Живопись

Брайтон Ривьер. "Даниил во рву львином". 1872.

Британец Брайтон Ривьера родился в Лондоне, учился в двух колледжах (Челтнеме, где преподавал его отец Уильям, и Оксфорде, где отец Уильям также засветился по работе) и экспонировался не абы-где, а в Королевской Академии. В начале карьеры Брайтон пробовал разные сюжеты – война с Испанией, Ромео и Джульетта – но пришел в конце концов к разнообразным зверям. Художник был уверен, что для идеального изображения животного нужно максимально хорошо его узнать, только тогда получится реально классно. Но со львами, в отличие от собачек, такого близкого знакомства не провернешь, поэтому пришлось писать с мертвой натуры. И с живой, но через забор в зоопарке.

Эту картину использовала Лондонская пост-панк группа The Sound в 1981 году. Советую к прослушиванию. Альбом прекрасен так же, как и полотно.

Гелий Коржев "Осень прародителей" (Адам и Ева).

Алексей Степанович Степанов. «Лоси», 1889 г. Холст, масло. Размер: 47.8 × 80.8 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Анималист, мастер пейзажа, член Товарищества передвижных художественных выставок и Союза русских художников, Алексей Степанов уже через несколько лет после окончания Училища живописи, ваяния и зодчества стал его преподавателем. Еще при жизни художника его картины выставляли в Третьяковской галерее, Институте Карнеги в Нью-Йорке, на Всемирной выставке в Париже.

Михаил Нестеров вспоминал: «Степанов был лучшим анималистом после Серова». Художник использовал, как правило, серые и коричневые оттенки, как на одной из известных его картин «Лоси».

Холод не является проблемой для лосей, а вот недостаток пищи может заставить их выходить ближе к людям. Именно этот момент вынужденной миграции передал Степанов на своей картине. Несмотря на монохромность, она выглядит лиричной. Лосиная семья изображена трогательно и по-настоящему живо, будто животные вот-вот сорвутся с места. Художнику удалось чутко ухватить настроение пасмурного зимнего вечера, передать его скромную красоту.

Антонелло да Мессина. «Мертвый Христос, поддерживаемый ангелом», 1475-1479 г. Холст, масло. Размер: 74x51 см. Музей Прадо, Мадрид.

Задний фон картины «Мертвый Христос, поддерживаемый ангелом», озарен светлым сиянием. Вдалеке виднеется родной город Мессины. Художник отчетливо вырисовывает фигуры главных действующих лиц. Лицо Ангела, поддерживающего умершего Христа, выглядит очень печальным. Его глаза потемнели, покраснели веки, искривилось личико, и он не смог сдержать две почти невидимые слезы, оставившие влажные следы. Христос мертв; светлое небо лишь подчеркивает скорбь держащего его ангела.

Автор картины - Антонелло да Мессина (около 1430-1479) видный представитель южной итальянской школы эпохи раннего Возрождения. Живописцу свойственны высокая техническая виртуозность, тщательная проработка мельчайших деталей, внимание к глубине фона и монументализму форм. Учитель Джироламо Алибранди, прозванного «мессинским Рафаэлем».

Константин Егорович Маковский (1839- 1915). «От дождя».

Корнелиу Драган-Тырговиште (род. 1956).

Анри Бива (1848-1928). «Пруд дю Буа», холст, масло, частная коллекция.

Анри Бива — французский художник из барбизонской школы, группы художников, действовавшей между 1825 и 1875 годами, которые хотели работать с натуры, изображая мирную и тихую сельскую местность вокруг леса Фонтенебно. Стиль членов барбизонской школы, среди которых есть такие художники, как Жан-Франсуа Милле, Теодор Руссо или Шарль-Франсуа Добиньи, находится под сильным влиянием стиля британцев Джона Констебла и Джозефа Уильяма Мэллорда Тернера. Сама барбизонская школа оказала большое влияние на уличную тематику импрессионистов.

Карл Мартин Август Шплитгербер (1844–1918). «Ночной дозор», холст, масло, 47 x 30 см.

Герман Корроди (1844-1905). "Руины на закате".

Художник Екатерина Калиновская (живет и работает в Санкт-Петербурге)

Владимир Тупоршин (род. 1960). "Цикорий", акварель, 36x52 см.

Лев Феликсович Лагорио. "Вид на Понтийских болотах", 1860 г.

Грант Вуд «Американская готика», 1930 .

На этой картине мы видим мужчину и женщину, которые стоят на фоне деревянного дома. Герой сюжета держит вилы в крепко сжатом кулаке, а его спутница задумчиво смотрит вдаль. Давайте попробуем разобраться, кто же эти люди и почему они выглядят так странно.

Картину создал американский живописец, прославившийся сюжетами, посвящёнными сельской жизни американского Среднего Запада. Но самой популярной его работой стала «Американская готика», которую по уровню культурной значимости без преувеличений можно сравнить с «Моной Лизой» да Винчи и «Звёздной ночью» Ван Гога.

Идея полотна пришла к художнику, когда он увидел небольшой особняк в неоготическом стиле в американском городе Элдоне (южная Айова). белый деревянный домик так понравился Вуду, что тот сразу же решил воплотить его на холсте (а, точнее, на доске).

Чтобы дополнить картину, живописец решил добавить на неё людей, которые, по его предположению, могли бы жить в этом коттедже. То есть на самом деле, их никогда не существовало, фермеры созданы исключительно благодаря фантазии художника.

Для изображения женщины позировала сестра художника Нэн, а натурщиком для мужчины стал зубной врач Байрон Маккиби. Людей и дом мастер писал по отдельности, то есть той сцены, какую мы видим на картине, никогда не было в действительности.

«Американская готика» была отправлена художником на конкурс в Чикагский институте искусств, однако судьи оценили её как «юмористическую валентинку». Полотно спас хранитель музея, который убедил жюри выдать Вуду приз $300 и купить эту картину. На сегодняшний день эта работа остаётся частью коллекции этого института.

«Американская готика» очень быстро приобрела популярность, поскольку её репродукцию опубликовали различные популярные издания. Однако жители штата Айова приняли картину на свой счёт и очень разозлились на то, как художник представил их. Одна фермерша даже угрожала откусить автору ухо.

Гранту Вуду пришлось оправдываться перед местными жителями, что он писал собирательный образ американцев, а вовсе не карикатуру на обитателей Айовы.

Жена или дочь?

Интересным моментом стала интерпретация того, кем являются друг другу герои картины. Часто можно увидеть такое мнение, что на полотне изображён фермер и его дочь, однако на самом деле эту версию придумала сестра художника Нэн, которая была натурщицей для этой героини.

Изначально Вуд писал супружескую пару, однако Нэн была недовольна тем, что её «муж» гораздо старше её, поэтому акцентировала внимание на том, что на картине изображены отец с дочерью, а не супружеская чета. Сам художник эту версию не поддерживал, но и не отвергал.

Конечно, если первый раз смотреть на картину и не читать никакие описания, то не возникает сомнений в том, что перед нами именно фермер и его жена. Вуд намеренно состарил лицо своей сестры, чтобы придать фермерше большей реалистичности.

«Американская готика» нашла широкое отражение в американской культуре и стала одной из самых пародируемых картин. Во времена Великой депрессии она стала символом несломленного американского духа и незыблемых американских ценностей.

Дом-прототип «Американской готики»

Николай Богатов «Пасечник», 1875.

На этой картине художник изобразил колоритного старичка-пасечника, который сидит возле своих ульев в тишине и покое, читая книгу. Прекрасная и умиротворяющая летняя атмосфера даёт нам полностью насладиться всей красотой пейзажа.

Этот почти сказочный персонаж картины «Пасечник» лишён всякой суеты. Он никуда не торопится, находясь в полной гармонии с природой и своими подопечными.

Как известно, пасечники чаще всего были отшельниками и жили вдалеке от людей, ведя довольно аскетичный образ жизни. Работа с пчёлами считалась богоугодным делом. Аскеты и пустынники питались «мёдом и акридами», что признавалось особо богоугодным.

Особого внимания на картине заслуживают ульи, сделанные из стволов деревьев. Крышей для них служила кора, на которую сверху клали камень для защиты от ветра.

Тропинка на картине «Пасечник» как бы разделяет пейзаж на две части: пчелиный «городок» и место присутствия человека. Чувствуется, что пасека является смыслом жизни старичка, даже несмотря на его преклонный возраст. Оптимистический настрой картины передаётся светлыми красками солнечного летнего дня.

В настоящее время полотно является частью коллекции Музейного комплекса им. И. Я. Словцова в Тюмени.

Адриан Волков «Обжорный ряд в Петербурге», 1858.

На этой картине художник изобразил так называемый Обжорный ряд — место торга готовой едой для простонародья. Обжорный ряд находился в центральной части города Петербурга — на Никольской площади, куда его перенесли в 1880-х годах с Сенного рынка. Однако картина Волкова написана в 1858 году, поэтому на ней мы видим старый Обжорный ряд, находящийся ещё на Сенном рынке.

Обед в обжорном ряду обходился в 5 копеек ( примерно 88 современных рублей) при том, что заработать чернорабочий в то время мог до 40 копеек (700 рублей) в день. На обед обычно брали хлеб за 2 копейки (35 рублей) и щековину с бульоном за 3 копейки (примерно 50 рублей).

Обычно покупатель, подойдя к дымящейся жаровне и глядя на плавающие куски щековины, печёнки и колбаски, говорил, что ему надо.

— Щековины на копеечку!

— Печёнки на копеечку!

— Колбаски на копеечку!

Торговля в обжорном ряду начиналась в 6 часов утра и заканчивалась к 10 часам вечера. Пики посещаемости приходились на обеденное время и вечернее время. По вечерам балаганы освещались свечами в фонарях, прикреплённых к стене.

В 1858 году за картину «Обжорный ряд в Петербурге» Волков получил Малую золотую медаль Академии художеств, а в 1861 году — звание классного художника. В настоящее время полотно хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

Судковский Руфин Гаврилович (1850–1885). "Утёс при лунном свете".

Дмитрий Евтушенко (род. 1975). "Почтовые ящики".

Эван Уилсон (род. 1953).

Мастерство - фантастическое...

Марк Шагал. «Невеста с веером». 1911 г. Холст, масло.

Винсент Ван Гог. «Портрет папаши Танги». 1887 г. Холст, масло. Музей Родена. Париж.

Борис Григорьев. «В парижском кафе». 1917 г.

Сальвадор Дали. «Вечерний призрак». 1930 г.

14 aвгуcтa oтмечaетcя cветлый прaздник Медoвый Cпac!

Маковский Александр Владимирович. "На пасеке", 1916. Холст, масло. Самарский областной художественный музей.

Шишкин Иван Иванович. "Пасека в лесу", 1876. Холст, масло. 80 x 64 см. Новгородский государственный объединенный музей-заповедник.

Киселёв Виктор Васильевич. "На пасеке", 1964. Холст, масло 70 х 90 см. Ульяновский областной художественный музей.

Волков Ефим Ефимович. "Пасека", конец XIX века. Холст, масло 45 х 62 см. Рязанский государственный областной художественный музей им. И.П. Пожалостина.

Крамской Иван Николаевич. "Пасечник" 1872. Холст, масло. 63 x 49 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Левитан Исаак Ильич. «Пасека», 1887. Папье-пелле, акварель, графитный карандаш, белила. 22 x 34 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Шишкин Иван Иванович. «Пасека», 1882. Холст, масло 64 х 46.5 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Главные черты, которые И.И. Шишкин сам отмечал в своем характере, были честность и прямота. Действительно, он достаточно рано определил свой путь в искусстве и всегда прямолинейно заявлял творческую позицию. Избрав центральной темой художественной деятельности пейзаж, художник оставался верен своему выбору до конца жизни. Неутомимый труженик, он постоянно совершенствовался не только в технике масляной живописи, но и создавая рисунки карандашом, пером и тушью, работал в технике офорта.

Небольшая картина «Пасека» создавалась в эмоционально тяжелый для автора период. В 1881 году он потерял новорожденную дочь, а затем и свою вторую жену – художницу Ольгу Лагоду-Шишкину. Какое-то время Шишкин не мог работать и пытался заглушить душевную боль вином. Но постепенно тяга к творчеству вернула художника к жизни. В небольшой картине из собрания Третьяковской галереи словно звенит мотив одиночества. Стволы срубленных деревьев и сломанные ветви, лежащие на первом плане, воспринимаются как приметы неухоженности и заброшенности старой пасеки в лесной глуши. Лишь уголок облачного неба с летящей стайкой птиц дарит зрителю надежду на незримое присутствие в пейзаже человека.

Картина Ивана Шишкина созвучна многим литературным произведениям русских писателей и поэтов второй половины XIX века. Она словно иллюстрирует строки из «Записок охотника» Ивана Тургенева: «…когда невыносимый полуденный зной заставил нас искать убежища, он (Калиныч) свел нас на свою пасеку, в самую глушь леса. Калиныч отворил нам избушку, увешанную пучками сухих душистых трав, уложил нас на свежем сене, а сам надел на голову род мешка с сеткой, взял нож, горшок и головешку и отправился на пасеку вырезать нам сот. Мы запили прозрачный теплый мед ключевой водой и заснули под однообразное жужжание пчел и болтливый лепет листьев». Поэтическим чувством искренней любви к родной, до боли знакомой природе проникнуто каждое произведение великого пейзажиста.

Графические этюды и наброски к картине находятся в Государственном Русском музее. Мотив, ставший основой для картины, ранее был использован Шишкиным в работе «Пасека в лесу» (1876, Новгородский государственный художественный и архитектурный музей-заповедник).

Шильдер Андрей Николаевич. «Пчельник», 1894. Холст, масло. 33.5 x 53.5 см. Нижегородский художественный музей.

Маковский Николай Егорович. «Пасека», 1882. Холст, масло. 71 x 52 см. Харьковский художественный музей.

Пабло Пикассо. «Портрет женщины в зеленой шляпе», 1947 г. Холст, масло. Размер: 92 х 73 см. Собрание Герберта и Риты Батлинер, Вена, Австрия.

Лагорио Лев Феликсович (1826-1905). "Вид на взморье".

Карикатура из журнала "Крокодил".