прах, и от него остаётся лишь скелет. Супружеское ложе, которое обещал её возлюбленный, оказывается могилой. Пока полумёртвая от страха Ленора лежит на могиле, над ней кружатся тени, мертвецы, скелеты, приговаривая:

«Терпи, терпи, хоть ноет грудь;
Творцу в бедах покорна будь»

Герард Терборх (тер Борх). «Урок музыки», 1675 г. Холст, масло. Размер: 82.5×66.5 см. Частная коллекция.

Голландский живописец, жанрист, портретист Терборх учился у харлемского живописца Питера де Молейна, с 1633 по 1635 писал пейзажи. В 1640 занимался жанровой живописью. После 1660 занимался в основном портретной живописью, сохранив при этом стиль своих жанровых картин. Произведения Терборха после 1650 знаменуют собой начало «золотого века» голландской жанровой живописи. Среди голландских живописцев XVII в. Герард Терборх - один из немногих, кто прошел общеевропейскую школу живописи.

Художник много путешествовал, работал в самых разных городах Европы. Он побывал в Лондоне (1635), где познакомился с портретами Ван Дейка, в 1640-1641 посетил Италию и Испанию, был принят при Дворе короля Филиппа IV и познакомился с творчеством Веласкеса.

Произведения Терборха лишены сложной драматургии, активных действий. Его герои степенны и проникнуты чувством собственного достоинства. Художник окружает своих персонажей простыми интерьерами, но в них можно видеть вместе с тем изысканные предметы. Переливающиеся кружева, мерцающий свет дорогих тканей, шитья, роскошь платьев, холод бокала - все это создает атмосферу элегантности и некоторой загадочности.

ОБСТОЯТЕЛЬСТВА ПРОДАЖИ КАРТИНЫ.

Обстоятельства продаж некоторых шедевров, несмотря на сохранившиеся документы, до сих пор окутаны неизвестностью. Одним из таких произведений стала небольшая картина замечательного голландского мастера XVII века Герарда Терборха «Урок музыки».

В статье «Как «Бокал лимонада» остался в Эрмитаже» директор музея М.Б. Пиотровский высказывает следующее предположение:
Для сохранения «Бокала лимонада» в любом случае мог быть использован политический аргумент. Картина эта поступила в Эрмитаж из коллекции Мальмезонской галереи императрицы Жозефины. В ходе Первой мировой войны и переговоров о Брестском мире Германия требовала от России передачи ей мальмезонских картин, так как они происходили из собраний галереи Касселя, незаконно захваченной Наполеоном.
Картина Терборха была из Мальмезона, но не из Касселя, однако Германия в своих требованиях излишней детализацией себя не утруждала. «Бокал» мог стать поводом для скандала».

Четыре купленных картины Гюльбенкян, в соответствии с предварительной договоренностью уступил парижскому торговцу антиквариатом Жоржу Вильденштейну. Среди них была и картина Терборха. Имя Вильденштейна в числе покупателей эрмитажных шедевров встречается редко. Какую роль он играл в процессе распродаж – неясно. Возможно, он был «серым кардиналом», как впоследствии утверждал его сын Даниэль в своих мемуарах, изданных во Франции в конце 1900-х годов.
В течение многих лет Вильденштейн показывал картину Терборха на выставках в США, а в 1952 году ее купил у владельца Художественный музей города Толидо в штате Огайо. Этот музей возник из частной коллекции стеклопромышленника Эдуарда Драммонда Либби.

Поначалу коллекция представляла собрание сугубо утилитарной продукции: бутылки, автомобильные и оконные стекла и тому подобное. Теперь в ней большое собрание художественных произведений – около 30 000 экземпляров. «Урок музыки» Терборха – одна из жемчужин этой коллекции.

Уильям Холман Хант (1827 - 1910). «Изабелла и горшок с базиликом». 1868.

Историю прекрасной Изабеллы, которую любовь довела до безумия, сначала рассказал Джованни Боккаччо в «Декамероне», а потом английский поэт Джон Китс в поэме «Изабелла и горшок с базиликом». На картине британского художника-прерафаэлита Уильяма Холмана Ханта изображена Изабелла, обнимающая горшок с базиликом, в котором она закопала отрезанную голову своего любовника Лоренцо.

Эварист Виталь Люмине (1821 -1896). "Нормандские пираты в IX веке".

Пьер-Альфред Дедрё (1810-1860). “Мопс в кресле”.

Развалившийся и задремавший в кресле мопс, рядом с которым находится небольшой столик с наполненным бокалом, а в ногах покоится изрядно измятый номер газеты “Le Figaro”

Известно, что в виде дремлющего мопса изображен никто иной, как известный французский журналист Ипполит де Вильмессан, который за три года до создания картины отметился тем, что возобновил выпуск той самой газеты “Le Figaro”

Винсент Ван Гог. "Вид на Арль с ирисами на переднем плане", 1888 г.

Саврасов Алексей Кондратьевич. "Сельский вид", 1867 г.

Максфилд Пэрриш (1870-1966). "Вечер", 1944 г.

Джон Эткинсон Гримшоу (1836-1893). "Улица в лунном свете", 1880 г. 54×43 см.

Жак-Эмиль Бланш (1861-1942). «Ванная комната». 1888 г. Холст, масло. 80 х 85 см. Carmen Thyssen Collection.

Сергей Басов (род. 1964). "Заросший пруд".

Гуго Мерле «Сумасшедшая из Этрета», 1871.

На этой картине мы видим молодую женщину, которая сидит на караю колодца. Только вот взгляд у этой красавицы довольно странный, а в руках она держит полено. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит.

Картина создал живописец Гуго Мерле, который в своём творчестве часто возвращался к романтичным женским образам. Особенно часто художник писал молодых матерей с младенцами. Не стала исключением и эта работа, которая носит название «Сумасшедшая из Этрета».

На картине изображена смуглая молодая женщина, очень похожая на цыганку. На первый взгляд, в руках она держит ребёнка, но, приглядевшись, можно увидеть, что это обычное полено, на которое надет чепчик.

Полено бережно закутано в одеяльце, а горожанка обнимает его, словно младенца. С этой женщиной явно что-то не так — в глазах её чувствуется «безуминка». Кажется, что она готова наброситься на любого, кто попробует отобрать у неё «ребёнка».

Эту сумасшедшую Мерле увидел на улицах маленького французского городка Этрета, где он любил бродить в поисках живописных видов.

Местные жители рассказали художнику, что эта несчастная потеряла своего новорождённого ребёнка по причине голода. Она, как одна из многих женщин того времени, родила без мужа, из-за чего была отвергнута обществом. Ей нечем было заработать на жизнь, чтобы прокормить себя и младенца. Малыш не пережил уличной жизни, а его мать теперь скитается по улицам, нося на руках бревно.

Картина «Сумасшедшая из Этрета» написано очень реалистично. Художнику удалось не только тщательно изобразить все детали, но и наполнить полотно эмоциональной чувствительностью. В образе этой женщины есть некие отсылки к образу мадонны с младенцем.

Эта работа перекликается с другой картиной Мерле — «Покинутые», только там малыш ещё жив, здоров и есть надежда на чудесное спасение. А судьба сумасшедшей из Этрета уже определена. Вряд ли эта женщина когда-либо придёт в себя. Возможно, её поместят в больницу для умалишённых, а может она обретёт покой на улицах города пронзительно холодной зимней ночью.

Александр Бурак «К сыну за помощью», 1954.

На этой картине мы видим мужчину средних лет и его старушку-мать, которые находятся в одной комнате, но даже не смотрят друг на друга. В воздухе повисло напряжённое молчание, явно не предвещающее ничего хорошего. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит.

Картина принадлежит кисти уральского художника Александра Бурака, который в основном творил в пейзажном и бытовом жанрах. Лучшей его работой в области жанровой живописи стало полотно «К сыну за помощью», созданное в 1954 году.

Есть версия, что картина написана по мотивам реальных событий. Художнику как-то довелось лично наблюдать сцену между сыном и матерью, приехавшей за помощью. Было это так:

В гости к Александру Бураку пришла мать известного и успешного скульптора С*, с которым у того были дружеские отношения. Женщина рассказала художнику, что приехала из деревни, чтобы попросить у сына материальной помощи. Однако скульптор не дал матери денег, сославшись на тяжелые времена, отсутствие заказов и т.д.

На Бурака эта история произвела такое сильное впечатление, что он сразу же набросал этюд, на основе которого чуть позже написал картину «К сыну за помощью».

Но на этом история не закончилась: узнав на картине свою мать, скульптор С* основательно разругался с художником до конца жизни.

Правильно ли поступил Бурак или нет, мы обсуждать не будет. Однако его картина действительно производит сильное впечатление. Художник ясно дал понять, что скульптор и его супруга живут далеко не бедно — в доме ковры, картины, статуэтки, резная мебель, да и одежда главного героя явно куплена не на блошином рынке.

Сразу же становится жалко старенькую маму, которая явно не собиралась досаждать сыну и теперь чувствует себя неловко. Скорее всего, женщина рассчитывала на более тёплый приём, ведь, судя по всему, она давно не видела сына и мало знала о его теперешней жизни.

Сынок же, ковыряется в ногтях, явно ожидая ухода матери. Его жена даже не повернулась к своей свекрови, демонстративно отсев за другую часть стола. Старушку никто не ждал.

Вот что писал об этой картине журнал «Крестьянка»:

«Мать опустила на колени натруженные руки. Горькое раздумье написано на ее лице. Может быть, она думает о том, кого же она вырастила, кому отдала свои силы, здоровье, свою материнскую любовь. В этой картине художник разоблачает всю неприглядность морального облика людей, для которых выше всего собственное благополучие».

Эдвард Окунь «Смерть Паганини», 1898.

На этой картине художник изобразил смерть знаменитого скрипача Никколо Паганини, который ушёл из жизни в возрасте 57 лет. Однако у постели умершего сидит не кто иной, как сам дьявол и играет музыканту на скрипке? Почему же художник выбрал такой необычный сюжет?

Дело в том, что Паганини обладал таким виртуозным мастерством, что люди стали судачить будто он продал душу дьяволу в обмен на свой талант. Примечательно, что сам скрипач не только не опровергал эти слухи, но и всячески подогревал их, чтобы поддерживать интерес к собственной персоне. Музыкант говорил, что у него есть особый секрет, который он откроет лишь на смертном одре.

Свой секрет мастер так и не раскрыл, а вот история о сделке в дьяволом настолько укоренилась в головах людей, что епископ даже отказался проводить над музыкантом заупокойную мессу.

Паганини долго не могли похоронить по-человечески. Его сыну даже пришлось какое-то время хранить тело отца в глубоком подвале.

После похорон труп несколько раз откапывали, поскольку окружающим слышались оттуда какие-то звуки. Лишь в 1896 году прах великого скрипача окончательно упокоился на кладбище Пармы (Италия).

На художника Эдварда Окуня история о сделке Паганини с дьяволом произвела такое впечатление, что он решил написать на её основе картину. Мастер воплотил на холсте момент, когда нечистый пришёл к музыканту, чтобы брать плату по счетам.

В настоящее время полотно является частью коллекции Музея Люблинского воеводства в Люблине.

Альберт Кёйп. «Руины замка Берген». 1655 г.

Федор Васильев. «Лето. Речка в Красном Селе». 1870г. Холст, масло. 31,5x44,5 см. Музей изобразительных искусств. Казань. Татарстан.

Пьер Огюст Ренуар. «Новый мост». 1872 г.

Константин Горбатов. «Вид с реки на старый город». 1915 г.

Эдуард Вюйар. «Саша Гитри в гримерной». 1912 г. Пастель, бумага. Частная коллекция.

Орловский Владимир Донатович. «Грозовые тучи», 1884. Холст, масло. 125,5 × 80,5. Частное собрание.

Питер Брейгель Старший. "Голгофа". 1564 г. Дерево, масло. 124-170 см.

Питер Брейгель Старший. "Битва масленницы и поста". 1559 г. Дерево, масло. 118-164,5 см.

Себастьян Бурдон. «Драка в караульном помещении», 1640. Холст, масло. Размер: 74,9 x 60,6 см. Далиджская картинная галерея.

Себастьян Бурдон (1616−1671) был одним из основателей, затем и ректором Французской академии живописи. Работы этого художника стилистически разнообразны. Он не раз менял свой стиль, то работал в духе классицизма, то использовал приемы, характерные для барокко, однако его всегда можно отличить по звучности и гармонии цветовых сочетаний, плавности движений, линий, картины наполнены светом и воздухом. Впоследствии искусствоведы назовут такую манеру письма — «Бурдон стиль». «Драка в караульном помещении» - пример жанровых сюжетов, написанных Бурдоном в манере Ван Лаера.

Некоторое время молодой художник служил солдатом. Судьба в лице военного командира помогла Бурдону попасть в Италию, где он встретился со многими выдающимися мастерами. Среди них Питер Ван Лар, создатель жанра «бамбочад», Никола Пуссен, Клод Лоррен, Джованни Бенедетто Кастильоне, Андреа Сакки. Клод Лоррен оказал содействие Бурдону, и молодой художник начал работать, подражая этим великим мастерам, а также Караваджо.

Лагорио Лев Феликсович. "Вид Петербурга лунной ночью". 1875.

Лагорио Лев Феликсович. "Гавань". 1880.

Лагорио Лев Феликсович. "Греческий архипелаг". 1903.

Поленов Василий Дмитриевич. "Христос и грешница (Кто без греха?)", 1888. Холст, масло. 325 x 611 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Коровин Константин Алексеевич. «В лодке», 1888. (Изображены Константин Алексеевич Коровин и художница Мария Васильевна Якунчикова)
Холст, масло. 53 x 43 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Константин Коровин – один из ярчайших мастеров Серебряного века, вошедший в историю русского искусства как главный отечественный импрессионист. Созданные им станковые произведения, театрально-декорационные и монументальные работы отличают энергия цвета, живописная свобода и общее мажорное звучание. Одним из главных живописцев, кто повлиял не только на творческое становление Коровина, стал Василий Поленов, возглавивший в 1882 году после ухода Саврасова пейзажный класс Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Продолжая, как и свой предшественник, воспитывать у учеников возвышенное поэтическое отношение к природе, он стал больше обращать внимание на проблемы колорита и технику живописи, заложив тем самым основы пленэрно-импрессионистической традиции в русском искусстве.

Поленов с особой душевной теплотой по-отечески отнесся к Коровину. Начиная с 1885 года учитель и ученик вместе работали на пленэре, Коровин даже позировал ему для картины «Христос и грешница» (1887, Государственный Русский Музей). Вся семья Поленовых окружила «Костеньку» любовью и заботой, словно заменив ему рано ушедших из жизни родителей. Жена Поленова Наталья Васильевна Якунчикова и его сестра Елена Дмитриевна, сами будучи художницами, следили за творческим становлением молодого Коровина, переживая за успехи и неудачи его работ на первых ученических выставках.

Интересна композиция полотна “В лодке”: сцена в лодке дается сверху, словно зритель стоит на высоком берегу. Коровин с присущей ранним произведениям манерой тщательно выписывает фигуры, детали одежды, черты лиц, даже прописывает каждый листок изумрудной зелени, обрамляющей пару и создающий особый поэтический флер.

Летние месяцы 1887 и 1888 годов, проведенные в Жуковке, на даче Поленовых, стали одними из самых плодотворных в творчестве молодого художника. Коровин создал здесь свои первые многофигурные картины – «За чайным столом», «Настурции» (обе - 1888, Музей-заповедник «Поленово»), где изобразил «домашних» и гостей Жуковки. Поленов, борясь, по его выражению, с постоянными «недописками и недохватками» в живописи Коровина, заставлял своего ученика более серьезно подходить к сочинению своих работ, тщательнее работать над созданием композиции и иметь как можно больше натурного материала. Так, для одного из подготовительных этюдов к картине (1888, частное собрание), Коровин запечатлел себя с Марией Якунчиковой.

Виктор Иванович Зарецкий. «Теща», 1954. Холст, масло. Донецкий художественный музей.

Теща, как много в этом слове... Тема незаурядная. В голове вереницей проносятся конкретные судьбы родных братьев, друзей, близких знакомых и, конечно, же любимые анекдоты, связанные с таким колоритным, скандальным и многими мужчинами нелюбимым персонажем, каким является теща.

Украинский художник Виктор Иванович Зарецкий (1925 - 1990) написал эту выразительную бытовую сценку основываясь на собственном, семейном опыте.

Зарецкий женился пано, жил на стипендию и не мог похвастаться хорошими жизненными перспективами. Его избранницей стала представительница «золотой молодежи» Алла Горская. Картина наверняка вдохновлена общением художника с богатой роднёй жены. Да и зять с пышной шевелюрой напоминает Зарецкого в молодости.

На полотне изображены три образа: самый яркий - теща: она в воинственной позе, подбоченившись, готовая в любую минуту наброситься на свою жертву, зятя. Зять, какой - то вялый и нерешительный с опущенной головой и молодая жена, она же дочь тещи, встревоженная, мечущаяся между матерью и мужем.

Молодые не так давно поженились, оба студенты, не имеющие своей квартиры, да и другой материальной поддержки. Но ситуацией правит любовь: ей не страшны никакие трудности и препятствия. Поначалу ему кажется, что весь мир им завидует и все вокруг разделяют их счастье, радуются за них. Но совместное проживание с близким человеком, тещей в считанные месяцы превращается в кошмарный сон и выбраться из него молодой человек никак не может.

И вот, финальный аккорд. Теща в оскорбительной форме выговаривает зятю все, что о нем думает. Акцентируя свой монолог на том, что ее доця заслуживает лучшей партии, да и женихи у нее были не чета бедному студенту. Перспектива для дочери быть женой рядового инженера, ее как мать, не устраивает. Робкие аргументы зятя в свою защиту тонут в безаппеляционных утверждениях матери жены. Молодой человек опускает голову, нет больше сил вести неравный бой с тещей...

Жена - между двух огней. Она, то обращается к матери в надежде, что та поубавит свой воинственный пыл, то к мужу, призывая его быть сдержанным и уступчивым. Тщетно, примирить две враждующие группировки ей не удается. Я уже предвижу и ход дальнейших событий. Загнанный в угол, зять срывается с места, оставляя обескураженных женщин одних. В комнате молодых он в спешке, лихорадочно собирает свои скромные пожитки, слышится хлопок закрытой двери... Удастся ли его вернуть в семью? Трудно сказать. Время покажет.

Морис Дени. «Пасхальное утро». 1891 г. Холст, масло. Частная коллекция.