Живопись

Андре Анри Даргелас «Кругосветное путешествие», 1860.

На этой картине изображена группа детей, которая устроила в школе весёлую игру. Ребята развернули целое цирковое представление, усевшись на глобус и раскачиваясь на нём, словно на качелях. Вот только вошедший в класс учитель совсем не рад таким развлечениям и, похоже, что сейчас сорванцам здорово достанется.

Картину написал мастер бытового жанра Андре Анри Даргелас, который очень любил изображать на своих полотнах шаловливых детей. Не стала исключением и картина «Кругосветное путешествие», созданная в 1860 году. На ряду с другими работами Даргеласа, это полотно было выставлено в Парижском Салоне и имело там огромный успех.

Хотя сцены с озорными детьми в главной роли совершенно не вписывались в формат Салона, выставлявшего в основном классическую живопись, картины Даргеласа вызывали восторг у зрителей. Именно сентиментальные и игривые изображения детей сделали мастера популярным во всём мире.

В своих картинах Даргелас уделял большое внимание деталям и разным мелочам. По его картинам можно судить об особенностях школьного быта во Франции второй половины 19 века. Например, можно заметить, что в классе нет доски, а дети не носят школьную форму. Конечно же, в глаза бросается и главный «герой картины» — глобус, который имеет громадный размеры и очень кстати подвешен посреди класса для более наглядного восприятия географии.

Французские школы того времени считались одними из самых строгих в мире, но в то же время дети чувствовали себя в них достаточно комфортно. Из-за насыщенной программы ученикам приходилось прикладывать большие усилия ради хорошей оценки.

Класс, изображенный на картине Даргеласа, вероятнее всего, находится в государственной школе, поскольку в частной были слишком строгие правила и такие шаловливые дети просто не смогли бы там учиться.

Константин Трутовский «Приезд учительницы», 1889.

На этой картине мы видим молодую женщину, которая только что подъехала на санях к деревенскому облупившемуся домику. У неё много вещей, значит путница прибыла сюда надолго. Вот только сама она почему-то этому не рада. Давайте попробуем разобраться, в чём же причина грусти этой девушки.

Автор картина — художник Константин Трутовский, который любил писать жанровые и бытовые сцены. Это полотно называется «Приезд учительницы». Одежда женщины вполне себе городская, а пейзаж вокруг — деревенский, поэтому смело можно сделать вывод, что она приехала из города в деревню.

Судя по табличке над окнами с надписью «Сельская школа», учительницу привезли прямо к зданию школы с покосившимися ставнями. Возможно, здесь она и будет жить, а может её пристроят на постой к местному жителю. Деревенским учителям в то время полагалась бесплатная комната с кухней и отоплением.

На приезжую с интересом глядят местные ребятишки. Возможно, это ученики начальных классов, которые с нетерпением ждут, когда прибудет учитель, и они смогут посещать школу.

Только вот сама учительница почему-то совсем не рада новой жизни. Это легко понять — ведь она городская, и деревенская жизнь ей чужда. К тому же она оказалась вдали от родителей, друзей и знакомых.

Если мы перенесёмся в то время, то вспомним, что тогда почти не было никакой связи, даже стационарный телефон был огромной редкостью. Общаться на расстоянии можно было только с помощью писем, которые шли довольно долго.

Трутовский хорошо изобразил окружающую обстановку, чтобы зритель мог глубже прочувствовать состояние молодой городской женщины: бескрайние засыпанные снегом поля, обшарпанные домики, беспросветная тоска и ни одного близкого человека рядом. Так ей теперь предстоит жить долгие годы.

Жизнь учительницы в деревне омрачается ещё и тем, что у неё нет никакого шанса на карьерный рост, поскольку и карьерной лестницы-то среди сельских учителей не было. Чиновниками они не считались, да и университетов не заканчивали, поэтому будущее их было весьма туманным.

Приезжавшая в деревню учительница была обычно незамужней, а найти достойного мужа ей было проблематично. За простого крестьянина выйти она не могла. Разве что могло повезти с таким же, как и она учителем, ну или с фельдшером.

Иван Шишкин «Вечер», 1871.

На этой картине мы видим прекрасный летний вечер, на фоне которого три молодые крестьянки возвращаются из леса. Целый день они собирали грибы и ягоды и теперь радостно несут этот урожай домой, чтобы сделать из него заготовки на зиму.

Полотно величественно и прекрасно. Оно создаёт ощущение некой сказочности и загадочности. Композиция кажется такой родной и уютной, как будто выхваченной из детства.

Небо охвачено красивым нежным закатом, который охватил всё бескрайнее русское небо, нависая над стройными берёзками. Фигуры девочек кажутся такими маленькими на фоне величественных деревьев и простирающегося вдаль поля.

Эта картина очень «шишкинская», поскольку в ней отчетливо обозначена тема леса, и вместе с тем отдалённо изображены силуэты людей, что делает сюжет более живым, насыщенным и интересным.

Критик В. В. Стасов так писал о творчестве Шишкина: «Шишкин — художник народный. Всю жизнь он изучал русский, преимущественно северный лес, русское дерево, русскую чащу, русскую глушь. Это его царство, и тут он не имеет соперников, он единственный».

Валерий Ковинин. «Первая борозда». 1968 г.

Софья Юнкер-Крамская. «Портрет М.Г.Савиной». 1900. Холст, масло. 110х80 см. Дом-интернат ветеранов сцены им. М.Г.Савиной. Санкт-Петербург.

Столяренко Пётр Кузьмич/ "Рыболовецкая бригада", вторая половина XX века/ Холст, масло 59 х 101 см/ Музей краеведения и истории грязелечения" г. Саки Республики Крым/

Сомов Константин Андреевич. «Фейерверк», 1922. Холст, масло 27 х 31,5 см. Музей-квартира И.И. Бродского.

Искусство флирта и обольщения
Флирт - манера поведения, привлекающая внимание. Иногда служит прелюдией к сексу, иногда превращается просто в любовную игру, иногда является выражением симпатии, в некоторых случаях является привлечением внимания, просто игрой, развлечением. Выражается в обмене знаками внимания, подмигиваниями,жестами.
Влахо Буковац. "У родника". 1890. Дерево, масло. 65.5 х 46 см. Частное собрание.

Вильям-Адольф Бугро. "Предложение". 1872. Холст, масло. 163.5 х 111.8 см. Метрополитен-музей искусства, Нью-Йорк, США.

Карел де Моор. "Попытка обнять" (1655-1738). Национальный музей изобразительных искусств, Стокгольм.

Филиппо Индони (1842-1908). "Двое". Бумага, акварель. 53,3 x 35,5. Частная коллекция.

Огюст де Пинелли. "Объект обожания". Дерево, масло. 43 x 55 см.

Огюст Серрюр. "Отвлечение от домашних дел". 1903. Масло, дерево. 104 x 73.5 см.

Огюст Серрюр (1825-1903). «Поцелуй».

Поль Мерварт. (1855-1902). "Не по годам развитый поклонник". Дерево, масло. 41 x 32 см.

Сальвадор Дали. «Портрет моего покойного брата». 1963 г.

Франсиско Гойя. «Собака», 1819-1823 гг. Настенная живопись, перенесённая на холст. Размер: 131×79 см. Музей Прадо, Мадрид.

Используются также названия: «Тонущая собака» и «Голова собаки». Перед вами одна из «Мрачных картин» Франсиско Гойи, написанных художником в 1819-1823 гг. прямо на стенах своего дома с интересным названием «Дом Глухого». Долгое время эти картины считались лишь причудливыми иллюстрациями больного старика, однако они оказались полны скрытых посланий, которые только сейчас раскрывают себя миру.

Авторское название неизвестно. Эта картина, скорее всего, незавершённая, производит неизгладимое впечатление на зрителя. Неизвестно изначальное намерение художника. Голова собаки то ли появляется из-за склона, то ли выныривает из мутной воды. Собака смотрит вверх пронзительным, почти человеческим взглядом, вызывая глубокое беспокойство, обостряемое огромным пустым пространством сверху.

Томас Фаед «Ошибки с обеих сторон», 1861.

На этой картине мы видим мужчину и женщину, которые смотрят в разные стороны. Они подавлены и грустны, а значит, здесь имел место какой-то конфликт.

Художник Томас Фаед специализировался на жанровой живописи. Он любил создавать картины, которые изображают жизненные ситуации простых людей, их обычный быт и ежедневные проблемы.

На этой картине мы, вероятнее всего, наблюдаем ссору семейной пары. Мужчина и женщина отвернулись друг от друга и сосредоточенно о чём-то размышляют.

Щёки и нос женщины красные и разгорячённые, что говорит о недавнем скандале. Героине картины пришлось волноваться и кричать, доказывая свою правоту. Она явно ещё не успокоилась, что можно понять по скрученному в её руках платку.

Мужчина тоже был сильно разозлён ссорой. Он вгрызается зубами в набалдашник трости, чтобы хоть как-то снять нервное напряжение. Однако задумчивый взгляд героя картины говорит о том, что он уже готов успокоиться.

За размолвкой супругов наблюдает их верный пёс, который очень расстроен происходящим. Питомец с грустью смотрит на хозяев, терпеливо ожидая их примирения. В глазах животного можно прочитать тоску и надежду.

Считается, что на этой картине Томас Фаед изобразил самого себя. Возможно, его вдохновила на этот сюжет размолвка с собственной супругой, однако в семье мастера в итоге всё закончилось благополучно.

Будем надеяться, что и герои этой картины придут к пониманию и восстановят семейную гармонию.

Уильям Чейз. «Ню, вид сзади». 1888 г. Масло, холст. Частная коллекция.

Китти Мейеринг (род. 1974).

Ник Альм (род. 1985). "Взгляд в толпе".

Марк Шагал. «Мужчина за столом». 1911 г. Холст, масло.

Коровин Константин Алексеевич. «Терраса. Париж», 1908. Холст, масло 94,8 х 58,6 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Итальянский художник Федерико Андреотти (1847-1930)
Великолепные портреты
Миленький старичок выгуливает своих тараканов)).

Федерико Андреотти.

Федерико Андреотти.

Федерико Андреотти.

Федерико Андреотти.

Федерико Андреотти.

Федерико Андреотти.

Федерико Андреотти.

Оуэн Дальзиел «На регате»

Питер Пауль Рубенс. «Воскрешение Христа». 1612 г. Дерево, масло. 138х98 см. Кафедральный Собор. Антверпен. Бельгия.

Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов. «Девушка с агавой», 1897 г. Холст, масло. Размер: 97.5x67 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Гофман так описывал картину «Девушка с агавой»: «Летом 1897 года Борисов-Мусатов исполняет этюды к Maternite. Большинство из них – Девушка с агавой, Дама в качалке, Агава, В парке – хранится в Третьяковской галерее. Главным «героем» в них является солнце, ослепительное, яркое, – солнце как источник жизни… Лучшая работа лета 1897 года – этюд Агава. В нем нашли блестящее претворение уроки Парижа. Это произведение художника, уже прекрасно владеющего методом и техникой импрессионистической живописи и одновременно хорошо знакомого с открытиями постимпрессионизма. Оно исполнено живо, смело, артистично». Мне кажется, фамилия обязывает автора к более основательному суждению. Это мастерские, но простые по замыслу картины. В Девушке с агавой несколько персонажей: на зеленом лугу с обильной травой на пне стоит глиняный горшок с высоким комнатным растением – агавой. Вьющееся растение, похожее на лиану. Впереди девушка по пояс в белом закрытом платье: голова опущена, смотрит в землю, уголки губ вниз. Общее впечатление от лица печали и сосредоточенной задумчивости. У нее черные, собранные сзади в пучок волосы. На лице чуть заметные, а в волосах очень сильные синие рефлексы.

Идея картины легко просматривается в цветке. Нижние листья его уже высохли, сжались, пожелтели. Чуть выше – зеленые листья раскинулись широко в стороны, некоторые перегнулись. В центре – плотный пучок почти синих острых сочных листьев тянется вверх. Лиана предлагает помощь, опору, но синие листья помощь отвергают. Девушка в печали: какие-то надежды ее не оправдались, на душе горечь, взгляд устремлен вниз, но в голове уже рождается решимость преодолеть тягостное состояние.

В Агаве цветовые решения несколько иные, но смысл картины тот же. Нижние листья даны на ярком свету, центральный пучок листьев сочно зеленый. Фоном цветка служит разноцветная земля (желтоватая, зеленоватая с лиловым), переходящая вверху в синее – символ духовного неба. В него и устремлены зеленые стрелы растения. Дух, духовное в человеке – цель и опора его, стимул обновления. И сам человек, находящий опору в себе, как агава, от древнегреческого – «достойный удивления».

Дмитрий Пускин «Дополнительные занятия в школе».

На этой картине мы видим ребят, которые сидят в классе. Однако здесь не идёт урок — учительница занимается с отстающими в дополнительное время.

Юные герои картины, скорее всего, первоклассники и только-только учатся читать. Не всем это даётся легко, некоторым очень нужна помощь педагога. Пожилая классная руководительница пошла навстречу своим подопечным и осталась с ними позаниматься после уроков.

Обратите внимание на лицо учительницы — внимание, усталость, тревожное ожидание замерли на её лице. Палец замер на сложном слове, рука подпирает голову… как же тяжело научить читать. Читать внимательно, чётко проговаривая слова, понимая прочитанное. И как сложно порой сохранять спокойствие и доброжелательность, не напугать, не заставить замкнуться в себе. И ждут остальные дети, и читают свои учебники, и приберегают вопросы.

Особого внимания на картине заслуживают парты, которые теперь, к сожалению, невозможно увидеть в школы. Они имеют нераздельно связанную со столом простую скамейку и наклонную столешницу с откидным краем. Такие парты очень удобны и помогали школьнику держать правильную осанку, крепко зажимая его между столом и спинкой скамейки.

Первоначальная идея такой парты принадлежит доктору Фарнеру, который первым предложил наклонную столешницу, а так же жёстко связал стол со скамейкой. Свои мысли он изложил в статье «Ребёнок и школьный стол», вышедшей в 1865 году.

В 1870 году подобную парту сконструировал, поселившийся в Петербурге врач Фёдор Эрисман, который слегка усовершенствовал идею Фарнера, сделав столешницу длиннее сиденья, что не давало сидящему произвольно менять позу.

Однако парты Эрисмана были предназначены для одного ученика и изготовлялись из тяжёлого благородного дуба, что было достаточно дорого и неудобно. Усовершенствовать эти парты решил сельский учитель из Уральского села Бруснята Пётр Коротков.

Коротков всей душой болел за простой народ и посвятил свою жизнь просветительской деятельности. Взяв за основу парту Эрисмана, он увеличил её в длину, чтобы поместилось два ученика, сделал знаменитую откидную крышку, прикрепил внутреннюю полочку для книг, крючок для ранца и подножку. Также на поверхности парты имелось углубление для чернильницы.

Парта Короткова была настолько хороша, что получила в 1887 году на Урало-Сибирской выставке серебряную медаль и патент. К тому же парта делалась из сосны, что значительно удешевляло её стоимость.

Парты Короткова были такими простыми и удобными, что простояли в наших школах практически 100 лет. К сожалению, со временем эти парты начали эволюционировать в обратную сторону и сейчас мы видим в классах простые столы и самые обычные стулья.