Живопись

Огюст Ренуар. «Бал в Мулен де ла Галет». 1876 г. Масло, холст. Музей Орсе. Париж. Франция.

Борис Вальехо. «Кот в зеркале времени». 2004 г.

Павел Чистяков. «Мальчик-итальянец». 1867 г. Бумага, акварель. 29,1х21. Ульяновский художественный музей.

Аксели Галлен-Каллела«Ковка Сампо», 1893 г. Масло на холсте. Национальная галерея, Хельсинки.

Сампо является ключевым элементом сюжета финской эпической поэмы "Калевала", составленной в 1835 году (и дополненной в 1849 году) Элиасом Леннротом на основе финской устной традиции.

Во второй расширенной версии поэмы Сампо выковано легендарнымкузнецом Ильмариненом для выполнения задания, поставленного королевой ведьм ПохьолыЛоухи в обмен на руку ее дочери.

"Ильмаринен, достойный брат,
Ты единственный искусный кузнец,
Иди и посмотри на ее удивительную красоту,
Посмотрите на ее золотые и серебряные одежды,
Посмотрите на нее, облаченную в лучшие одежды,
Посмотрите, как она сидит на радуге,
Хождение по облакам пурпурного цвета.
Выковать для нее волшебное Сампо,
Выковывайте крышку во многих цветах,
Твоей наградой будет дева,
Ты завоюешь эту невесту красоты;
Иди и приведи прекрасную девушку
В твой дом в Калевале

Дэниел Ф. Герхарц.

Джон Нил Роджерс (1941 г.р.)

Натюрморты художника Сергея Сергеевича Тутунова.

Исаак Ильич Левитан (1860-1900). "Русская деревня", 1880-е.

Франц Ксавер Винтерхальтер (1805-1873). "Портрет Варвары Римской-Корсаковой", 1864 г. Музей Орсе, Париж.

Колин Кэмпбелл Купер. "Бассейн с лотосами", 1922 г.

Юрий Арсенюк.

Натюрморт кисти художника Юрия Демьянова.

Ольга Кузьмина/ "Натюрморт с рябиной и венским стулом", 2022 г. Холст, масло, 70 х 60 см.

Иван Фёдорович Шультце (1874–1939). "У Лофотенских островов в июне", 1911 г.

Валерий Копняк (род. 1982).

Дэвид де Гранж, «Семейство Солтонстолл», 1636.

На этой картине мы видим мужчину, двух женщин и троих детей. Вроде бы это обычная семья, но с первого взгляда в глаза бросается какая-то странность. Кажется, что в этой семейной идиллии что-то не так. На самом деле история этого полотна рассказывает нам, что и в правду здесь не так всё просто, как кажется.

Картина называется «Семейство Солтонстолл». Она была написана в 1636 году, а её авторство традиционно приписывают Давиду де Гранжу, который также известен как создатель портретных миниатюр.

Считается, что на картине изображен сэр Ричард Солтонстолл (1595–1650) из графства Оксфордшир со своей семьей. Сэр Ричард овдовел в 1630 году, а в 1633 году женился во второй раз на даме по имени Мэри Паркер.

В 1636 году Ричард Солтонстолл решил заказать семейный портрет, но не придумал ничего лучше, как запечатлеть на нём обеих своих жён — живую и покойную. Современному человеку такое изображение семьи может показаться довольно странным, однако в те время это не было редкостью.

Бледная фигура в постели, скорее всего, является посмертным портретом его первой жены Элизабет Басс.

Женщина указывает ослабшей рукой на двоих дети, давая зрителю понять, что это её дети. Мальчик и девочка держат за руки друг друга и своего отца, образуя цепочку как привязанности, так и семейного единства. Мальчик — старший ребёнок, а в платье он одет потому, что в то время мальчики начинали носить бриджи только в возрасте шести или семи лет.

Странной деталью кажется то, что сэр Ричард Солтонстолл даёт умершей жене свою перчатку, снятую с руки. В средневековье рыцарь, отдающий перчатку с правой руки, считался вассалом того, кому вручал «залог». Вообще в то время перчатки были символом чести и достоинства, поэтому, возможно, Ричард так выражает чувство долга и благодарности по отношению к первой жене.

Ещё можно заметить, что "живой" рукой без перчатки он держит детей, а рукой в перчатке даёт другую перчатку ушедшей жене, что как бы разделяет живых и мёртвых.

Женщина, сидящая справа — это вторая жена Ричарда. Молодая Мэри Паркер держит на своих руках младенца, который, скорее всего, является одним из её сыновей. Это либо Джон, который родился в 1634 году, но умер почти сразу, либо Филипп, который родился в 1636 году. Большинство искусствоведов склоняются к тому, что на картине изображён второй сын Мэри.

Интересный момент: обе жены очень похожи между собой. Такое впечатление, что они сёстры, хотя на самом деле таковыми не являлись. Причём живая жена выглядит старше.

Красные драпировки большой кровати символизируют богатство и высокий статус, что не является случайностью, ведь род Солтонстолл был знатным и зажиточным. Слева и справа от кровати видны края богатого гобелена на стене — снова знак богатства.

Смешение фигур мёртвых и живых на картине перекликается с традициями погребальных памятников XVI и XVII веков, где скульптура супруга могла быть поставлена рядом со скульптурами его первой и второй жён, и все они сопровождались скульптурами живых и умерших детей.

Виктор Васнецов «За водой», 1880.

Мы привыкли видеть на картинах Васнецова сказочные сюжеты, но он также написал немало сцен из быта простых крестьян. Одним из таких является произведение «За водой». На нём мы видим простую девушку, которая идёт по тропинке через берёзовую рощу. Позади неё остались тонкие молодые деревца.

Героиня картины – простая крестьянка. Она изображена с босыми ногами, в белой рубашке и сарафане синего цвета. Девушка выполняет свою повседневную работу — носит воду из реки через лес. Дорога ей хорошо знакома, известен каждый кустик, но в этот раз, кажется, что-то испугало её.

Несмотря на то, что сюжет картины бытовой, от него веет сказочностью и таинственностью. Так и кажется, что из-за берёз выглянет леший или пролетит на ступе Баба Яга. Может кого-то из них и увидела вдалеке крестьянка, а может быть её просто напугал лесной зверь.

Картина написана в духе лучших работ Васнецова, и неизменно привлекла к себе внимание его современников. Творчество этого художника могло вызывать резкую критику или восторг, но никогда не оставляло равнодушным. Каждый из представителей всевозможных течений мог найти в его искусстве что-то близкое для себя: одни ценили его как выдающегося жанриста, другие видели в нем «провозвестника нового направления в религиозной живописи», кому-то он был близок за обращение к корням, а кто-то считал его родоначальником русского модерна. В любом случае, вклад его в развитие русского искусства не подлежит сомнению.

Сергей Васильевич Нечитайло «Лето в деревне», 1985.

На этой картине художник изобразил русоволосую девочку, сидящую на подоконнике деревенского дома. Из окна открывается прекрасный вид на сочный зелёный луг, полноводную прозрачную реку и густой завораживающий лес.

Судя по названию картины, маленькая героиня приехала на лето из города к любимой бабушке. Скорее всего, она уже успела освоиться и найти друзей. Всё для неё здесь стало родным и знакомым.

Подоконник деревенского дома стал любимым наблюдательным пунктом девочки. Прекрасный вид раскрывается её взору, позволяя рассмотреть всё до мельчайшей детали.

Яркая одежда девочки выделяется на фоне умиротворенного деревенского пейзажа и контрастирует с белой оконной занавеской, переброшенной на верёвочку. При этом каждая деталь полотна подчеркивает гармонию человека и природы.

Героиня сидит спиной к зрителю, поэтому мы не видим выражения её восторженных глаз, но отчетливо чувствуем волнение её души. Многие из тех, кто отдыхал в деревне летом, могут узнать в этой девочке себя.

Сеймур Жозеф Гай (1824-1910). «Подвал с привидениями».

На этой картине мы видит четверых детей. Двое из них стоят у входа в подвал, а двое уже спустились туда, но их как будто что-то напугало и они спешат выйти обратно.

Вероятно, гуляющие дети обнаружили вход в старый подвал. Из любопытства они решили заглянуть туда. Мальчик с девочкой, которые посмелее и более движимые любопытством, отважно спустились в тёмное помещение. На всякий случай паренёк прихватил с собой палку, которую мы можем видеть у него в руке.

Другие же дети, вероятно брат и сестра, не решились спускаться и остались ждать своих друзей и у входа.

Однако идея исследовать подвал оказалась не самой лучшей. Уже вначале путешествия дети увидели там нечто странное и пугающее.

Картина называется «Подвал с привидениями», следовательно ребятишки увидели нечто, похожее на призрака. Девочка в шляпке так испугалась, что сразу же бросилась вон из подвала. Но при этом она не может оторвать взгляд от пугающего явления.

Мальчик же не спешит выбегать из подвала. Видимо необъяснимое явление или сущность его не только напугала, но и заинтересовала. Он крепко сжимает в руке свою палку и пытается разглядеть таинственное явление.

Дети, стоящие рядом с подвалом, тоже не торопятся убегать. Чувство любопытства пересиливает страх. Девочка в жёлтом платье вглядывается в темноту, чтобы понять, что же так напугало друзей.

Художник намеренно не показал, что же такое увидели дети, чтобы заинтриговать зрителя. Задумка художника удалась, картина выглядит несколько тревожно и заставляет зрителей переживать за детей, находящихся в подвале.

Художник Сеймур Джозеф Гай любил рисовать жанровые сцены с участием детей. Живописец имел 9 детей, поэтому часто использовал своих отпрысков в качестве моделей.

Альфред Веруша-Ковальский (1849-1915).

Джон Мур (1820-1902). "Замок Линдисфарн и аббатство, Святой остров, при лунном свете", 1877 г.

Рене Грюо (1909-2004) - иллюстратор французской моды, создавал образы для К. Диора, Ив-Сент Лорана, К. Баленсиага и других домов моды. Иллюстрации Грюо не просто рисунки, а шедевры, которые сегодня продаются на аукционах за баснословные деньги...

Петер Мёрк Мёнстед (1859-1941). "Лес с весельными лодками и курами". Холст, масло. 62 х 47 см. 1935 г.

Камиль Писсарро. «Итальянский бульвар. Утро. Солнечно». 1897 г. Национальная галерея искусства. Вашингтон. США.

Питер Пауль Рубенс. «Пейзаж с замком» (Парк и замок Стен), 1635 г. Дерево, масло. Размер: 52,7х97 см. Музей истории искусств, Вена.

Мастерство Рубенса-пейзажиста будет оценено лишь в начале XIX века, когда его картины природы признают достойным для подражания образцом и станут копировать многие европейские художники. В частности, англичанин Джон Констебл, который назвал Рубенса "отцом современного пейзажа”.

Так и картина «Пейзаж с замком» по своим художественным достоинствам принадлежит к изумительным пейзажам Рубенса.

Независимо от того, какие темы поднимает в своих произведениях Рубенс — мифологические ли, религиозные или исторические, пишет ли он жанровые сцены или представляет аллегории, — самым излюбленным его мотивом является человек. Вот почему в течение многих лет, получая заказы на пейзажи, он поручал их исполнение кому-нибудь из своих учеников. Той же участи удостаивались и натюрморты.

Лишь в конце жизни мастер немного меняет свое отношение к традиционно «безлюдным» жанрам. И если «мертвую натуру» он не приемлет по-прежнему (специалисты утверждают, что автором натюрморта с картины «Крестьянская свадьба» является ученик или помощник мастера), то пейзаж представляет для него определенный интерес. Рубенс охотно изображает картины природы — как с фигурами людей, так и без них, и вышло так, что последний период его творчества можно условно назвать «пленэрным».

Подобное изменение художественных предпочтений было связано с переменами в личной жизни мастера. Женитьба в 1630 году на шестнадцатилетней Елене Фоурмен стала новым этапом его жизни, исполненным безмятежного семейного счастья. Рубенс приобретает поместье, включающее замок Стен (отсюда еще одно название этого периода — «стеновский»).

Разочаровавшись в придворной карьере и дипломатической деятельности, художник наконец целиком отдается творчеству. Живописные окрестности замка стали для его детей местом ежедневных прогулок, а для него самого — неисчерпаемым источником мотивов.

Один из приятелей художника вспоминал: «Хотя Рубенс и любил приезжать сюда с семьей, но все же ему больше нравилось оставаться здесь одному и писать эти холмы и низины, леса и поля в любое время суток и в любую погоду, не тревожась ни о чем и ни на что не отвлекаясь. Разве это не счастье для обремененного семейными заботами творца?»
Старательно работая над пейзажами на пленэре, в домашней мастерской художник давал волю своей фантазии. Ярким подтверждением может служить представленная здесь картина под условным названием «Пейзаж с замком», на заднем плане которой мы видим вполне реальную картину природы, а на переднем — вымышленную жанровую сцену, исполненную, как говорится, по всем законам этого жанра. Здесь и острая характерность персонажей, и мощная экспрессия, и оживленное движение...

Иштван Чок (1865 - 1961). "Сборщики сена".

на одной странице - повтор.
это перебор

Замена.
Абрам Ефимович Архипов. "Сосны на закате".

Корейский художник Джи-Хук Ким.

Игорь Белковский. «Гроза прошла». 1997 г.

Альфред Сислей. «Снег в Лувесьенне». 1878 г.

Александр Лабас. «Первый советский дирижабль». 1931 г. Эскиз.

Серебрякова Зинаида Евгеньевна (1884 - 1967). «Девочки-сильфиды», 1924. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Кaртинa «Дeвoчки-сильфиды» oтнoсится к тaк нaзываeмому «бaлeтнoму циклу» Сeрeбряковой. Имeннo в этo врeмя худoжницa нaчaлa aктивнo рaбoтaть пaстeлью, и в этoй рaбoтe, нaписaнной мaслoм, тoжe eсть нeчтo «пaстeльноe». Вся aтмoсфeра кaртины кaк бы сoстaвлeнa из шoрoха бaлeтных юбoчeк и тюлeвых крыльeв дeвoчeк-сильфид, из смeха и шёпoта, из рaдoстно-нeрвичeскoгo вoзбуждения пeрeд выхoдoм на сцeну.

Одна из дочерей художницы (Тата,если не путаю) занималась балетом, поэтому Серебрякова имела возможность писать за кулисами. Есть прекрасный портрет А.Д.Даниловой и Г. М.Баланчивадзе (впоследствии Баланчина).

Уильям Чейз. "Первок прикосновение осени". 1898).

Успели ли вы уже ощутить первое прикосновение осени: этот мягкий золотистый свет, эти первые опадающие листочки? Вот и американский мастак Уильям Чейз в своё время ощутил и передал – вроде бы ещё лето, но всё уже начало меняться. Фан факт: Уильям Чейз – один из основоположников американского импрессионизма и очень любил писать такие вот просторные пейзажи.