Живопись

Марк Шагал. «Портрет Вавы». 1966 г. Холст, масло.

Поль Сезанн. «Большие Купальщицы». 1905 г. Масло, холст. Фонд Барнса. Пенсильвания. США.

Мьё Вин Онг. Акварель.

Игорь Белковский. «Вечер в русской провинции». 2005 г.

Михаил Клодт. «Крестьянская усадьба у реки» (или «Вид в имении Загезаль близ Риги»). 1858 г. Холст, масло. 110х154 см. Томский областной художественный музей, частная коллекция.

Тамара де Лемпицка. «Спящая». 1932 г.

Карл Брюллов. «Портрет князя Михаила Андреевича Оболенского». 1846 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Константин Коровин. «Париж. Кафе де ля Пэ». 1906 г. Масло, холст. Третьяковская галерея. Москва. Россия.

Морис Утрилло. «Улица Маркаде». 1909 г.

Волобуев Евгений Всеволодович «Утро», 1957 год

На этой картине мы видим утро весеннего рабочего дня. На календаре примерно конец или середина апреля, на часах около 7 утра. Дворники вышли на работу и неторопливо оглядывают освещённые солнечными лучами улицы.

Зелёный киоск справа закрыт — у продавца ещё не начался рабочий день. Однако в округе можно увидеть немногочисленных людей, которые уже спешат на службу.

Яркая весенняя картина словно переносит зрителя на 60 лет назад в этот уютный дворик, где две женщины готовятся подметать дорожки. Вот-вот услышишь замечание от подбоченившейся дворничихи, которая явно чувствует себя здесь главной.

Картину «Утро» создал живописец Евгений Волобуев, который любил писать в жанре реализма. Его сюжеты выглядят так натурально, что буквально заставляют зрителя погрузиться в них. Художник говорил: «Я делаю не то, что зритель видит на холсте, а то, что он уносит с собой».

Волобуев избегал шаблонных приёмов в технике, поэтому не создавал школ и не имел учеников. Для каждой картины он искал средства, часто мучительно, наиболее подходящие поставленной задаче.

«Дело в том, что я всю жизнь писал только то, что меня волновало, а это большая роскошь. Может, в смысле жизненных благ я и проиграл, даже определённо проиграл, но в главном, как мне кажется, выиграл. .. Да иначе я и не мог», — отмечал мастер.

Хотя это сложно увидеть, но на картине «Утро» Евгений Волобуев обозначил своё присутствие. Он сделал это в виде спешащего на работу прохожего, который виднеется за деревянной зелёной будкой.

Филип Ричард Моррис «В ожидании прогулки»

На этой картине мы видим нарядно одетую маленькую девочку и мопса, сидящего рядом с ней.

Малышка одета как-будто для какого-то торжества. На ней белое атласное платье с широким поясом, туфельки в тон и такая же шляпка с пером. В руках у юной модницы белая сумочка, а на руках ажурные перчатки. Девочка похожа на миниатюрную леди — уменьшенную копию взрослой дамы.

Картина называется «В ожидании прогулки», а значит, девочка всего лишь одета на обычную прогулку. Очевидно маленькая героиня принадлежит к знатному аристократическому роду, поэтому гулять в таком виде для неё — обычное дело.

По видимым частям интерьера можно судить о богатой и роскошной обстановке в доме. Девочка сидит на мраморной лестнице, покрытой ковром, а в ногах у неё лежит отделанная шкура какого-то животного.

Малышка терпеливо ждёт свою маму или гувернантку, которые выведут её погулять. С ней также терпеливо ожидает прогулки её верный дружок — собачка породы мопс.

Однако заметно, что парочка сидит довольно давно. Пёсик уже с тоской и надеждой глядит на невидимого взрослого, словно спрашивая: «Ну когда уже? Ты там скоро?»

Мопсик выглядит очень умилительно. Художник тщательно выписал каждую черточку на мордочке, придав ей вполне осмысленное выражение. Можно угадать даже характер мопса — он хоть и немного избалован, но вполне воспитан и достаточно терпелив.

В целом картина производит очень позитивное впечатление. Девочка и пёсик смотрятся вместе очень мило и гармонично. Сегодня полотно хранится в Художественной галерее леди Левер в Великобритании.

Иван Горохов «Запил», 1929.

На этой картине мы видим деревенскую семью, в которой явно происходит что-то неладное. Младший ребёнок плачет на лавке, средняя девочка в страхе схватилась за маму, а старший сын в напряжении стоит возле печки. Давайте попробуем разобраться, что же здесь происходит.

Картину написал русский художник Иван Горохов, который, в основном, создавал небольшие жанровые полотна, посвященные деревенской жизни. Не стала исключением и его работа под названием «Запил», написанная в 1929 году.

На этом полотне художник изобразил традиционный деревенский сюжет, о котором очень красноречиво говорит само его название. Глава семейства ушёл в запой, а значит, жизнь остальных домочадцев превратилась в ад.

Мужчина заходит в избу, что-что выкрикивая и размахивая бутылкой. По состоянию пьяницы хорошо видно, что он из буйных — ведёт себя очень агрессивно, чем сильно пугает своих детей. Мать, вероятно, уже ничего не боится, потому что привыкла к подобным ситуациям. Она покорно опустила голову, готовясь к неотвратимому кошмару.

Очень интересна реакция старшего мальчика. В отличие от других членов семьи, он полон злобы на отца и в ярости сжимает кулаки, готовясь дать отпор и защитить семью. Конечно, он ещё очень мал и не справится со взрослым пьяным мужчиной, но хорошо видно, что ему это всё уже надоело.

Подобные сцены не были редкостью в деревнях. Так описывает пьянство Антон Чехов в своей повести «Мужики»:

«На Илью пили, на Успенье пили, на Воздвиженье пили. На Покров в Жукове был приходский праздник, и мужики по этому случаю пили три дня; пропили 50 рублей общественных денег и потом еще со всех дворов собирали на водку. В первый день у Чикильдеевых зарезали барана и ели его утром, в обед и вечером, ели помногу, и потом еще ночью дети вставали, чтобы поесть. Кирьяк все три дня был страшно пьян, пропил все, даже шапку и сапоги, и так бил Марью, что ее отливали водой. А потом всем было стыдно и тошно».

Примечательно, что вид избы с картины «Запил» Горохов использовал и в других своих в произведениях, в частности на картине «Девочка с котятами», «В избе» и «Крестьянская девочка у печки».

Репродукцию картины «Запил» напечатали огромным тиражом — 60 тысяч экземпляров. И распространяли с целью пропаганды трезвости и обличения пьянства. В настоящее время эта картина, как и многие другие работы Горохова, находится в частной коллекции и не доступна для широкого круга зрителей.

Фирс Журавлёв «Приезд извозчика на родину», 1868.

«Приезд извозчика на родину» Фирса Журавлёва. На ней можно увидеть простую семью русских крестьян: мужа, жену, ребёнка и родителей. Поскольку в прошлом женщины всегда жили в доме мужа, то, вероятнее всего, перед нами свёкр и свекровь. Зрителю сразу видна конфликтная ситуация между этими людьми. Что же у них произошло? Давайте попробуем разобраться.

Работа художника называется «Приезд извозчик а на родину», а значит, глава молодой семьи только-только вернулся из длительной поездки, где он был на заработках. В те годы извозчики уходили «в извоз» на несколько месяцев, а иногда и на полгода. Поэтому могли быть и сюрпризы по возвращении домой, как, например, на этой картине.

Художник изобразил мужчину только что вошедшим в дом. В его руке мы видим красный шёлковый платок, вероятно, его он привёз в подарок жене. Однако он совсем не ожидал увидеть свою супругу беременной. Муж сильно озадачен сложившейся ситуаций, постепенно его охватывает злость.

Мужчину спешить успокоить мать, обнимая его за плечи и словно останавливая от рукоприкладства. Хотя если посмотреть с другой стороны, наоборот, можно увидеть, будто свекровь нашёптывает клевету на свою невестку.

На заднем плане стоит еле заметный свёкр и внимательно следит за конфликтом. На всякий случай, он взял в руки хлебную лопату, чтобы вмешаться, если ситуация выйдет из-под контроля. Учитывая, что в те времена было распространено снохачество, то отцом будущего ребёнка вполне мог быть сам свёкр. Поэтому он и прячется возле двери, понимая, что у самого рыльце в пушку.

Лицо самой женщины совсем не выражает страха. Она хорошо понимает, что может быть побита собственным мужем. Хотя, возможно, будущий ребёнок не нагулянный, просто, когда муж уехал, срок был ещё очень мал, а то и вовсе ребёнок был только зачат. Поэтому женщина может быть совсем не виновата, а гнев муж совершенно не обоснован.

Особого внимания на картине заслуживает сынок, который сильно испугался. Возможно, он даже не признал отца, поэтому крепко прижимается к матери, стремясь защитить её от сердитого мужчины.

На картину обратил внимание Павел Третьяков, но так и не купил её для своей галереи. Однако работа не затерялась, а стала частью экспозиции Государственного художественного музея республики Беларусь.

Анри Гийом Шлезингер «Небольшая оплошность»,1886.

На этой картине изображена маленькая девочка, которая в растерянности стоит перед разбитой вазой. Во время игры она была неосторожна и нечаянно опрокинула столик, превратив красивый предмет интерьера во множество осколков.

Теперь юная леди думает о том, как ей избежать наказания за свою шалость, ведь родители могут быть очень огорчены, увидев испорченное имущество.

Хотя, возможно, девочке не грозит наказание, ведь обстановка в доме довольно богатая, поэтому купить новую вазу для хозяев не является проблемой. Скорее всего мать с отцом немного пожурят маленькую шалунью и простят ей её оплошность.

Картину создал французский художник немецкого происхождения Анри Гийом Шлезингер. Основное место в его творчестве занимали чувственные изображения молодых женщин.

Шлезингер выставлялся в Салоне французских художников. В 1847 году он был удостоен ордена Почетного легиона Франции. Его работы хранятся в музеях Вены и залах Версаля.

Исаак Левитан «Озеро», 1899-1900 гг.

На этой картине мы видим раскинувшееся посреди полей голубое озеро в летний солнечный день.

Сбоку тихо шелестит камыш, на воде играют солнечные блики, в прозрачной глади отражается церковь, величественно стоящая на другом берегу. Также на том берегу мы можем увидеть поля и деревеньку, которая раскинулась на широких зелёных холмах.

Картина очень позитивная, яркая и солнечная. От неё веет спокойствием и умиротворением. Однако есть ощущение неоконченности сюжета, как будто в ней чего-то не хватает.

На самом деле это последняя картина художника Исаака Левитана, которая считается незавершённой. Левитан работал над полотном незадолго до своей смерти в 1899–1900 годах.

Большинство искусствоведов считают, что сюжет «Озера» возник у Левитана в усадьбе Богородское в 1898 году, где он жил у Сергея и Елизаветы Олениных. Во время отдыха художнику очень понравилось местное озеро Сенеж, которое произвело на него впечатление своей величественной красотой и необъятностью.

В письме к своему другу Антону Чехову от 23 июня 1898 года Левитан писал: «Живу я здесь в великолепном месте: на берегу очень высокого громадного озера, кругом меня леса, а в озере кишит рыба…»

В Богородском художник написал ряд пейзажей и этюдов, которые, возможно, в последствии использовал для написания картины «Озеро».

Также некоторые знатоки считают, что на идею картины оказали влияние стихи Пушкина. Например, художник Борис Липкин, который был учеником Левитана, утверждал, что сюжет картины позаимствован из пушкинского стихотворения «Туча». Однако это всего лишь одна из версий, никак не подтверждённая.

Первый публичный показ картины состоялся уже после смерти художника в 1901 году.

Картина «Озеро» также имеет названия «Озеро. Русь» и «Солнечный день». Изначально Левитан собирался назвать свой пейзаж «Русь», однако потом посчитал это название слишком пафосным. Во время первого показа на выставке в 1901 году пейзаж назывался «Солнечный день». Позже критики решили назвать картину «Озеро».

Полотно считается одним из главных произведений Левитана, оно было высоко оценено критиками и искусствоведами.

В настоящее время картину «Озеро» можно увидеть в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

Иван Шишкин «Среди долины ровныя…», 1883.

На этой картине мы видим одинокий красивый дуб, который возвышается посреди степи. Его широкие раскидистые ветви создают густую тень, давая редкому путнику место для тишины и отдыха.

Дуб выглядит очень одиноким и грустным, таким же, каким был художник Иван Шишкин во время написания этой картины. Живописец похоронил двух своих жён и двух сыновей, а также отца и близкого друга. Он был подавлен и удручён своим горем, постоянно чувствуя обиду на судьбу и боль утраты.

Своё тяжёлое состояние художник воплощал в творчестве, рисуя одинокие и печальные деревья. Некоторые из таких картин были навеяны стихами, как, например, сосна из произведения «На севере диком…», а также дуб из стихотворения Алексея Мерзлякова «Среди долины ровныя…»

Среди долины ровныя,
На гладкой высоте,
Цветет, растет высокий дуб
В могучей красоте.
Высокий дуб развесистый,
Один у всех в глазах;
Один, один, бедняжечка,
Как рекрут на часах!
Взойдет ли красно солнышко -
Кого под сень принять?
Ударит ли погодушка -
Кто будет защищать?
Ах, скучно одинокому
И дереву расти!
Ах, горько, горько молодцу
Без милой жизнь вести!

Этот дуб Шишкин увидел во время прогулки за городом и сразу же вспомнил это стихотворение. Тут же перед его глазами предстал будущий пейзаж.

Однако искусствоведы полагают, что художник создавал эту работу не с натуры, а по памяти, используя для подсказки свои же произведения «Дубы» и «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» .

При этом предыдущие картины, хотя и изображают одинокие деревья, но не отдают одиночеством, ведь в то время, когда художник писал их, он ещё не терял близких и не ощущал горечь утраты.

А вот после смерти второй жены стали появляться картины, давящие своим трагизмом и грустью. Особую глубину и печаль картине «Среди долины ровныя…» придает чередование насыщенности оттенков.

Одиночество стало вторым "Я" художника… И никуда от него не деться. Это и пейзаж, и автопортрет.

В настоящее время картина «Среди долины ровныя…» является частью коллекции Киевского государственного музея русского искусства и пользуется большой популярностью у туристов.

Василий Калистов «Ревизия питомцев воспитательного дома», 1866.

На этой картине мы видим крестьянскую избу, посредине которой вальяжно сидит чиновник, закинув ногу на ногу. Молодая крестьянка с ребёнком показывает ему какой-то документ, а девочка целует ему руку. Вокруг стоят ещё женщины с детьми разного возраста. Что же здесь происходит?

В XIX веке была такая практика — отдавать детей-сирот на воспитание в крестьянские семьи. Крестьянам, которые брали сирот на воспитание, выделяли денежное пособие — примерно 3-4 рубля в месяц. Деньги платили, пока возраст воспитанника не достигал 17 лет, а воспитанницы — 15 лет.

Для контроля родителей, взявших сирот на воспитание, была придумана целая система. На ребёнка надевали медальон на шнурке, который пломбировали. Снять шнурок, чтобы перевесить медальон на другого ребёнка, было невозможно. И при предъявлении этого шнурка на шее ребёнка приёмным родителям выдавались деньги на содержание.

Такой метод придумали, что крестьяне не могли подменить взятого на воспитание ребёнка другим. Например, если сирота по каким-то причинам умер, нельзя было подменить его своим подходящим по возрасту ребёнком, чтобы получить пособие.

На картине мы видим чиновника, который приехал в деревню, чтобы проконтролировать проживание детей сирот в крестьянских семьях. Молодая женщина, показывает чиновнику документ, чтобы он удостоверился в том, что это та самая девочка, которую женщина брала на воспитание и что с ней всё в порядке.

Видно, что седовласый мужчина не сильно интересуется ребёнком, он лишь бегло взглянул на бумажку. Вообще заметно, что чиновник находиться здесь лишь «для галочки», судьба детей его мало интересует.

По сторонам стоят ещё три женщины с детьми, ожидающие проверки. Видно, что дети у них чистые и ухоженные. И лица у женщин довольно добрые. Хочется думать, что малышам в семьях живётся хорошо.

Одна из девочек сильно напряжена и как будто напугана. Возможно, она боится, что её заберут обратно в приют. Однако приёмная мать пытается её успокоить и убедить, что всё будет хорошо.

Общий фон картины вызывает небольшое напряжение и тревогу. Однако хочется верить, что данная процедура никаких проблем для детей не предвещает.

Тем более крестьяне собрались на всякий случай «умаслить» чиновников. Им накрыли небольшой стол с самоваром, крестьянский мужичок преподносит второму чиновнику чарку крепкой наливки, а на лавке видна корзина свежих яиц, которую крестьяне приготовили чиновникам в подарок.

Исаак Левитан «Вечер после дождя», 1879.

На этом полотне мы видим одинокий полустанок с деревянным настилом и открытой платформой. Вечереет, только что прошёл дождь. Вдали виднеется поезд, но пассажиров, ожидающих его, нет. Это делает полотно ещё более одиноким и таинственным.

Однако Левитан не просто изобразил пустынный перрон. Он передал картине впечатления, которые произвёл на него этот пейзаж.

Полотно было создано в дачном посёлке Салтыковка под Москвой, где 18-летний Левитан оказался по воле жестоких обстоятельств. Дело в том, что на пасху 1879 года на императора Александра II было совершено покушение, после чего стали везде выявлять неблагонадёжных. Вскоре вышел странный указ, запрещавший евреям жить в столицах. В результате, Левитан переселился в дачный посёлок Салтыковка.

Дом молодого художника находился прямо возле небольшого полустанка, через который ходили поезда на Нижний Новгород. Левитан часто ходил сюда, чтобы полюбоваться железнодорожными пейзажами, которые навевали ему воспоминания о детстве. Ведь его семья жила в местечке Кибарты в Литве, которое находилось прямо на границе с Пруссией. Отец будущего художника был станционным служащим, поэтому Левитаны всей семьёй жили на маленьком железнодорожном полустанке.

Картину «Вечер после дождя» художник написал в июле. Он тщательно прорисовал всё до мельчайших деталей: и кассовый домик, и пешеходный настил, и блестящие после дождя рельсы, и кучевые облака, и закат. Так описывал эту картину искусствовед Иван Евдокимов:

«в грозовых сумерках, под низко нависшими облаками к платформе приближался девятичасовой поезд на Нижний. Трёхглазый паровоз бросал столбы сильных широких лучей. Они прокалывали сумерки, нащупывали ближние кустарники, оживляли и заставляли трепетать их в белом переливающемся пламени. Платформа и рельсы, ещё не просохшие от ливня, блестели, блестели лужи, купая в себе дрожащие разноцветные огни».

Молодой нуждающийся Левитан быстро продал своё творение лавочнику-антиквару Ивану Родионову по прозвищу Саламандра за 40 рублей серебром. Это были огромные деньги для начинающего художника, на которые он мог, спустя год, снять меблированную комнату на Лубянке.

Между тем, картина «Вечер после дождя» осела в частных коллекциях, поэтому не экспонировалась ни на одной выставке. Зрители могут видеть её только в репродукциях.

Джон Роддэм Спенсер Стэнхоуп «Мысли о прошлом», 1859.

На этой картине мы видим молодую рыжеволосую женщину, которая стоит у окна бедного жилища. Она схватилась рукой за свою длинную прядь и грустно смотрит вдаль, словно мучительно переживая какое-то неприятное событие.

Картину создал прерафаэлит Джон Роддэм Спенсер Стэнхоуп, который любил писать жанровые сюжеты и уделял большое внимание символизму. В своей работе под названием «Мысли о прошлом» художник спрятал немало символов, которые мы попытаемся найти и рассмотреть.

Первое, что бросается в глаза — это яркие рыжие волосы героини, в которые она жёстко вцепилась рукой. Что же символизирует цвет её волос? Дело в том, что художник изобразил на своей картине женщину лёгкого поведения, которые в Викторианскую эпоху ярко красили лицо и волосы, чтобы выделяться среди благопристойных дам.

Рыжие волосы были очень популярны у художников-прерафаэлитов. Такой цвет также отсылает к историческим событиям времён Древнего Рима, когда всех проституток обязывали перекрашивать локоны в рыжий, чтобы отличаться от других женщин.

Символом «падшей женщины» также является река Темза, которая в те времена была очень грязной. Картина написана в 1859 году, а 1858 год известен как год «Великого зловония», когда Темза была особенно запущена и испускала страшный смрад.

Через окно также виден мост Ватерлоо, с которого нередко прыгали проститутки, лишая себя жизни. А неподалёку от него находится оживленная улица Лондона Стрэнд, популярная среди падших женщин викторианского периода.

В левом нижнем углу картины можно увидеть мужскую перчатку и трость, что говорит о недавнем пребывании мужчины в квартире.

Брошенная на полу перчатка также может говорить о том, что однажды девушка была покинута мужчиной или изгнана из дома, в результате чего была вынуждена стать женщиной лёгкого поведения. Подобное можно увидеть на картине Уильяма Ханта «Пробуждение совести».

В правом нижнем углу изображён букет фиалок. На языке цветов, с которым были знакомы все викторианцы, фиалки символизировали верность, и тот факт, что они выброшены, чтобы засохнуть и увянуть, может говорить о множественных связях с мужчинами, которые являются реальностью проституции.

Цветы в горшках хоть и увяли, но земля в них сухая, как и душа самой женщины, которая оказалась в тяжёлых обстоятельствах, вероятно, не по своей воле. Именно мысли о грустном прошлом не дают покоя героине картины.

Примечательно, что изначально художник задумывал картину как диптих. В его намерениях было показать жизнь этой женщины до попадания в «древнейшую профессию». Однако мастер отказался от этой идеи и сделал полотно с самостоятельным сюжетом.
В настоящее время работа является частью собрания Лондонской галереи Тейт.

Иван Шишкин «Ручей в березовом лесу», 1883/

Иван Шишкин видел природу глазами художника, стараясь уловить в ней моменты, не видимые обычным людям. На картине этой картине мастер изобразил тихий лесной ручей, через который перекинут самодельный деревянный мостик. Деревья здесь кажутся такими большими, что человеческие фигуры на тропинке возле ручья выглядя маленькими букашками.

Две женские фигуры удаляются от зрителя по лесной тропинке, пролегающей вдоль заросшего ручья. Высокие стройные берёзы молчаливо стоят по обе стороны водоёма, словно часовые.

Каждое нарисованное деревце уникально, как и всегда у Шишкина, каждое имеет свои неповторимые природные изгибы. Картина вся пропитана солнечным светом, проникающим сквозь ветви деревьев, который согревает и зелёную траву, и протоптанную тропинку, и путников. В целом колорит композиции довольно тёмный, что создаёт ощущение уединённости и защищённости.

Далеко впереди деревья расступаются и зритель, наконец, может увидеть залитую солнцем поляну. Очевидно, именно туда стремятся героини картины. Символический путь к свету сквозь тень является движущим мотивом сюжета.

Илья Репин «Николай Мирликийский избавляет от смерти трёх невинно осуждённых», 1888.

На этой картине мы видим начавшуюся казнь. Палач замахивается мечом, чтобы отрубить голову арестанту в кандалах, но пожилой мужчина пытается помешать ему. Два других арестанта удивлённо смотрят на происходящее, причём выглядят они довольно странно: один из них одет в розовое платье. Что же здесь происходит?

Эту картину написал Илья Ефимович Репин, назвав работу «Николай Мирликийский избавляет от смерти трёх невинно осуждённых». Сюжет произведения появился у автора спонтанно, в ходе работы над портретом Николая Чудотворца.

Репин периодически приезжал в Николаевский женский монастырь в селе Стрелечьем Харьковского уезда, чтобы навестить свою двоюродную сестру Эмилию. Игуменья этого монастыря и попросила художника написать портрет Святого Николая. В начале мастер рисовал лик в стиле иконописи, но потом увлёкся и создал большую картину с драматическим сюжетом.

Сюжет полотна имеет историческую подоплёку и был взят из византийской летописи. Он основан на истории из жизни Николая Чудотворца, который узнал, что трое невиновных людей осуждены на казнь из-за подкупа. Святой тут же пошёл на место казни и остановил её.

Византийский писатель Симеон Метафраст так описал этот случай:
"Когда святой это увидел и обратил взор на печальное зрелище, то, уравновесив суровость мягкостью, не сказал ни дерзкого, ни резкого слова, но и не выказал никакой опаски или робости; сколько доставало сил он побежал к палачу, смело выхватил из его рук меч, и, ничего не страшась, бросил на землю, и осуждённых освободил от их оков. Никто не воспрепятствовал его самовластному поступку…"

Именно этот момент и изобразил на своём полотне Илья Репин. Мы видим, что осуждённые на казнь восхищены и удивлены таким поступком. Самый пожилой из них тянет руки к святому, двое других также готовы преклониться перед ним.

Приглядевшись к картине, многие замечают, что молодой арестант облачён в короткое розовое платье, что на первый взгляд может показаться странным.

Но на самом деле в этом нет ничего странного, поскольку это могла быть его обычная одежда. Ведь Николай Чудотворец жил на территории бывшей Византии в IV веке, а в то время мужчины низших сословий носили короткие и подпоясанные туники, как мы и видим на картине.

Харизматичного юношу Репин писал с поэта Дмитрия Мережковского. Для образа Николая Чудотворца позировал поэт Аполлон Майкова, натурщиком для палача был живописец Николай Кузнецов, а в спасённом арестанте можно увидеть черты писателя Иеронима Ясинского.

Репин написал два повторения картины, одно из которых было всё же передано Николаевскому женскому монастырю. Однако в 1930 году монастырь закрыли и картина пропала. В 1934 году полотно было найдено в квартире председателя местного совета, после чего изъято и передано в Харьковский художественный музей. Оригинал же находится в Государственном русском музее в Санкт-Петербурге.

Клавдий Лебедев. «Царь Иван Грозный просит игумена Кирилла благословить его в монахи», 1898.

На этой картине мы видим удивительную сцену, которая происходит между монахами и Иваном Грозным. Царь упал на колени перед игуменом и явно просит его о какой-то услуге. О какой же?

Картина называется «Царь Иван Грозный просит игумена Кирилла благословить его в монахи». Но неужели царь действительно хотел уйти в монастырь или же это просто вымысел художника.

Слово «Кирилл» в названии картине, скорее всего, означает не имя игумена, а Кирилло-Белозерский монастырь, который очень почитался царём Иваном IV. Дело в том, что князь Василий и княгиня Елена долго посещали различные монастыри, вымаливая у Господа сына. И в 1530 году, после посещения Кирилло-Белозерского монастыря, у них появился наследник — будущий царь Иван Грозный.

Счастливая пара сразу же одарила монастырь, да так щедро, что хватило на возведение двух храмов: архангела Гавриила и Иоанна Предтечи.

Иван Грозный, скорее всего, был благодарен чудодейственной силе монастыря за своё рождение, поэтому питал к нему особую симпатию. Он щедро одаривал святыню и сам несколько раз прибывал на молебны, живя при этом в специально выстроенных для него палатах.

Историки считают, что во время одного из приездов в Кирилло-Белозерский монастырь царь беседовал со старцами о том, что хотел бы постричься в монахи и даже дал монастырю 200 рублей себе на келью.

Об этом также свидетельствует послание Ивана Грозного в Кирилло-Белозерский монастырь, которое было написано в сентябре 1573 года. Там говориться:

«Вы помните, святые отцы, как некогда случилось мне прийти в вашу пречестную обитель пречистой Богородицы и чудотворца Кирилла ... И в долгой беседе я, грешный, открыл вам свое желание постричься в монахи и искушал, окаянный, вашу святость своими слабыми словами. Вы же мне описали суровую монашескую жизнь. И когда я услышал об этой Божественной жизни, сразу же возрадовались мое скверное сердце с окаянной душою, ибо я нашел узду помощи Божьей для своего невоздержания и спасительное прибежище. С радостью я сообщил вам свое решение: если Бог даст мне постричься в благоприятное время и здоровым, совершу это не в каком-либо ином месте, а только в этой пречестной обители пречистой Богородицы, созданной чудотворцем Кириллом. И когда вы молились, я, окаянный, склонил свою скверную голову и припал к честным стопам тогдашнего игумена, вашего и моего, прося на то благословения. Он же возложил на меня руку и благословил меня на ту жизнь, о которой я упоминал, как и всякого человека, пришедшего постричься».

Так что, художник вовсе не выдумал сюжет своей картины, а взял его из реальных исторических событий. Согласно сохранившимся историческим данным, Иван Грозный всё же припадал к ногам игумена и просил его благословения на постриг, что мы и можем видеть на полотне Клавдия Лебедева.

Фёдор Васильев «Мокрый луг», 1872.

«Мокрый луг» — картина русского художника Фёдора Васильева (1850—1873), написанная в 1872 году. Она является частью собрания Государственной Третьяковской галереи.

Художник изобразил момент изменения погоды: по небу плывут тучи, но слева уже светлеет. На переднем плане — омытый дождём луг, на заднем плане находятся несколько деревьев. Свежесть живописи и точность воссоздания атмосферы достигается использованием многочисленных оттенков зелёного цвета.

В своих произведениях Фёдор Васильев большое значение придавал небу, которое в его картинах всегда главенствовало над землёй. «Мокрый луг» тоже не стал исключением. Художник уловил изменения состояния погоды. На переднем плане луг, омытый дождём, на заднем плане уходят тучи и появляется свет, дарящий зрителю надежду. Ровный луг с немногочисленными деревьями усиливает ощущения простора и глубины картины и ничто не отвлекает от главного – неба.

В июле 1871 года Фёдор Васильев уехал в Крым, в надежде вылечить туберкулёз. Там же, не с натуры, а основываясь на своих зарисовках и впечатлениях, он написал картину «Мокрый луг», которая была закончена в 1872 году. В том же 1872 году картина участвовала в конкурсной выставке Общества поощрения художников и получила там почётную вторую премию среди ландшафтных произведений, а первую премию получила картина Ивана Шишкина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии».

Перед выставкой Васильев писал Крамскому, что его картину собирался купить великий князь Николай Константинович. Тем не менее, картину удалось перекупить Павлу Третьякову, который приехал в Санкт-Петербург ещё до начала выставки.

Хенрикюс Антониус (Хан) ван Мегерен «Христос и грешница», 1942 год.
Как картина «Христос и грешница» помогла разоблачить величайшего фальсификатора

На картине мы видим популярный библейский сюжет, известный как «Христос и грешница». Эта история нашла отклик во многих произведениях литературы и искусства, не теряя своей актуальности долгие годы.

Многие художники писали свои вариации этой новозаветной притчи. Так появилась на свет и эта картина, однако она была создана совсем не тем мастером, которому изначально приписывалась.

Библейский сюжет рассказывает о женщине, обвинённой в прелюбодеянии, которую привели к Христу книжники и фарисеи. Ссылаясь на заповеди Моисея, мужчины требовали забить несчастную камнями. Однако Иисус сказал им: «кто из вас без греха, первый брось на неё камень». В итоге камень так никто и не бросил, и женщину отпустили. «Я не осуждаю тебя; иди и впредь не греши», — сказал ей Христос.

В 1943 году картина с таким сюжетом попала в руки Германа Геринга, который был одним из самых ненасытных воров среди нацистских генералов. Полотно 17-века авторства Яна Вермеера было обнаружено у обергруппенфюрера СС после его ареста в 1945 году.

Картину нашёл американский капитан Гарри Андерсон, и американцам не составило труда установить, что шедевр был продан пособнику фюрера голландцем Ханом ван Мегереном. Цена картины составляла 1 650 000 гульденов (около 6 миллионов франков).

Поскольку картина была национальным достоянием, к её продаже подключилось государство. После осторожных переговоров сделка состоялась следующим образом: Третий рейх заплатил «натурой» за покупку Вермеера. То есть в Голландию было возвращено 200 подлинных полотен, которые были вывезены нацистами во время вторжения и общая стоимость которых превышала запрашиваемую цену.

Сделка оказалась успешной, однако после войны к Хану ван Мегерену появилось много вопросов. Выяснилось, он неоднократно продавал подлинники картин голландских мастеров, но было непонятно, где он их брал. Во время войны это особо никого не интересовало, однако потом было начато расследование.

Ван Мегерена арестовали и предъявили ему обвинение в распродаже национального культурного достояния и пособничестве нацистам. За такие преступления мог последовать расстрел, поэтому ван Мегерену ничего не оставалось, как сделать сенсационное признание.

12 июля 1945 года барьер нерешительности художника спадает и прорывается неудержимый поток признаний вперемешку с руганью:

– Дураки! Вы сборище идиотов! Такие же дураки, как и все остальные. Не продавал я никакого национального сокровища! Я сам написал его!..

Предприимчивый голландец признался, что на самом деле все продаваемые им картины писал он сам, выдавая их за полотна знаменитых голландских мастеров. А у Яна Вермеера вообще не было картины «Христос и грешница».

Так политическое преступление переквалифицировалось в преступление сферы искусства.

Для судебного эксперимента Ван Мегерен в 1945 году в течение шести недель под наблюдением спецслужб пишет картину «Молодой Христос, проповедующий во храме (Иисус среди книжников)» в вермееровском стиле. Экспертиза подтвердила — Мегерен действительно может быть автором всех тех картин, которые продал.

Для властей самая неприятная сторона этого дела заключалась именно в том, что Мегерен — не коллаборационист, а выдающийся фальсификатор. Но как его судить, если он сам раскрыл себя, да ещё к тому же помог вернуть Голландии 200 произведений искусств? Кроме того, в совсем неприятном свете предстают искусствоведы, эксперты, министры и торговцы, которые признавали эти картины подлинниками.

Мегерен всячески содействовал исследовательской комиссии, раскрывая мельчайшие подробности своей техники фальсификации. Он подсказал, что трещинки-кракелюры на «старинных» картинах получены искусственным путём с помощью поджаривания фальшивки в печке.

В итоге Хан Ван Меегерен был приговорён всего лишь к одному году лишения свободы, а его картины не уничтожили и вернули владельцам.

К сожалению, из тюрьмы великому фальсификатору не суждено было выйти. Он скончался от сердечного приступа спустя месяц с начала заключения.

Касаткин Николай Алексеевич. "За обедом", 1888. Холст, масло 67,5 х 53,5 см. Частное собрание.

Шильдер Андрей Николаевич. «Рыбак на лесной речке», 1888. Холст, масло 65 х 46 см. Частное собрание.

Серебрякова Зинаида Евгеньевна. "Сидящая крестьянка", 1908. Холст, масло. Частное собрание.

Саврасов Алексей Кондратьевич. "Раннее утро. Волга", 1887. Холст, масло. 86 x 142 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Репин Илья Ефимович. «Сходка», 1883. Холст, масло 104,3 x 175,2 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

«Сходка» – одна из картин Ильи Репина, связанная с движением народников. Этой же теме посвящены «Арест пропагандиста» (1878; Третьяковская галерея), «Арест пропагандиста» (1880-1889, 1892; Третьяковская галерея), «Перед исповедью» (1879-1885; Третьяковская галерея).

Картина написана в год посещения художником Германии, Голландии, Франции, Испании, Италии. Возможно, именно этим объясняется близость ее стилистики полотнам старых мастеров. Композиция “Сходки” напоминает традиционную иконографию «Тайной вечери» — собрание избранных вокруг стола, связанных общей тайной.

Крупные контрастные пятна света и тени становятся акцентом композиции, подчеркивающим напряженную атмосферу сходки революционеров. Вслед за Рембрандтом художник использует эффект экранированного света, когда его источник частично скрыт. Неслучайно авторское название полотна — “При свете лампы”. Лица в таком освещении предстают смазанными, их индивидуальные черты в основном не различимы. В этом решении также прослеживается влияние картин Веласкеса, которые нравились Репину намеренной неоконченностью.

Хотя “Сходка” не была подготовительной работой для другого полотна и имела немалый размер, Репин называл ее эскизом. Живописец подразумевал широкую беглую манеру письма картины, используемую как художественный прием.

«Сходка» экспонировалась на задуманной Репиным выставке «опытов художественного творчества» русских и иностранных художников и учеников 1896–1897 годов в Санкт-Петербурге. В феврале 1896 года Иван Цветков приобрел полотно у его автора. Хотя небольшой дом коллекционера вынуждал его покупать картины малого размера, для этой работы было сделано исключение.

Побывавший у Цветкова чувашский просветитель Иван Яковлев позднее связывал сюжет картины с трагическими событиями, случившимися за два года до ее создания: «Помню… работу художника Репина, изображающую убийц Александра II — Желябова, Перовскую и других, на сходке обсуждающих план цареубийства». Он вспоминал рассказ коллекционера о том, что император Николай II заинтересовался этой картиной и, будучи в Москве, нарочно посетил особняк Цветкова.

«Сходка» является одной из картин Репина, посвященных событиям современности и вместе с тем отражающих его глубокое осмысление и интерпретацию классического наследия.

Крачковский Иосиф Евстафьевич. "Пейзаж с заходящим солнцем". Холст, масло 77,5 х 87,5 см. Частное собрание, Европа.

Маковский Владимир Егорович. «Крестьянские девочки», 1877. Холст, масло, 29 х 19 см. Частное собрание.

ещё бы неплохо указывать откуда копируешь описание к картине..
автор такой то..

Первоисточники этих текстов - альбомы по искусству.

https://kasparovchess.crestbook.com/threads/1055/page-63#post-1124475

Пьер Огюст Ренуар. «Клод Моне, пишущий картину в своем саду в Аржантёе». 1873 г.

Хосе Хименес Аранда. «Счастливый пьяница», Вторая половина 1890-х. Дерево, масло. Размер: 35.5 x 27 см. Музей Джека С. Блантона, Техасский университет, Остин, США.

Хосе Хименес Аранда (1837-1903), один из самых значимых севильских художников 19 века. Известен как мастер карикатуры, жанровой исторической, портретной живописи. По большей части специализировался на изображении анекдотических военных сцен.

В 1890 году Аранда резко меняет темы своих работ, начиная писать сцены из повседневной жизни, хотя в испанской живописи обращение к этим темам не отличалось ни особой глубиной, ни ярко выраженной социальной окрашенностью. Такова картина «Счастливый пьяница»

В отличие от опьяневших и потерявших свой человеческий облик греческого Силена и других героев картин Питера Пауля Рубенса, пьяница Хосе Хименеса Аранды - охмелевший, но добродушный старичок, наслаждающийся вкусом вина и пребывающий в состоянии эйфории. С другой сторону, можно сказать, что художник очень красочно изобразил, как неприглядно выглядит человек чья радость в бутылке и назвать эту картину портретом деградации личности.

Работам испанского художника свойственны абсолютно законченная техника и утонченный рисунок. Хосе Хименес Аранда был известным карикатуристом и иллюстратором, создав 689 выделенных рисунков для трехсотлетнего издания "Дон Кихота".