Живопись

Эжен де Блаас «Серенада», 1910.

На этой картине мы видим четырёх женщин и мужчину, сидящих у парапета на берегу моря. Две женщины заняты делом — они плетут рыболовную сеть. Две другие просто стоят и слушают серенады, которые исполняет мужчина.

Молодой человек в шляпе и с гитарой в руках является центровой фигурой картины. Скорее всего он местный рыбак, а в свободное время любит поиграть на гитаре и развлечь девушек серенадами.

К парню приковано внимание почти всех дам, изображённых на полотне. Кажется, что лишь одна из героинь к нему равнодушна — брюнетка, плетущая сеть. Все остальные, похоже, питают к парню нежные чувства.

Больше всего пылает страстью к герою стоящая рядом красавица в красном переднике и с красными серёжками. Она откровенно смотрит на парня влюблёнными глазами и едва не касается его рукой.

Девушка не случайно надела красные серёжки — она хочет, чтобы молодой человек заметил её чувства и сделал шаг в её сторону. Вообще присутствие ярко-красного цвета в её образе говорит о действительно пылких чувствах с её стороны. Однако, похоже паренёк не спешит отвечать ей взаимностью.

Подруга влюблённой героини тоже неравнодушна к парню. Однако она ведёт себя гораздо сдержаннее. Красавица скромно потупила взор и теребит свой платочек. Такое ощущение, что она, в отличии от своей подруги, боится чем-то выдать свои чувства к рыбаку. Но почему-то создаётся впечатление, что именно к ней он испытывает симпатию.

Рыжеволосая красавица с красным платком на шее тоже явно неравнодушна к единственному в этой компании мужчине. Она мечтательно смотрит в его сторону, её взгляд полон нежности. Девушка так задумалась или заслушалась песню, что даже забыла про работу — крючок для плетения едва не выпадает из её рук.

Брюнетка в платочке понимающе смотрит на подругу. Она явно догадывается о её чувствах. Возможно, черноволосая красавица замужем, поэтому она единственная, на кого не действуют чары этого мачо. О её замужестве могут свидетельствовать волосы, покрытые платком.

А кому же принадлежит сердце этого мужчины? Возможно, что и никому... Эта картина оставляет большой простор для зрительской фантазии. Возможно именно этого и добивался художник.

Сегодня картина «Серенада» хранится в частной коллекции и не доступна широкому кругу зрителей

Архип Куинджи «Радуга», 1905.

На этой картине мы видим яркий и обновлённый дождём луг, над которым протянулась разноцветная сияющая радуга. Зритель так и чувствует аромат озона, которым пропитана вся окружающая природа.

Вода смыла с травы все признаки долгого зноя и засухи. Жадно впитав в себя влагу, поля взорвались насыщенным зелёным цветом под лучами вышедшего из-за туч солнца. Синее тяжёлое небо ещё полно грозой, но стихия уже отступает, чтобы оживить другие места.

Вот как описывает картину «Радуга» писатель Михаил Неведомский, автор биографии Куинджи:

«Зелёная равнина-поле между двумя отлогими, ровными, как валы, холмами; на правом холме — хуторок: типичный малороссийский ландшафт... Солнечный свет, пробившись сквозь облака, ударил в склон холма почти в центре картины, и она светится только тут: всё остальное на земле — в полутени... А по небу громоздятся тучи; справа ещё не кончился ливень, и его длинные, чуть косвенные, тёмные полосы спускаются с самого верха и донизу... В небе (посредине — на фоне оранжевых, светлых облаков, а по правую и левую сторону — на фоне тёмной буроватой тучи) сияет широкий мост радуги: тона её удивительно чисты и легки... Чёрная, ещё затянутая нитями дождя даль даёт импрессионизирующее мрачное пятно... »

Куинджи обладал уникальным зрением — он мог запоминать в цвете мгновения природных явлений, которые длятся минуты, а потом воспроизводить их на холсте.

Репин писал о Куинджи: «Иллюзия света была его богом, и не было художника, равного ему в достижении этого чуда живописи».

Живопись Куинджи отличается романтизмом, загадочностью и неповторимым волшебством. Художник будто пытается проникнуть в мир идеального, но останавливается перед его непостижимостью. Через воспроизведение земной реальности мастер создаёт идеальный мир гармонии и красоты.

Эдмунд Лейтон «Бог в помощь», 1900.

На этой картине мы видим рыцаря и грустную девушку, которая повязывает ему на руку алую ленту. Что же здесь происходит?

Сюжет картины переносит нас в средневековье. Рыцарь сидит на коне в полном обмундировании со знаменем в руках.Он явно собирается на войну.

Впереди из крепости уже выезжают его боевые товарищи, но рыцарь задержался, чтобы попрощаться с возлюбленной.

Дама сердца воина очень грустна, она переживает за любимого. Однако выбора нет — рыцарский долг зовёт его. На прощание красавица повязывает рыцарю на руку красную ленту, которая является своеобразным оберегом. По средневековому поверью такая позязка означала, что влюблённые обязательно воссоединятся снова.

На переднем плане мы видим грифона, украшающего перила лестницы. Он является символом силы и воинской славы, а значит можно сделать вывод, что девушка дождётся своего возлюбленного, который непременно вернётся с победой.

Нежно-розовые цветы, украшающие перила, символизируют нежные чувства героини, которые переполняют её. Вместе с лентой она словно отдаёт возлюбленному частичку своего сердца.

Название картины «Бог в помощь» говорит само за себя. Девушка словно обращается к высшим силам, чтобы они защитили её любимого.

От полотна веет теплом и средневековым романтизмом, хотя тема войны добавляет картине тревожности.

Прерафаэлит Эдмунд Блэр Лейтони родился в семье известного живописца Чарльза Блэра Лейтона. Он закончил Королевскую академию художеств, поэтому в его картинах чувствует профессионализм.

Работы Лейтона отличаются подробной прорисовкой деталей. Он очень тщательно и достоверно прописывает костюмы героев из ушедшей эпохи, а также обстановку того времени.

В настоящее время картина «Бог в помощь» находится в частной коллекции и недоступна для широкого круга зрителей.

Михаил Игнатьев «А жизнь так хороша», 1917.

На этой картине мы видим двух монахинь — молодую и пожилую. Они сидят в просторной светлой келье и смотрят в окно. Только делают это две женщины совершенно по-разному.

Молодая женщина с интересом вглядывается в то, что происходит на улице. Однако на её лице нет улыбки. Картина называется «А жизнь так хороша», а значит, монахиня увидела за окошком настоящую жизнь, которая манит её. Она ещё так молода, всё впереди, но теперь судьба девушки ограничена этой кельей, монастырскими стенами и общением с такими же монахинями.

Пожилая монахиня смотрит настороженно. Возможно, её приставили смотреть за молодой. Старушка вяжет, но боковым зрением также посматривает в окно. Только не в своё, а в окно молодой девушки. Словно, хочет понять, что же та увидела.

Картина содержит различные символы, дающие нам понять душевное состояние монахинь. Молодая держит руки за спиной, они словно связаны. Это может говорить о том, что девушка попала в монастырь не по своей воле, она чувствует себя здесь пленницей.

В лице молодой монахини нет покорности, чувствуется сила и решительность. Возможно, она думает о побеге. Это и почувствовала пожилая монахиня. Сама она уже прошла долгий путь и не интересуется происходящим в миру — шторы в её окне прикрыты.

На окне молодой монахини, наоборот, шторы раскрыты так, что почти не видны. На подоконнике стоит красивый и свежий букет. Через окно виден светлый летний день, который манит своей жизнью и не даёт молодой душе погрузиться в монашеский покой.

Возможно, девушка уже смирилась со своей участью, но в окне она видит жизнь, которая так хороша.

Картина вызывает глубокие и неоднозначные чувства. Возможно, автор стремился к тому, чтобы каждый мог истолковать его работу по своим мироощущениям. Сюжет и название говорят об этом очень красноречиво.

Николас Мас «Две болтливые домохозяйки», 1660/

На этой картине художник изобразил двух женщин, которые непринуждённо болтают, стоя у открытого окна. Они так увлечены беседой, что забыли обо всё на свете. Одна из них даже не замечает, что скоро лишится своего ужина.

Женщина в тёмно-зелёном платье купила два сочных рыбных стейка, которые она собиралась приготовить своей семье. Вот только чёрно-белый пёсик оказался проворнее невнимательной домохозяйки — совсем скоро он полакомится аппетитным кусочком рыбки.

Трудно сказать, заметят ли болтливые женщины маленького воришку, решившего извлечь пользу из их долгой беседы. Вполне возможно, что нет. Не исключено, что хозяйка, вернувшись домой, обнаружит обглоданные стейки и поймёт, что сегодня она оставила семью без ужина.

Картину написал голландский художник Николас Мас, прославившийся благодаря своим юмористическим жанровым сценам. Мас считается один из последних представителей Золотого века голландской живописи.

В настоящее время картина «Две болтливые домохозяйки» является частью коллекции Музея Дордрехта в Нидерландах.

Россо Фьорентино (1494-1540). "Ангелочек с лютней". 1518.

Пьер Огюст Ренуар. "В театре» (Премьера)". 1876.

Жак-Луи Давид. «Наполеон на перевале Сен-Бернар I», 1803 г. Холст, масло.Размер:246×231 см. Музей истории искусств, Вена.

Кое-кто считает картину «Наполеон на перевале Сен-Бернар» деревянной и безжизненной, кое-кто – доказательством неспособности Жака-Луи Давида зафиксировать движение. Некоторые видят в ней не искусство, а чистую и незамутнённую пропаганду. Кто-то зубоскалит над её напыщенной монументальностью, а кто-то воспринимает её как своего рода начало финального этапа карьеры автора перед тем, как он официально стал художником-лакеем Наполеона. Но, что бы не говорили (или что бы не сказали ещё), это, возможно, лучший портрет Наполеона Бонапарта, который когда-либо появлялся на свет.

Исторический экскурс

Портрет, созданный за четыре месяца – с октября 1800 года по январь 1801-го – сигнализирует о наступлении нового века. После десятилетия постреволюционного террора и неопределённости Франция вновь начала накапливать силы и влияние. За этим стоял, конечно же, генерал Наполеон Бонапарт, который в 1799 году организовал восстание против революционного правительства (a coup d’état, государственный переворот), назначил себя Первым консулом и фактически стал самым влиятельным человеком в стране (а несколько лет спустя объявил себя императором).

В мае 1800 года он провёл свои войска через Большой перевал Сен-Бернар в Альпах в Италию, захваченную австрийцами, которых разгромил в июне в битве при Маренго. Именно этот эпизод и увековечен в полотне Жака-Луи Давида. Победа французов дала им возможность сблизиться с королём Испании Карлом IV. В знак новых отношений между двумя странами он заказал портрет Наполеона, намереваясь разместить его в Королевском дворце в Мадриде среди изображения других великих военачальников.

Наполеон и портрет

Как известно, Наполеон не слишком содействовал Давиду в создании картины. Он отказывался позировать для неё, утверждая, что: «Никто не знает, похожи ли портреты великих людей на них самих, достаточно того, что их гений живет в этих картинах». Всё, с чем пришлось работать художнику – это более ранний портрет и военная форма, которую носил Наполеон при Маренго. Давиду позировал один из его сыновей, одетый в мундир и сидящий на лестнице. Вероятно, этим можно объяснить юношеское телосложение генерала.

Однако Наполеон не полностью отстранился от процесса. Именно он дал указание художнику написать конный портрет «calme sur un cheval fougueux» («спокойствие на горячей лошади»), что Давид и сделал. В конце концов, как ещё можно было продемонстрировать, что правитель обладать властью, здравым смыслом и самообладанием? Тот факт, что Наполеон на самом деле не руководил переходом войск через Альпы, а последовал за ними пару дней спустя по узкой тропе на спине мула, не имеет значения!

Описание

Как и многие верховые портреты – жанр, который предпочитают правители – «Наполеон на перевале Сен-Бернар» – это символическое изображение власти. Наполеон представлен на вставшем на дыбы арабском жеребце. Перед ним мы видим гору, на заднем плане в тени скал передвигаются французские военные, а дальше вниз по линии развивается триколор – национальный флаг Франции.

Правая рука Бонапарта без перчатки указывает на невидимую вершину, побуждая двигаться вверх скорее нас, а не солдат на расстоянии. Поднятые руки часто встречаются в работах Давида, хотя в данной композиции рука повторяет склон горного хребта. Вместе с линией плаща они создают ряд диагоналей, уравновешенных облаками справа. Общий эффект стабилизирует фигуру Наполеона.

Пейзаж рассматривается как декорация для героя, а не как объект сам по себе. Например, на скале слева внизу имя Наполеона вырезано рядом с именами Ганнибала и Карла Великого – двух других военачальников, которые провели свои войска через Альпы. Давид также использует ландшафт, чтобы усилить то, что он хочет сказать о своём персонаже. С точки зрения масштаба Наполеон и его конь доминируют в живописной плоскости. И если может показаться ьл, что фигура с вытянутой рукой и взмывающим плащом повторяет пейзаж, то в равной степени можно утверждать, что именно ландшафт повторяет Наполеона и в конечном итоге подчиняется его воле. Давид, похоже, полагал, что этот человек, чьи достижения будут жить в веках, может сделать что угодно.

Пять версий

Наполеон был явно польщён. Он приказал написать ещё три версии, а Давид вдобавок создал ещё одну. Отражая широту европейских завоеваний французского правителя, одна была выставлена в Мадриде, две – Париже и ещё одна – в Милане.

Оригинал оставался в Мадриде до 1812 года. После того, как Жозеф Бонапарт – брат Наполеона – отрёкся от испанского престола, он забрал работу с собой в изгнание в Соединённые Штаты. Картина переходила его потомкам до 1949 года, пока Евгения Бонапарт не завещала её музею в Шато-де-Мальмезон.

Версия, созданная для Шато-де-Сен-Клу в 1801 году, спустя 13 лет была изъята прусскими солдатами фельдмаршала Блюхера. Он предложил её Фридриху Вильгельму III, королю Пруссии. В настоящее время полотно находится во дворце Шарлоттенбург в Берлине.

Копия, написанная в 1802 году для Дома инвалидов, была снята и помещена в запасники после реставрации Бурбонов в 1814 году. Но в 1837 году по распоряжению короля Луи-Филиппа была перенесена в организованный им музей в Версальском дворце, где хранится до сих пор.

Холст 1803 года был доставлен в Милан, но в 1816 году его конфисковали австрийцы. Тем не менее, жители города нашли способ задержать его до 1825-го. В 1834 году картину окончательно поместили в венский Бельведер, где она остаётся и по сей день.

Пятый вариант, который хранился в мастерской Давида до его смерти в 1825 году, был выставлен на Базар-Бонн-Нувель в 1846 году. Четыре года спустя дочь художника Полина Жанин предложила его будущему Наполеону III, который повесил портрет во дворце Тюильри. В 1979 году он был передан в музей Версальского дворца.


В 1801 году Давиду получил звание Premier Peintre (первого художника) Наполеона. Можно задаться вопросом, как он относился к этой новой роли. Конечно, Давид боготворил этого человека. «Voilà mon héros» («Вот мой герой»), сказал он своим ученикам, когда генерал впервые посетил его мастерскую. И, возможно, он гордился тем, что помог создавать и сохранять публичный имидж Наполеона. Примечательно, что он поставил подпись и дату на картине «Наполеон на перевале Сен-Бернар» на нагруднике лошади – той части упряжи, которая крепко удерживает седло на месте. Нагрудник также оказывает давление, сдерживая животное, и, проводя параллели и учитывая более поздние масштабные заказы, такие как «Коронация Наполеона», возникает вопрос: не подавлял ли «герой» своим покровительством творческий гений Давида?

Однако в «Наполеоне на перевале Сен-Бернар» искра всё ещё присутствует. Во многом, благодаря, как выразился сам художник, «возвращению к чистому греческому». В этой картине он сформировал архетип, который можно найти на медалях и монетах – мгновенно узнаваемого и бесконечно воспроизводимого героя всех времён.

Лагорио Лев Феликсович. "Залив Золотой Рог". 1883.

Суриков Василий Иванович. "Портрет доктора А.Д. Езерского", 1910. Холст, масло 102 x 76 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Василий Иванович Суриков практически не писал заказных портретов. Круг его моделей – это родные и близкие (мать, брат, жена, дочери), сибирские и немногие московские знакомые художника. Мы редко знаем биографию суриковских моделей, их имена не громки, они не принадлежат к кругу "известных общественных деятелей" или великосветского общества. Письма художника также скупы на биографические подробности о портретируемых. Многие портреты Сурикова до сих пор безымянны, но и те, что имеют имя, сопровождаются весьма скудной информацией об изображенных лицах. (О А.Д. Езерском, мы знаем только, что это московский врач, знакомый семьи Суриковых).

"У Рафаэля есть всегда простота и широта образа, есть человек в очень простых и нещеголеватых чертах". Эти слова Сурикова характеризуют не столько Рафаэля, сколько отношение самого художника к портретированию. Лучшие портреты Сурикова поражают безыскуственностью, полным отсутствием всякой позы. К ним, безусловно, принадлежит и «Портрет доктора А.Д. Езерского». В нем художник опирается на открытия Н.Н. Ге в новаторском для своего времени портрете Л.Н. Толстого. Портретная характеристика не сфокусирована только в чертах лица, глазах, а может быть, явлена в посадке фигуры, в жесте, манере сидеть, работать, читать – эта идея постепенно завоевывает право на существование в русском искусстве. Сама поза Езерского дает возможность при внешнем покое создать впечатление сдерживаемой страстности натуры. Данному впечатлению служит и диагональная композиция портрета, и использование приема "кадровки" – левый край холста "срезает" локоть изображенного.
Сильная рука с проступившими костяшками пальцев, обхватившая подлокотник кресла, нахмуренный большой объемный лоб, сведенные брови, заострившийся крупный нос над поседевшей бородой – своей скульптурной пластикой неожиданно обращают к еще одному вдохновению суриковского портретного шедевра – бронзовому варианту "Ивана Грозного" (1871) М.М. Антокольского. И этот просвечивающий в облике Езерского исторический персонаж в его скульптурном воплощении монументализирует портретный образ и переводит его из регистра сиюминутного в регистр исторического времени.

Поленов Василий Дмитриевич. "Река", 1899. Холст, масло. 32 x 44 см/ Севастопольский художественный музей им. П.М.Крошицкого/

Репин Илья Ефимович. "Лунная ночь. Здравнево", 1896. Холст, масло. 143 x 90 см. Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск.

Шишкин Иван Иванович. "Кама", 1882. Холст, масло 104 x 181 см. Частное собрание.

Коровин Константин Алексеевич. Морской берег в Дьеппе. 1890.

Серов Валентин Александрович. "Портрет композитора Н.А.Римского-Корсакова", 1898. Холст, масло. 94 x 111 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Крамской Иван Николаевич. «Портрет неизвестной (Баронесса Л.Г.Гинцбург(?))», 1881. Холст, масло 91 х 71 см. Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

Маковский Константин Егорович. "Каирский двор". 1873. Холст, масло 23,5 x 73. Государственный Русский музей.

Маковский Владимир Егорович. "На пароходе". 1902.

Саврасов Алексей Кондратьевич. "Пейзаж с болотом и лесным островом", конец 1860-х-начало 1870-х. Холст, масло 70 х 98 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Верещагин Василий Васильевич. "Высматривают", 1873. Холст, масло 81 х 103 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Крыжицкий Константин Яковлевич. "Лес", 1900.. Бумага, акварель. 24 x 34 см. Частное собрание.

Колесников Степан Федорович. "Весна. Март", 1914. Холст, масло. 70 x 100 см. Горловский городской художественный музей, Донецкая обл..

Ендогуров Иван Иванович. "Ранняя весна", 1885. Холст, масло. 74 x 105 см. Госудаpственный Владимиpо-Суздальский истоpико-аpхитектуpный и художественный музей-заповедник.

Остроухов Илья Семенович. "Двор зимой", 1920. Картон, масло 42,8 х 33 см. Краснодарский краевой художественный музей имени Ф.А. Коваленко.

Гелий Коржев "Влюбленные"

Вася Ложкин "Мы — одна команда"

Антон Лосенко. «Жертвоприношение Авраама». 1765 г. Холст, масло. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург.

Юлий Клевер. «Осень в лесу»

Сегодня день рождения пейзажиста-мариниста Клода Жозефа Верне (1714—1789).
«Портрет К.Ж.Верне». 1778 г. Холст, масло. 92х72см. Лувр.

Теун Хокс (род. 1947).

Марк Шагал. «Праздник Кущей». 1916 г. Гуашь.

14 aвгуcтa 1875 гoда рoдился худoжник-живoпиcец, мacтер гoрoдcкoгo пейзaжa, учacтник твoрчеcкoго oбъединения «Мир искуccтвa», худoжеcтвенный критик, мемуaриcт, приверженец cтиля модерн и cимвoлизм - Мcтиcлaв Вaлериaнович Добужинский.
"Провинция. Воронеж", 1912. Бумага, картон, акварель 40×34 см. Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского, Воронеж.

Гелий Коржев "Голубой огонек"

Гелий Коржев "Егорка-летун"