Живопись

Кирилл (Карл) Лемох. «Две крестьянские девочки». 1892 г. Холст, масло. Частное собрание.

Поль Серюзье. «Купальщицы с белым покрывалом». 1908 г. Холст, масло. Музей Орсе. Париж. Франция.

Архип Куинджи. «Ночное». 1905—1908 гг. Холст, масло. 107×169 см. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург.

Николай Фешин. «Дама за маникюром (Портрет мадмуазель Жирмонд)». 1914 г.

Аполлинарий Васнецов «Озеро». 1902 г. Холст, масло. 124,2х211 см. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Фёдор Васильев. «После дождя. Просёлок». 1869 г. Холст, масло. Государственный Русский музей. Санкт-Петербург.

Николай Сергеев. «Ночью в степи». 1889 г. Омский областной музей изобразительных искусств им. М.А.Врубеля.

Гюстав Кайботт. «Улица Халеви, вид с шестого этажа». Масло, холст. 60 x 73 см. Частная коллекция.

Жорж-Пьер Сёра. «Рыбак». 1884 г. Масло, дерево. Художественная галерея Йельского университета. Коннектикут. США.

Исаак Левитан. «Солнечный день». 1877 г. Холст, масло. Частное собрание. Москва.

Шильдер Андрей Николаевич (1861 - 1919). «Пейзаж», 1887. Холст, масло. 95 x 140 см. Херсонкий областной художественный музей им. А.А. Шовкуненко.

Подляский Юрий Станиславович. "Летом", 1949. Холст, масло 66,5 x 51,2 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Поленов Василий Дмитриевич (1844 - 1927). «Пруд в Абрамцеве», 1883. Холст, масло 68 х 101,3 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина «Пруд в Абрамцеве» была создана Василием Поленовым по этюду «Верхний пруд в Абрамцеве» (1882, Музей-заповедник «Абрамцево»), написанному в подмосковном имении Саввы Мамонтова. По словам Всеволода, сына хозяина усадьбы, – «Василий Дмитриевич Поленов был одним из самых близких старинных друзей моего отца… Объединяла их одинаково бескорыстная любовь к искусству во всех видах его проявления». В деятельности организованного Мамонтовым сообщества художников, названного позже Абрамцевским кружком, Поленов играл ведущую роль. Он принимал самое активное участие в постановке домашних спектаклей сообщества и в деятельности антрепризы Мамонтова, Русской частной опере, сыгравшей важную обновляющую роль в развитии музыкального и драматического театров в России. Вместе с Виктором Васнецовым Поленов был автором проекта церкви Спаса Нерукотворного в Абрамцеве, положившей начало неорусскому стилю в архитектуре русского модерна. Собственно, ни одно художественное начинание кружка не обходилось без участия в нем Поленова.

Частый гость Мамонтовых в Москве, художник любил приезжать в Абрамцево на пленэры. Здесь он нашел близкую ему своей скромной красотой природу. Абрамцевская усадьба и ее окрестности вошли в десятки этюдов и пейзажей, написанных Поленовым. В них та же умиротворенность, та же память о старом патриархальном быте, которую пробуждала в мастере бывшая аксаковская, а ныне мамонтовская усадьба, то же настроение, что и в его картинах «Московский дворик» (1878), «Бабушкин сад» (1879). Но в абрамцевских пейзажах появились и новые интимно-лирические связи художника и природы, раскрывающиеся уже без «посредничества» персонажей картины. Тихая и естественная жизнь людей, их скромное бытие, близкое природе средней полосы России, вызывало своим настроением умиротворенно-радостное чувство причастности к красоте окружающих пейзажей. И Поленов поэтически проникновенно выразил это настроение. От картины веет ощущением покоя и гармонии. Одновременно она вызывает элегически-философские размышления над самим смыслом существования.

В марте 1883 года картина была представлена Поленовым на XI выставке Товарищества передвижников, получив массу положительных отзывов художественных критиков и зрителей.

Айвазовский Иван Константинович. "Вид моря с гор. Крым", 1864. Холст, масло. 122 x 170 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Дубовской Николай Никанорович. «Радуга», 1892. Холст, масло. Национальный художественный музей Республики Беларусь, Минск.

Левитан Исаак Ильич. "Речка", 1888. Этюд для картины "Осень. Мельница. Плес" (1888, ГТГ). Холст на картоне, масло. 22 x 32 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Огюст. Ренуар. "Девушка, вяжущая крючком". 1875. Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Вильямстаун.

Диего Веласкес «Продавец воды в Севилье» (1623). Холст, масло. 81 x 106,7 см. Эпсли-хаус, Лондон, Великобритания.

Ив Кляйн. Рождение Перформанса

Ив Кляйн (фр. Yves Klein; 28 апреля 1928, Ницца, — 6 июня 1962, Париж, Франция) — французский художник-новатор, одна из наиболее значительных фигур послевоенного европейского искусства, один из родоначальников перформанса.

Творчество

Хотя Кляйн начал создавать монохромные работы ещё в 1949 году, а показал их впервые в 1950-м, первая демонстрация широкой публике состоялась в 1955—1956: в Club des Solitaires (1955) и в Gallery Colette Allendy (1956). На этих выставках были представлены оранжевые, жёлтые, красные, розовые и синие монохромные полотна. Кляйн был разочарован реакцией публики, которая восприняла окрашенные одним цветом холсты как вид яркой абстрактной интерьерной живописи. С этого момента он решил использовать только синий цвет. Следующая выставка «Proposte Monochrome, Epoca Blu» в Gallery Apollinaire, Милан, январь 1957 года, включала 11 одинаковых синих холстов, окрашенных пигментом ультрамарин разведенным с синтетической смолой «Rhodopas». Обнаруженный с помощью дилера Эдуарда Адама, эффект заключается в том, что сохранялась яркость пигмента, который, как правило, становился тусклым, когда использовался с льняным маслом. Кляйн позднее, в мае 1960 года, даже запатентовал этот рецепт. Формула включала в себя определённое количество «Rhodopas MA», состоящего из этилового спирта и этилового ацетата. Изменяя концентрацию пигмента и типа растворителя, краски могут быть применены с помощью кисти, валика или распыления. Этот цвет, напоминающий ляпис-лазурь, которую использовали в средневековой живописи, стал знаменитым «международным синим цветом Кляйна» (англ. International Klein Blue, IKB, шестнадцатеричный код #002FA7). Выставка получила положительный отклик критиков и имела коммерческий успех, была показана затем в Париже, Дюссельдорфе и Лондоне. Парижская выставка в Iris Clert Gallery в мае 1957 сопровождалась хеппенингом: 1001 синий воздушный шар был запущен в честь открытия, синие почтовые карточки были разосланы в качестве приглашения.

Пустота

Для следующей выставки в Iris Clert Gallery в апреле 1958 Кляйн решил показать пустоту — «Le Vide» («Вакуум»). Он убрал всё из галерейного пространства, за исключением большого шкафа, покрасил все поверхности белым, затем установил сложную процедуру входа в день вернисажа. Окно галереи было закрашено синим, синий занавес висел в вестибюле, рядом стояли гвардейцы в синем. Более 3000 человек были вынуждены стоять в очереди, чтобы посетить пустое пространство.

Космогонии

Кляйн создавал картины самыми разными способами, включая неортодоксальные. Например, подставлял под дождь специальным образом подготовленную бумагу. Полученные в результате картины он назвал космогониями. Первые Космогонии Кляйн создал летом 1960. Холст, покрытый синей краской, был закреплён на крыше автомобиля на протяжении поездки из Парижа в Cagnes-sur-Mer, и был подвергнут воздействию ветра, дождя и пыли. Ив сделал и другие работы такого рода, используя следы тростника, дождя и т. п.

Огненная живопись

Также Кляйн использовал огонь(Огненная живопись). Первую огненную живопись художник создал в 1961, в день закрытия своей выставки в Крефельде, Германия, поднося большие листы бумаги или картона к огню газовых горелок (из них состояла одна из работ на выставке — «Стена огня»). Чуть позднее Кляйн создаёт огненную живопись большого формата в исследовательском центре французской газовой компании около Парижа. Как и в космогониях и антропометриях, огненная живопись является отпечатком (в данном случае — следы огня). Кляйн использовал укреплённый картон, который горел медленнее обычного. Кроме того, он объединил действия воды и огня таким образом, чтобы печать пламени включала также следы воды.

Monogolds

В 1960 Кляйн на выставке Antagonismes, организованной Музеем декоративных искусств в Париже, впервые показал «Monogold frémissant». Кляйн создал серию Monogolds между 1960 и 1961, используя золото как драгоценный и символический материал. Некоторые работы объединяли серию прямоугольников в композицию; некоторые были сделаны из подвижных листов золота, закреплённых на панели, которые двигались при малейшем дыхании; третьи были рельефами с полированной поверхностью.

Антропометрии

Антропометриями Кляйн называл картины, созданные при помощи отпечатков человеческого тела на полотне. Первые эксперименты с техникой «живых кистей» прошли летом 1958 — Кляйн покрывал синей краской обнажённое тело молодой женщины, которая оставляла отпечатки своего тела на листах бумаги, расстеленных на полу. В 1960 он провел публичную демонстрацию антропометрий — девушек, вымазанных «международным синим цветом Кляйна» волочили по лежащему на полу холсту под аккомпанемент Монотонной симфонии (произведение исполнялось на одной ноте в течение десяти минут, потом следовала пауза также продолжительностью в десять минут).

Прыжок в пустоту

19 октября Кляйн совершил Le Saut dans le vide («Прыжок в пустоту») в Fontenay-aux-Roses, сфотографированный Harry Shunk и John Kender, которые сделали множество различных снимков (репетиция «прыжка» прошла до этого в Париже). 27 ноября, во время Фестиваля авангардного искусства в Париже, Ив Кляйн опубликовал Dimanche — четыре страницы в формате воскресного выпуска парижской ежедневной газеты Франс Суар (France Soir). На первой странице была фотография Saut dans le vide, озаглавленная «Un homme dans l’espace! Le peintre de l’espace se jette dans le vide» (Человек в космосе! Художник космоса бросает себя в пустоту).

Юлий Юльевич Клевер. «Упакованная картина», 1897 г. Холст, масло. Размер: 31,2 х 48,5 см. Курская государственная картинная галерея имени А.А. Дейнеки .

Второе название - «Картина, повернутая обратной стороной». Автор – Юлий Юльевич Клевер, когда-то невероятно популярный художник. Эта картина-обманка может быть расценена, как шутка в более широком смысле. Современники отмечали его жизнелюбие, оптимизм и чувство юмора. Возможно, мастер мог ответить таким образом слишком надоедливому заказчику или кредитору, непременно желающему приобрести «любую картину профессора Клевера».

«Упакованная картина» – произведение нетипичное для творчества Юлия Клевера, хотя и здесь угадывается его широкий мазок и характерный авторский фактурный замес. На классический раздвижной сосновый подрамник с колками и внутренним скосом натянут мелкозернистый холст. На подрамнике можно прочесть «г-ну Н.И. Мациеву 13/IV 97г 80 к.». Картина несколько небрежно обернута бумагой и перевязана бечевкой, под ней карточка «Юлiй Клеверъ профессоръ». Бечевка «слеплена живописью» так же, как лепятся ветки, коряги и корни множества его пейзажей.

Картина была написана, подписана и датирована. Полная подпись с указанием звания «профессор» подчеркивает собственноручность выполнение произведения. Это подчеркнуто дважды. Картина с изображенным холстом и подрамником имеет реальный авторский подрамник, на котором в правом нижнем углу прикреплена медная бирка с гравировкой: «проф. Ю.Ю. Клеверъ». Пожалуй, так явно свое авторство подтверждают только по настоятельной просьбе заказчика. На картине можно прочесть имя заказчика («г-ну Мациеву») и весьма символическую цену (80 к.), много меньшую обычным расценкам художника. В те времена за 80 копеек можно было купить две бутылки (0,61 л.) водки-«казенки» или килограмм мороженой сёмги.

Давид Тенирс Младший. «Картежники». 1640-е. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург. Россия.

Эдуард Мане. «Порт в Бордо». 1871 г. Масло, холст. Собрание фонда Эмиля Бюрле. Швейцария.

Франц Рубо. «Живой мост». 1897 г.

очень реалистичная картина, можно в учебники по истории

Поленов Василий Дмитриевич. "Ранний снег", 1891. Одноименный вариант-повторение картины, хранящейся в ГТГ. Холст на картоне, масло 37 х 71 см. Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова.

Поленов Василий Дмитриевич. "Лодка у реки", 1879. Холст, масло 67 х 116 см. Частное собрание, Швейцария.

Левитан Исаак Ильич. «Поезд в пути», 1890-е. Холст, масло. 59 x 76 см. Одесский художественный музей, Украина.

Храмов Алексей Дмитриевич. "Ночь на Волге". Холст, масло.

Камиль Писсарро. «Вокзал Лейн-Лордшип в Далвиче». 1871 г. Институт искусства Курто. Лондон. Великобритания.

Пабло Пикассо. «Человек в испанском пальто». 1900 г.

Камиль Писсарро. «Парк в Понтуазе». 1878 г. Масло, холст. Частная коллекция.

Пабло Пикассо. «Ребенок и кукла». 1896 г.

Эдвард Мунк. «Утро». 1884 г.

Левитан Исаак Ильич. "Первая зелень. Май", 1888. Увеличенное повторение этюда 1883 года. Холст, масло. 42 x 58 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Нередко подготовительные этюды к картинам более красочные, живые и интересные, чем завершенное произведение. В творчестве художников конца XIX столетия подчас ощущалось стирание граней между этюдом и законченной картиной. Это объясняется тем, что художники стремились отойти от концепции видового академического пейзажа.

Так И.И. Левитана иногда упрекали в этюдности, незавершенности картин. Но это – недоразумение, рожденное неумением критиков оценить красноречие поэтического лаконизма. Левитану как в этюдах, так и в законченных картинах чужды описательность, эффектность и пафос. Его пейзажи передают тончайшие нюансы природных мотивов, созвучные человеческим переживаниям. Сам художник очень ценил свои этюды за обаяние непосредственного живого контакта с природой.

Этюд «Первая зелень. Май» поражает яркой цветностью зелени. Солнечный свет проникает во все «поры» полотна, преображая скромный мотив в сияющую цветосветовую симфонию.

Левитан как истинный представитель московской школы живописи любовно относится к деталям. Он трепетно выписывает покосившийся притвор, плетеный заборчик, пронизанную солнечным светом зелень палисадника. Средний и дальний план справа прописан красками земляных цветов, использование которых отличает русских пленэристов от мастеров французского импрессионизма, которые их избегали.

Прибегая к сознательной экономии изобразительных средств, Левитан умеет даже в этюде передать и цветность, и упоение воздухом, и разлитый в пространстве солнечный свет.

По живописности и сбалансированности колорита этот маленький шедевр занимает заметное место в творчестве художника.